musique thomas mann: les dossiers

Chant et musique religieuse du Tibet

2008-04-02T09:41:00.000-07:00

Le Tibet constitue l’une des cinq régions autonomes de la république populaire de Chine. Il s’agit d’un ensemble de hautes chaînes montagneuses dont l’altitude ne descend jamais sous les trois mille mètres, ce qui rend les conditions de vie plutôt difficiles.
La religion autochtone primitive du Tibet est généralement appelée Bon. Dans son état ancien, elle s’apparente à une sorte de chamanisme (religion asiatique fondée sur les relations avec des esprits surnaturels.
Le Bouddhisme « tibétain » (ou Lamaïsme) a été introduit dans le pays au VIIe siècle ap. JC par un moine indien, Padma Sambhava, appelé « grand Guru », c’est-à-dire « Maître Spirituel » (Lama, le dalaï-Lama étant le chef du bouddhisme tibétain). Cette religion s’appuie sur un ensemble de doctrines ayant pour support les écritures sacrées réunies dans les tantras (livres), les pratiques religieuses font appel à des techniques psychophysiologiques (méditation – Yoga) où les exercices respiratoires font l’objet d’une grande attention.
A la tête du monastère où les moines vivent en communauté, se trouve le Tulku, un moine réincarné qui doit aider ses semblables. Avant sa mort, le Tulku donne des informations qui aideront les moines à rechercher et à trouver l’enfant dans le corps duquel sa réincarnation s’effectuera.
Le tibétain n’est pas une langue indo-européenne. C’est une langue à tons, contrairement au Sanskrit et à l’Hindi. Elle comporte donc beaucoup moins de consonnes que ces deux langues et certaines lettres sont chargées de transcrire les tons de la langue parlée.

Les Lamas disent : « La religion est le son ». La récitation des mantras, le chant et l’exécution de musique instrumentale jouent un rôle fondamental dans leur culte. Pendant de nombreuses heures, jour après jour, année après année, les moines, en habit rouge, entonnent leurs prières, accroupis par terre, à la douce lumière des lampes à beurre. Leurs cérémonies comprennent les services de la liturgie régulière et différents extra liturgiques.
La musique religieuse se classe en deux catégories :
-La musique cérémonielle : celle des monastères ou celle de chaque demeure.
-La musique des drames religieux accompagnée de danses.

Dans les monastères, la vie musicale est assez intense. On utilise la musique pendant les cérémonies religieuses, pour convoquer les moines à l’office, pour faire une offrande, pour invoquer la protection des divinités, pendant les processions, pour accompagner les danses rituelles, etc…
Les rites ne peuvent être accomplis que par les moines. Dans la salle de prières, ils sont assis dans la posture de la méditation, sur des bancs placés en rangs parallèles. Toues les moines présents participent à la récitation et au chant. Certains, plus spécialisés, jouent du hautbois, de la trompe longue ou des cymbales.
Le chef du rituel est nommé par l’abbé du monastère compte tenu de son excellente mémoire des prières et de sa parfaite connaissance du rituel. Ce dernier est constitué en général d’une alternance de récitation, de chant et de musique instrumentale. La musique est due en général à un Lama de grande réputation spirituelle : son ébauche est ensuite élaborée par d’autres Lamas spécialistes. C’est donc le fait d’un travail collectif dans le temps.

Chez les moines du Tibet, le chant représente une fonction fondamentale de leur mission : ils ne chantent pas pour eux, ou pour un auditoire, mais pour les dieux. Leur langage musical est céleste et divin
LA RECITATION : Les prières peuvent être récitées de plusieurs façons en variant le tempo et l’intensité. Une même allure rythmique est suivie par tous les religieux.
LES CHANTS : ils sont parfois de forme libre, mais plus souvent versifiée, symétrique ou asymétrique.
Trois styles sont pratiqués :
-Style Ta : d’allure assez rapide, les paroles sont nettement prononcées. La gamme utilisée est pentatonique, anhémitonique. L’interprétation est parsemée d’interruptions glottales.
-Le style Gur : d’allure lente, utilisé dans les grandes assemblées de moines et pendant certaines processions.
-Le style Yang : d’allure très lente, l’émission vocale est gutturale et profonde. Le son est continu, ininterrompu. Le nombre de notes utilisées est très restreint. Tous les moines chantent à l’unisson. Ce style sert à communiquer avec les dieux.

Buddhist Chant - Shingon

Le chant Lamaïque est caractérisé par la profondeur extra-naturelle de la voix : voix d’outre-tombe qui relève d’une stricte discipline mentale. Le son semble « vomi », extirpé du bas du ventre. Il y a une certaine analogie entre ces sons vocaux et ceux des grandes trompes. Ce style est délibérément cultivé. Le chant varie entre un ton monotone altéré et un motif mélodique (maintes fois répété avec des variations) basé sur un mode défini variant entre trois et sept notes ou en descendant à partir d’une note. Il existe une notation traditionnelle pour le chant.
On chante en solo ou en chœur à l’unisson. Certains chanteurs se livrent à des variations improvisées – ceci aboutit parfois à une véritable « cacophonie ». Le chant se présente parfois a capella, mais le plus souvent accompagné d’un ensemble qui équivaut à un orchestre (passim). Il est composé d’instruments à vent placés par paires (trompes, hautbois, conques) et à percussion à ton indéterminé (tambour, tambour à boules fouettantes, cymbales).

Buddhist Monks Of Tibet - Sand Chant For World Peace

Les chants sont appris par imitation auditive et parfois visuelle : position du cou, de la bouche, etc. Le résultat est le fruit d’une longue ascèse qui exploite d’une façon peu courante les possibilités de la physiologie humaine. L’apprentissage commence vers l’âge de 5/6 ans, âge où l’enfant est confié au monastère par ses parents. L’une des techniques utilisées pour acquérir une voix très grave consiste à faire ingurgiter une grande quantité d’eau pour provoquer une série de vomissements, qui altèrent ainsi les cordes vocales.
On sélectionne très tôt (dès 12/13 ans) les futurs moines chargés de chanter les prières. Ils subissent un entraînement intensif pour « casser les cordes vocales ». L’étude de l’émission vocale se confond avec la recherche de l’identification au divin.

tashilhunpo monastery in shigatse, central tibet

Les jeunes novices qui vont pratiquer le Hautbois s’entraînent à la technique de la respiration circulaire en soufflant avec une paille dans un récipient rempli d’eau. Leur respiration est jugée correcte lorsque les bulles s’échappent de façon continue.

On peut aussi parler du chant diphonique (ou diplophonique), cette technique vocale exceptionnelle qui imite l’effet de la guimbarde en produisant simultanément un son grave continu faisant office de bourdon et un son aigu générant une mélodie harmonique.
Au Tibet, les moines des monastères Gyütö et Gyüme utilisent une technique de chant harmonique moins recherchée que le chant guttural toutefois.
Ce chant se pratique surtout en Mongolie, Touva, Bouriatie, République de l’Altaï, et Afrique du Sud (chez les Xhosa).

Gyütö monks

Les instruments de musique
L’usage des hautbois semble due à l’influence islamique. Il semblerait que la musique tibétaine ait bénéficié de nombreux apports d’Iran, de Grèce, de Turquie, de Mongolie, du Népal, de Chine et surtout de l’Inde, qui ont enrichi une expression traditionnelle originale et vivace.
Les instruments de musique:
Les instruments à vent:

- La conque (tib. doungkar) : au son lancinant. Elle symbolise la propagation au loin de l’enseignement du Bouddha.
- Les trompes courtes, ou cors (tib. kangling) : d’origine archaïque, elles étaient façonnées dans des fémurs humains (les ossements symbolisent la mort de l’ego).

- Les trompes longues (tib. doungtchèn):
Composées de tuyaux télescopiques en cuivre ou en argent, et souvent décorées avec de l’or, elles peuvent dépasser une longueur de 4 mètres. Elles émettent trois sons: grave, médium, aigu. Les joueurs de trompe émettent les sons tout d’abord doucement, puis plus fortement, avant de les laisser décroître. Elles se jouent par paires, pour assurer la continuité du son, les deux exécutants reprenant leur souffle en alternance.
- Les hautbois (tib. gyaling) : produisent des sonorités claires et stridentes, à l’inverse de celles des trompes. Elles se jouent aussi par paires. Les joueurs de hautbois doivent maîtriser le souffle continu, leur permettant de jouer tout en reprenant leur souffle, et ce pendant plusieurs minutes. Le hautbois n’a été introduit au Tibet qu’au XVIIe siècle.
- La flûte traversière (tib. treling)

Les instruments à percussion:
- Le gong(tib. kharnga)
- Les tambours (tib. nga):
- Les grands tambours (tib. ngatchèn), suspendus et pouvant mesurer un mètre de diamètre.
- Les tambours à manche (tib. lak-ngga)
- Les petits tambours suspendus (tib. gönnga)
- Le damaru: en forme de sablier muni de boules fouettantes, constitué de deux calottes crâniennes ou de bois.
- Les grandes cymbales (tib. rölmo) (avec un renflement important en leur centre) : utilisées horizontalement. Leur son est plus sourd que celui des autres cymbales.

- Les petites cymbales (plates) (tib. silnyen), tenues en position verticale, au son plus clair.
- Les petites cymbales (tib. tingshag) : au son aigu et cristallin
L’usage des cymbales est strictement codifié.

- La clochette (tib. drilbu*)
- La clochette-cymbale (tib. gshang)
La musique des rituels tibétains est parfois déroutante : l’entrée des instruments répond pourtant à un ordre précis : les cymbales dirigent, suivies par les tambours. Puis les trompes et les cors s’alignent sur leur rythme, et les cloches ponctuent le tout. Par contre, les hautbois et la conque suivent une ligne plus indépendante.
La musique rituelle est offerte aux divinités, et illustre donc les séquences d’offrandes, la fin des louanges, ou la joie des souhaits auspicieux lors des cérémonies.

En savoir plus sur le Bouddhisme

Sur la musique Tibétaine

Sur les instruments

Actualités sur le Tibet

MILES DAVIS: sommaire

2008-02-19T12:40:00.000-08:00

-Le Cool Jazz et le West Coast Jazz

-Miles Davis

-Les grandes étapes de la carrière de Miles davis (videos diverses)

LE COOL JAZZ OU WEST COAST JAZZ

2008-02-19T11:45:00.000-08:00

Je suis en train d'écouter cet album de Miles davis: "Birth of the cool" mais j'écoute aussi celui de Gerry Mulligan (1992) "The rebirth of the cool" qui est un remake qui malheureusement n'a pas pu réunir tous les musiciens, du fait de la mort de Miles Davis en 91. Il fut donc remplacé par Wallace Roney.

Le Cool Jazz n'est pas à proprement parler un "style", c'est en fait un courant de jazz datant des années 50 (bien qu'on en trouve déjà des prémisces dans les années 20 et 30 chez des musiciens tels que Lester Young et Bix beiderbecke). A cette époque, le Be Bop est le style pratiqué par la plupart des musiciens de Jazz.

Le Cool Jazz se caractérise en fait par une interprétation plus détendue, un son plus doux et sensuel, un phrasé peu accentué et très peu de vibrato. Les lignes mélodiques sont plus lentes, et harmonieuses, les arrangements très raffinés. C'est aussi un Jazz "de chambre". Les formations n'excèdent pas une dizaine de musiciens. Lester Young est l'idole des musiciens de Cool. Le répertoire est varié, il peut emprunter au swing de Count basie, aussi bien qu'aux pièces de Davis ou au néoclassicisme des orchestres blancs.

Il a été dit que ce mouvement reflétait l'ambiance d'après guerre, plutôt pessimiste, intellectuelle et ne sortant pas trop d'une certaine réserve sur le plan émotionnel. Il rencontrera le succès bien plus tard.

L'initiateur du mouvement est Miles davis, trompettiste (1926-1991). En 1948, il recrute des musiciens (Gerry Mulligan, John Lewis, Lee Konitz, mais aussi Gil Evans). Tous participeront à l'élaboration de "Birth of the Cool", Gil Evans étant l'arrangeur. Cet album va rester l'emblème du mouvement Cool, mis à part les enregistrements du quartet et du tentet de Mulligan.

En marge de cette école, il faut citer le pianiste Lennie Tristano qui, avec Lee Konitz et Warne Marsh va définir une esthétique Cool plus ascétique, qui se concentrera encore plus sur les lignes mélodiques des morceaux.

Mais le Cool Jazz c'est aussi le célèbre quintet de dave Brubeck et Paul Desmond.

Les représentants du Cool Jazz les plus connus sont donc: Miles Davis, Chet Baker, Gerry Mulligan, Lennie Tristano, Lee Konitz, Dave Brubeck et Stan Getz.

Le CoolJazz est souvent associé au mouvement "West Coast Jazz" joué en californie par des musiciens blancs travaillant dans les studios hollywoodiens. Parmi eux, Shorty Rogers, Chet Baker (trompettistes), et Shelty Mann (batteur).
En 1951, l'album de Rogers, "Modern Sounds" et les enregistrements de Gerry Mulligan avec son quartet sans piano avec Chet baker (1952) sont les plus représentatifs du genre.

Leurs influences: le Be Bop pour sa virtuosité et ses innovations), Lester Young (et son jeu détendu, Lennie Tristano (son expérience pré-free), le Swing de Count Basie, et les compositeurs du XXe siècle tels que Ravel et Debussy.
Ils savent lire les partitions et ont une solide formation musicale (contrepoint, harmonie, musicalité de l'interprétation). Les arrangements sont écrits et soignés, la musique écrite et l'improvisation sont intimement liées. D'autre part les formations incluent des instruments de l'orchestre symphonique tels que le Cor, le Tuba, ou le Hautbois. C'est un peu une fusion du jazz et du Classique.

L'album "Birth of the Cool" , en deux sessions fut enregistré en 1949 et 1950. La formation: un nonette (9 musiciens, dont Miles davis, Gerry Mulligan, Bill Barber, John Lewis, Lee Konitz et Kenny Clarke). Les arrangements sont de Gil Evans. L'album fut un échec commercial, bien qu'il ait inspiré des générations de musiciens par la suite, y compris le style "acidjazz" des groupes comme Portishead ou Massive Attack, mais aussi Björk ou Jamiroquai.
Cet album marque un tournant essentiel dans l'histoire du Jazz. Miles davis, lors de son voyage en Europe à Paris a découvert l'existentialisme, il en résulte une méfiance et une remise en question de l'expression jusque là plutôt extravertie des sentiments. Miles davis va rechercher un nouveau son. Il voudrait réconcilier le raffinement du Big Band et la tranparence des petites formations. L'orchestration sera donc légère (trombone, tuba, cors, saxophones). Cela donnera naissance à une musique calme, cristalline mais non privée d'énergie, simplement elle est plus abstraite, plus intellectuelle, plus "froide". Les solos mettent en valeur le son global de la formation plutôt que l'interprète soliste. La notion de temps (carrures, tempo) aussi est changée. Cela se voit particulièrement sur 2 compositions: "Jeru" et "Godchild". La carrure habituelle de 4 temps du jazz disparaît, le nombre impair de temps ou de mesures introduit une asymétrie dans la forme, il y a donc une fusion de l'arrangement et de l'improvisation, comme je l'ai dit. Jusque là on n'avait pas trop touché au cadre des morceaux, sauf peut-être Ellington qui associait ses standards à de grandes formes classiques comme le concerto, la symphonie, etc).

"Jeru" - Birth of the Cool

Lennie tristano berlin 1965

Miles Davis

2008-02-18T13:29:00.000-08:00

Si l’on devait définir Miles Davis en quelques phrases, il faudrait retenir ceci :

Miles Davis, c’est d’abord un son qui reflète une grande sensibilité musicale.

La fragilité qu’il arrive à donner au son qu’il produit et un jeu calme.
C’est aussi la capacité de s’entourer de jeunes musiciens dont il sait tirer le meilleur parti.
C’est enfin une conception progressiste de la musique et plus particulièrement du jazz.
Miles Davis, né en 1926 dans l’Illinois est décédé en 1991 à Santa Monica en Californie.
Il fut l’un des plus grands visionnaires et l’une des plus importantes figures du Jazz.

Issu d’une famille aisée de Saint-Louis, son amour pour la trompette commença à l’âge de 9 ans, âge auquel son oncle lui offrit l’instrument.. Ses parents et sa grand-mère étaient eux-mêmes musiciens.
Il devint un phénomène local et tourna dans sa région avec le Billy Eckstine Band alors qu’il était encore au lycée. Il partit pour New-York pour s’inscrire à la Juilliard School of Music mais la quitta rapidement. En fait, son intention était de rencontrer Charlie Parker et Dizzie Gillespie et de jouer avec eux. Il se hissa rapidement au sommet en apprenant beaucoup de Bird et Gillespie et devint le trompettiste du groupe de Charlie Parker pendant 3 ans environ.

Il fonda son premier groupe en 1949, la première de nombreuses fois où il essaya de donner au Jazz une nouvelle direction. Avec l’arrangeur Gil Evans, il créa un nonette (9 musiciens) qui utilisait des instruments non traditionnels dans le Jazz, comme le tuba et le cor. Il inventa un style plus subtil, qui devint connu sous le nom de « Cool Jazz ». Ce style influença beaucoup de musiciens qui au départ jouaient sur la Côte Ouest et il explora davantage ce style.

Les enregistrements du nonette sous le label Capitol Records furent nommés « The Birth of the Cool ». Le groupe comprenait parmi d’autres Konitz, Gerry Mulligan et Max Roach. C’est l’une des premières fois où Miles démontra une tendance récurrente qui en mettait plus d’un en colère: il employait des musiciens sans distinction de race. Il déclara une fois qu’il aurait donné un boulot à un gars à la peau verte tant que celui-ci jouerait comme Lee Konitz. Après avoir passé 4 ans à combattre une addiction à l’héroïne, il y parvint en s’inspirant de la discipline d’un boxeur, Sugar Ray Robinson.
Après une performance triomphante du classique de Thelonious Monk, Round midnight en 1955 au festival de Jazz de Newport, il devint un incontournable de la scène jazz.

Il fonda un quintette permanent qui comprenait John Coltrane, Red Garland, "Philly Joe" Jones et Paul Chambers. Miles avait le don d’entendre la musique dans sa tête et de faire jouer ensemble un groupe de musiciens incroyables dont les styles contrastés pouvaient atteindre en se rencontrant le résultat final qu’il recherchait. Il ajouta plus tard un 6e membre, Cannonball Adderley et remplaça Jones et Garland par Jimmy Cobb et Bill Evans.

A la fin des années 50, ses groupes popularisèrent le Jazz Modal et il lança une nouvelle direction dans le Jazz. Il produisit 2 classiques supplémentaires avec le Sextuor pendant ce temps, Milestones et Kind of Blue.
Ensuite, la plupart des membres du groupe partirent fonder leurs propres formations, ce qui fut une constante pendant toute la carrière de Miles davis.
Parmi les solistes issus des groupes de Davis on trouvait : John Coltrane, Cannonball Adderly, Red Garland, "Philly" Jo Jones, Bill Evans, Wayne Shorter, Joe Zawinul (Shorter et Zawinul formeront le groupe de fusion Weather Report), Keith Jarrett, Tony Williams, Herbie Hancock, John McGlaughlin, Chick Corea, John Scofield, Kenny Garrett, Mike Stern et Bob Berg.

Pendant ce temps, Miles et Gil Evans collaborèrent à nouveau et firent un nouvel album, Sketches of Spain dans lequel Miles Davis jouait de la musique Flamenco espagnole accompagnée par un orchestre. Son timbre était si beau et clair qu’on aurait presque dit que sa trompette chantait. Après avoir fait de nouvelles expériences avec des groupes différents pendant 3 ans, Miles, à la fin de la trentaine fusionna son groupe avec de jeunes musiciens pour initier de nouvelles idées. En 1963 il créa son 2e quintette légendaire :Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter et son protégé le batteur de 16 ans Tony Williams.
Pendant 5 ans ce groupe poussa les limites de la liberté et produit un Jazz original et fougueux.
En 1968 Miles rajouta Joe Zawinul comme 2nd clavier et à partir de ce moment commença à expérimenter les instruments électriques. Il produisit le classique In a Silent Way et un an plus tard il ajouta le guitariste anglais John McLaughlin et remplaça Tony Williams (qui est parti son propre groupe) par Jack DeJohnette.

Puis il lança à nouveau une nouvelle direction dans le jazz avec l’album Bitches Brew dans lequel il faisait fusionner le Rock et le jazz et s’installa plus profondément dans la musique électrique. Cet album fut le premier qui consacra la fusion qui devait amener le Jazz à un niveau de popularité plus large.
Au début des années 70, Miles continua ses expériences avec les instruments électriques et fusionna sa musique avec le Funk. En 1976, la combinaison d’une mauvaise santé, de l’usage de la cocaïne et un manque d’inspiration furent la cause d’une pause de 5 ans. Il réussit à vaincre la cocaïne, retrouva l’inspiration et revint en 81 avec une série d’albums.
Il continua à pousser les limites du jazz car il n’était pas homme à se reposer sur ses lauriers et à jouer de la musique dépassée. Il commença à faire de plus en plus d’expériences avec les synthétiseurs et à utiliser des techniques de studio dans ses enregistrements.
Il gagna une série de Grammy Awards pendant cette décennie et continua à tourner avec des solistes comme Garrett, Stern et Berg, déjà cités.
Miles Davis est décédé en 91.

Les grandes périodes de la carrière de Miles Davis

2008-02-18T12:02:00.000-08:00

Les grandes périodes de la carrière de Miles Davis
Miles Davis était le "Picasso du Jazz," se renouvelant sans fin lui-même ainsi que son jeu dans sa quête musicale. Il fut un artiste qui défia (et méprisa) la catégorisation et pourtant il fut le pionnier et l’innovateur de plusieurs mouvements musicaux distincts et importants.

La période “Kind of blue”.
Miles & 'Trane - Kind Of Blue Period (1955-1961)
The Collaboration That Created the Greatest Jazz Album of All Time

Miles débuta sa collaboration chez Columbia Records en 55 avec 'Round About Midnight qui établit son premier quintette classique et le style Hard Bop. John Coltrane, découvert par Miles davis commença à développer une solide réputation parmi les musiciens.

Round Midnight (Stockhölm, 67)

Milestones (58) montrait la première utilisation par Davis des modes, et rejoint par Cannonball Adderly (saxo alto) le groupe devint un sextette puissant. Cet album introduit les premiers éléments de la musique modale. Dans l’album de Cannonball Adderly, il interprètait Autumn Leaves (les feuilles mortes).
Autumn leaves

Les sessions de 58 introduisirent Bill Evans dans le monde de Miles Davis et l’influence d’Evans fut évidente par rapport aux premières sessions.
L’attitude de Miles devint encore plus unicentrée et romantique et le résultat fut l’enregistrement de Kind of Blue (59), que beaucoup considèrent comme l’un des chefs d’oeuvres du Jazz. Album improvisé autour de trames qu’il avait composées. Le son était mis avant tout. Le riff de « So What » était en mode dorien (une grille de deux accords : Ré-Mi bémol)
So what

Someday My Prince will come amena Davis a un arrangement plus Funky avec Hank Mobley et Wynton Kelly rejoignant Paul Chambers et Jimmy Cobb. Coltrane fut rajouté au groupe pour l’enregistrement de deux titres.

La période “sketches of spain”
Miles & Gil - Sketches Of Spain Period (1957-1968)
Like Minds — The Genius of Miles Davis & Gil Evans

Ces albums sont des exemples définitifs de la façon dont la voix de Miles davis était le catalyseur des orchestrations luxuriantes et sympathiques de Gil Evans.
Miles Ahead (57) fut la première production majeure dont Colombia se chargea au nom de Miles et la musique était puissante et excitante. Porgy and Bess (58) prolongea les efforts collaboratifs de Davis et Evans avec cet enregistrement illustre. Pour Porgy and Bess, Gil Evans apporta l’accompagnement à Miles davis qui permit à celui-ci d’être le « chanteur de chansons » que Gil voulait qu’il soit.
I love you Porgy

Sketches of Pain 59-60 (basé sur le « Concerto d’Aranjuez » pour guitare et orchestre de Rodrigo) fut le mélange de musique Jazz et Classique le plus réussi et créa pour Miles un son qu’il développa plus loin dans sa carrière. Quiet Nights était une tentative de définition du son Brésilien qui devenait à la mode au début des années 60. L’album a de très beaux moments, mais n’a pas survécu aux trois autres.
Sketches of pain : Concerto d’Aranjuez de Rodrigo

La deuxième grande période du Quintette
The Second Great Quintet Period (1965-1968)
Miles & His Disciples — Daring, Ferocious, Mysterious

Quand Miles rassembla Wayne Shorter, Herbie Hancock, Ron Carter et Tony Williams il avait un groupe qui était à cheval sur à la fois les traditions du Jazz et les nouvelles frontières avant-gardistes. Miles déclara avoir beaucoup appris à leur contact.
ESP (65) fut le premier enregistrement studio qui permit de capter l’interaction et le potentiel créatif que le groupe allait développer. Il reprenait des standards de Davis comme « My Funny Valentine ».
My Funny Valentine accompagné par Victor H. (High School Sophomore)

Miles Smiles (66) est l’un des meilleurs albums de Jazz de chambre que Miles a fait et la musique était audacieuse et féroce. Sorcerer et Nefertiti (67) sont de mytérieux albums qui ont capté le côté impressionniste du Quintette. Les deux albums furent enregistrés pendant les mois de Juin et Juillet 1967 et reflètent le groupe au cours de leur travail.
Miles In the Sky (68) mit l’accent sur le changement de cap que Miles cherchait en ajoutant le Piano électrique Fender Rhodes à son arsenal de son aussi bien que l’incorporation du Funk dans la palette rythmique du groupe. Ce groupe était l’un des plus influents du jazz. Le Complete Live at the Plugged Nickel capte le groupe en concert et les méthodes de travail sont montrées dans le coffret.

La période électrique
The Electric Period - Rock, Fusion, Funk (1968-1972)
Miles Goes Electric — A Journey That Changed the Jazz World Forever

Une fois que Miles s’était engagé à faire évoluer sa musique, il entama une tournée qui changea le monde du Jazz à jamais. En 1968, il commença à utiliser exclusivement des claviers électriques et bientôt une basse et une guitare électriques, la percussion et la clarinette basse faisant leur entrée dans la façon mystérieuse de Miles d’utiliser la couleur musicale.
Water Babies était une collection de sessions qui sortit en 1976 – huit ans après leur enregistrement – et cela sonnait comme si c’était nouveau. Filles de Kilimandjaro (68) était un changement de cap qui définit l’intrusion de Miles dans le monde du Rock’n’Roll. In a Silent Way (69) fut un enregistrement important dans le sens où cela démontrait le bon côté de l’influence du Rock sur la musique de Miles.
In a silent Way (paris, 91)

Quoi qu’il en soit, Bitches Brew (70) fut l’album capital de Miles, qui se vendit à plus de 400 000 copies dès la première année de sa sortie. Toutes les stars majeures de la fusion des années 70 (John MacLaughlin et Joe Zawinul) apparaissent sur cet enregistrement et Miles connut le succès aussi bien que la controverse. Cet album est considéré par les critiques comme une grande cassure entre le Jazz traditionnel et la mutation du Jazz. Il montrait une approche plus ouverte de l’improvisation, et contient des collages d’extraits des prises de studio.
Bitches Brew

Il ajouta à son groupe des sitars et des tablas. Les titres issus de ces séances («Great Expectations », « Orange Lady », « Lonely Fire » furent publiés en 74 dans l’album Big Fun. A partir de 70, il inclut l’influence du Funk (James Brown, Sly & the Family Stone).
Lonely Fire

A Tribute To Jack Johnson (70) est le seul album de Miles totalement influencé par le Rock et fut utilisé comme bande-son d’un documentaire sur le fameux boxeur. A l’occasion d’un enregistrement dans un club de Washington il embaucha Michael henderson ancien musicien de studio pour Motown et membre du groupe de Stevie Wonder. Son style Funky, basé sur des lignes répétitives influença Miles.
Live-Evil (71) était un mélange d’expériences en studio et d’un concert live de Washington, DC.
Live Evil, ca 71

Black Beauty et Live at Fillmore captèrent le groupe de Miles à son sommet de créativité et d’intensité alors que Miles repoussait les limites du Jazz et du Rock.
On The Corner (72) était une tentative de Miles d’atteindre le public de la jeunesse noire qui lui avait échappé. C’est un chef d’œuvre de Jazz-Funk. Miles utilisait la pédale wah-wah

pour distordre les sons de sa trompette. Celui-ci devint également un enregistrement très controversé à ce moment-là, mais qui est considéré aujourd’hui comme d’avant-garde, avec l’utilisation de doublage, de boucles, et de rythmes de danse intenses. La forme exposition du thème –soli- réexposition explosait. L’album reflètait une nouvelle approche constante de la musique (déstructuration-restructuration) et l’importance de l’improvisation.
On the corner (76)

In Concert, Dark Magus, Pangaea et Agharta (75) furent enregistrés en concert et représentèrent le groupe de Miles dans son aspect le plus abstrait et atmosphérique, avec l’usage de trois guitares et de longues improvisations. Get up with it fut le dernier enregistrement studio de Miles à paraître avant qu’il se retire de la scène en 1976, et contenait un hommage beau et entêtant à Duke Ellington.

Les derniers travaux
The Man With A Horn & Beyond — The Later Works
Miles On The Comeback

Quand Davis revint à une vie musicale active en 1980, il avait un nouveau groupe et un son qui était contemporain mais plus aussi abstrait. The Man with a Horn (81) est le premier enregistrement de cette période et permit à Miles de revenir sous les feux de la rampe. We want Miles (82) montra sa nouvelle tournée avec son groupe en concert et draina de nouveaux jeunes fans dans le monde de Miles grâce à cela. Il joua alors le rôle d’initiateur, de passeur qui permettrait à de nombreux amateurs de musique plus rock de découvrir la beauté d’un silence, d’une respiration au sein d’une harmonie gorgée d’émotions et d’énergie.

« Jean-Pierre » est l’ un de ces classiques.
Jean-Pierre

Decoy et You’re under Arrest (83 à 86) furent des albums studios qui montraient que Miles écoutait toujours la musique noire contemporaine et la rendait très personnellement. On y trouve des citations de Michael Jackson et de Cindy Lauper.

You’re under arrest

Aura fut le dernier grand enregistrement, qui utilisait un orchestre qui interprètait une suite écrite spécialement pour lui. Au contraire des autres enregistrements des années 80, Aura était un album à dominante acoustique qui rappelait des souvenirs du Miles des premières années aux oreilles de ses fans.
Le dernier album posthume, « Doo Bop » (92) fut une collaboration avec des musiciens de Hip Hop (section rythmique) et de rap (chant).
Doo Bop Song (92)

Quelques citations :
« Pourquoi jouer tant de notes alors qu’il suffit de jouer les plus belles ? »
« La véritable musique est le silence, les notes ne font qu’encadrer ce silence ».

Miles Davis était aussi peintre amateur. Les peintures de Miles davis ici.

J'ai été taguée.

2008-02-07T14:58:00.001-08:00

Bon, pour faire plaisir à mon amie Ondine, qui m'a gentiment taguée, je me prête au jeu.

Les règles du jeu: Ecrire le lien de la personne qui nous a taguée (ça c'est fait...);
Préciser le règlement sur son blogue (ça je vais le faire...)
Mentionner six choses sans importance sur soi,
Trouver six autres personnes en mettant leur lien et prévenir ces personnes sur leur blogue respectif (je vous transmettrai mes dernières volontés sous peu ;-)

J'ai une passion pour tout ce qui est miniature, particulièrement les bébés animaux, insectes compris.

Faute de vraies racines, je dessine toutes celles que je trouve sans relâche.

Mettre des chaussures le matin est pour moi la pire des tortures. La seule danse qui m'aie convenu, c' est le bharata Natyam (Inde).

Mon regard s'égare souvent, se pose par hasard sur un visage et devient fixe, ce qui met certaines personnes très mal à l'aise, dans les transports en commun ou les réunions. Alors que je visite le cosmos.

L'Angleterre est mon second pays, encore aujourd'hui.

Toute forme de normalité m'angoisse. Je n'aime que ce qui est marginal, étrange, atypique, original.

En espérant qu'ils acceptent, je tague donc Yepa, Stoo, mme de keravel, mlle Bille, Br'1 et kinishao.
Je mets mon casque et je vais les prévenir.

Centre Tacheles de berlin

2008-01-21T11:20:00.000-08:00

J'ai hâte d'y retourner. Probablement en Juillet. J'ai encore beaucoup de choses à voir dans cette merveilleuse ville de Berlin. Et peut-être bien des concerts auxquels assister :-)
Les artistes qui exposent dans ce lieu sont très originaux. J'ai surtout aimé les collages. Le bar et le cinéma sont pittoresques et offrent une vue originale.
Et le quartier est très agréable, de nuit comme de jour. Merci Hypnos!

2008-01-09T05:56:00.000-08:00

Je ne sais pas ce que j'ai en ce moment. Je suis dans une période de repli, je fais comme un bilan de tout ce que j'ai déjà fait. Alors je me remets à dessiner, à écrire, et je revisite mon répertoire. Je jouerai rachmaninov à Bernard en février. Je voudrais reprendre avec lui la sonate Waldstein de beethoven, mais je me disais que de courtes pièces pourraient être intéressantes aussi.

Et voilà que je retombe sur un de mes enregistrements des Préludes op 11 de Scriabine. Je n'en ai vu que 10. Ils ne sont pas trop mal. Et j'ai décidé de continuer sinon de terminer l'opus. Et puis tant que j'y suis, je vais revoir cette esquisse de mon travail sur la "cage aux mille visages", l'agrandir et la colorer.

I've got a lot on my plate...;-) A un de ces jours alors!

Latence

2008-01-04T16:00:00.000-08:00

LATENCE

L'étang

L'éteint

Ici scelle

le sel,

Là sème

la sève

lascive.

Le temps

létal

s'étend,

s'étale.

L'heure est fatale

A l'heureux temps

foetal.

Bonne année 2008 à tous ceux qui passeront ici

2008-01-01T14:38:00.000-08:00

Tinours, offert par Tilu, avec ses copains-copines. C'est le tigre qu'il préfère, je crois.

Exposition des thèmes de l'année dernière: ralentir, ralentir! Prendre le temps de respirer, de s'écouter. Positiver le plus possible, travailler la tolérance. Devenir plus grand, chaque jour, approfondir.

Développement: de nombreuses lectures dans tous les domaines, la découverte ou redécouverte d'Anna Enquist, Bobin, Nimier, Hegel, Eluard, Tagore, Paul Celan, Brecht, Wilde, Ionesco, Barrico, Schmitt, Schneider. de nombreuses écoutes de musiques de toutes sortes, avec en tête Scelsi, Takemitsu, Ligeti, Phil Glass, Steve Reich, Schnittke, Schoënberg, Scriabine, Rachmaninov, les griots, Marilyn manson, et tous ces groupes gothiques que j'adore (Rosa Crux, Argine, Rome, Das Ich, Ataraxia, Lacrimosa, entre autres), mais aussi Camille, Pauline Croze, Mickey 3D, Interpol, Arctic Monkeys, Joy Division, il y en a bien trop et ce ne sera jamais assez.

De l'écrit, de petits poèmes qui accompagnent mes dessins, des trouvailles pour mes cours, de la sérénité face à mes élèves, à mon enseignement. Un projet qui s'avère très positif pour la créativité et la prise d'assurance de mes petits.

Du travail, beaucoup, sur mes blogs, avec de nombreux commentaires adorables, interrogateurs, parfois admiratifs qui me poussent à continuer, même quand je n'ai plus envie d'être devant l'ordi, mais devant mon piano, mes feuilles et mes crayons, mes pastels, mes lectures, à essayer de comprendre mon univers intime et de le faire partager un peu.

Des rencontres fabuleuses. Ondine la tendresse passionnée, d'abord et avant tout, qui est devenue mon amie tout naturellement, par-delà les mers. Bille, fantasque mais étonnament profonde que j'aime comme elle est et qui me le rend bien. Tilu, princesse du royaume de l'enfance, douce et attentive au souffle des rebords qu'elle habite, Michel, plein d'émotion frémissante et de sensitivité, Kloelle, Caro, Br'1, Kinishao, Yepa, Kiki et RV Posuto, Stoo, Riko, que des gens qui ont des choses à partager au fil des jours et des posts.

Alix, mon cadeau d'anniversaire, anxieux, rêveur, toujours attentif, le coeur sur les lèvres et dans les mains, le goût du partage et le fil qui me relie encore et encore à la vraie vie, celle qu'il faut vivre, et qui est si loin de mes désirs parfois. Tout ce qu'il a apporté et partagé sans compter.

Le voyage à Berlin, ville fabuleuse que je veux retrouver vite, pour sentir son histoire sous chacun de mes pas. Un pays que j'avais rejeté bêtement, et je le regrette. Et Paris, pour tout ce qu'elle m'offre, pour l'extraordinaire richesse de ses recoins et des spectacles, des expos, des bibliothèques que je fréquente dès que je peux.

Je retiendrai aussi la souffrance. Ce que devient mon pays que j'aime, les erreurs qui forgent notre futur, les laissés pour compte, le racisme rampant, l'homophobie persistante, tous ceux qui n'ont pas de concience et persistent dans leurs erreurs, et veulent revenir en arrière en croyant avancer. Souffrance des peuples lointains et que je n'oublie jamais, grâce à Amnesty, et celle des animaux, immense, inacceptable, insupportable, inutile. Les milliers de pétitions signées, les lettres envoyées, les commentaires écrits, les informations données.

Réexposition des thèmes de cette année nouvelle: Ralentir encore, écouter le temps s'écouler et laisser chaque seconde parler. Continuer à m'élever si possible, être plus tolérante, moins radicale, moins perfectionniste jusqu'à l'usure. Rencontrer ces personnes avec lesquelles j'ai un fil à nouer, le tisser. Et terminer ce qui a été commencé, initier de nouvelles formes.

Coda

Garder la confiance, l'espoir, le diffuser partout. Garder les yeux, l'esprit et les oreilles grands ouverts. Militer pour la paix et l'évolution de notre monde.

Expo Alfred Kubin (1877-1959)

2007-12-30T18:19:00.001-08:00

J'ai bien aimé cette exposition au Musée d'Art Moderne de paris. Un peintre Autrichien très intéressant, et son travail m'a beaucoup touchée. J'ai récupéré les dessins qui m'ont le plus interpellée. Je vais essayer de lire son bouquin ("L'autre côté") on le trouve sur Price Minister.

Cette rétrospective révèle au public français toute la dimension de l’œuvre du dessinateur et écrivain autrichien Alfred Kubin (1877-1959). Nourris de la grande tradition du fantastique (Bosch, Goya, Ensor) et de l’imaginaire de la Mitteleuropa, ses dessins, d’une fascinante étrangeté, sont peuplés de créatures hybrides, grotesques, ou oniriques, parfois étonnamment proches des découvertes de la psychanalyse naissante. Proche de Ernst Jünger et de Franz Kafka, Alfred Kubin fut lui-même un écrivain de premier plan (L’Autre Côté, Histoires burlesques et grotesques) et un illustrateur prolifique. Participant aux avant-gardes du début du XX e siècle avec Wassily Kandinsky et Paul Klee, véritable visionnaire, il eut une influence postérieure considérable sur de nombreux artistes ou illustrateurs comme Roland Topor.

Un article sympa sur Agoravox que je vous propose ici:
Un voyage dans un pays grotesque où le jour est un crépuscule éternel, où la lumière est rare et semble percer comme au travers d'un brouillard qui ne se lèvera jamais, un pays indéfini, infini, un territoire de marécages et de landes râpées, de plaines stériles, de tertres monstrueux, peuplé de corps sans âme, aveugles et guerriers, d'adorateurs débiles et de divinités flasques. Une danse macabre dans un pays pourtant silencieux. Mais ce n'est pas le territoire de la quiétude. Ce silence, c'est celui qui plane dans l'instant qui succède au drame. Ou qui lui précède. Ce silence indifférent, c'est celui qui étouffe la mort. C'est pourquoi nous nous hâtons de parler dès que notre destin nous rappelle qui nous sommes, au cas où nous l'aurions oublié. Plus que la mort, le suaire de silence qui la recouvre nous épouvante.

« Comment étais-je arrivé à faire de pareilles choses, se demande Kubin dans son autobiographie. Je crois surtout avoir montré suffisamment clairement qu'au fond, c'était une seule et même force qui m'avait poussé, dans mon enfance, vers le rêve et plus tard, dans les frasques stupides puis dans la maladie et finalement vers l'art ».

Impossible d'expliquer la fascination qu'exerce cette œuvre et qui, en son temps, fascina les plus grands artistes comme Kandinsky ou Klee. « En général, toutes mes créatures déchues, mes ivrognes, mes prostituées et mes mendiants dérivent d'un petit nombre de types originels ayant impressionné mon âme d'enfant » expliquait Kubin.

Cette référence à l'enfance est une indication qu'il faut se garder de trop « interpréter ». L'œuvre de Kubin vient au monde en même temps que la psychanalyse. Pourtant, Kubin est formel et, sans pour autant balayer la psychanalyse, il l'a remet à sa place et estime qu'« on ne peut pas pénétrer ainsi le mystère lui-même ». Qu'est-ce que la psychanalyse, « cette maladie qui se prend pour une science », dixit Karl Kraus (de mémoire), peut-elle nous apprendre sur nous-même que nous ne sachions déjà - pour peu que l'on s'en donne la peine (peine, mot à prendre dans sa pleine acception).

« Je suis la plupart du temps plongé dans une sorte de rêve réel » explique Kubin. Qu'est-ce qu'un rêve réel ? Qu'est-ce que cette chose ambiguë ? Toute l'œuvre de Kubin est marquée du sceau de cette ambiguïté. Voyons les titres de ses œuvres. Ils sont simples : « Choléra », « La maladie », La guerre », « Le tombeau », etc. Mais Kubin n'est pas Daumier. Ces dessins ne sont pas des vignettes, il ne dresse pas une typologie. Il se confronte à l'âme. Un combat singulier.

Cette ambiguïté, nous en soupçonnons les raisons. Une des plus troublantes tient à la technique de Kubin. Ou plutôt au matériau. Kubin dessinait à l'encre de Chine avec la précision d'un graveur. Voir d'un photographe, cet art naissant qu'il n'appréciait guère. Son trait est fin et précis. Au départ de sa carrière, il a environ 25 ans, il dessine au dos de vieux plans cadastraux que son père lui donne.

De l'autre côté du rigoureux plan cadastral, les images d'un monde à demi oublié. Un inconscient qui surnage et dont la représentation imagée surgit soudain comme une vision. Comme un instantané volé. Kubin est un véritable inspiré.

Les visions que Kubin a rapportées de cet « autre côté » - c'est aussi le nom de son seul roman - nous rappelle que nous ne sommes rien. Tellement peu qu'il est légitime de nous demander si nous observons ces œuvres accrochées au MAM ou si ce sont elles qui nous observent.

Le pays de Kubin, ce pays « à moitié oublié », n'est jamais joyeux. Mais il est humoristique. Un humour noir, s'entend. Alfred Kubin s'intéresse moyennement aux petites turpitudes humaines. Il voit les choses en grand. Se penche avec distance sur l'homme. Mais ce n'est pas du Grand Guignol. Ce n'est pas sanglant, mais macabre. Le sang est déjà noir chez Kubin.

Kubin c'est « l'héritage romantique du songe » et « la soumission aux forces de l'inconscient », nous dit l'exposition. L'héritage c'est évidemment Dürer et Cranach, Brueghel et Goya. C'est aussi, plus immédiatement, Rops et Redon, Munch et Ensor. Et surtout Klinger qu'un ami lui fait découvrir alors qu'il est en plein désarroi. Kubin rassemble cet héritage et annonce le siècle qui vient, l'expressionnisme (on songe parfois à Grosz), les surréalistes, bien sûr. Son écho raisonne jusque dans l'œuvre d'un Topor dont l'œuvre est tout aussi inexplicable. Kubin, dessinateur panique ?

On ne réussira jamais à dompter Kubin. Son œuvre entière représente l'inquiétude. L'in-quiétude, le contraire de la tranquillité. Les 150 œuvres exposées au Musée d'Art Moderne, sont installées de telle sorte qu'elles forment un parcours semi-circulaire. La perspective offerte par cette courbe donne une idée de l'infini ou du vertige. Les dessins, exclusivement des dessins - Kubin n'aura été « qu'un » dessinateur-, fixés au mur, sont éclairés vivement. A croire qu'ils irradient. Le lieu baigne, hormis ces fenêtres lumineuses, dans la pénombre.

DEAD CAN DANCE: sommaire des posts

2007-11-24T08:32:00.000-08:00

Présentation: "Dead Can dance"
Album "Dead Can Dance" (84)
Album "Spleen and Ideal" (85)
Album "With the Realm of Dying Sun" (87)
Album "The Serpent's egg" (88)
Album "Aion" (90)
Album "Into the Labyrinth" (93)
Interview à propos de "Into the Labyrinth" (93)

DEAD CAN DANCE

2007-10-16T09:09:00.000-07:00

Dead Can Dance est un groupe Britannico-Australien formé en 81 à Melbourne (Australie) composé principalement de Lisa Gerrard et Brendan Perry. Le groupe s’est séparé en 98 et s’est retrouvé récemment pour une tournée mondiale (en 2005).
La musique de ce groupe a été classée Dark Ambient/Gothique. Au départ le groupe est issu de la scène Cold Wave (courant musical célèbre dans les années 80) dérivé de la New Wave, mais qui en accentuait le minimalisme et le caractère froid, sombre. Cependant pour beaucoup elle est inclassable, tant elle a évolué et absorbé de multiples influences (classique, médiéval, world). Ce qui pourrait passer pour gothique, c’est le sens de l’atmosphère mystérieuse créée, et le goût de l’expérimentation, le côté atemporel aussi.
Le groupe fait partie du label indépendant 4AD, bannière sous laquelle on retrouve Bauhaus, Cocteau Twins, ou The Pixies.
Le nom du groupe évoque un masque aborigène macabre (rituels de Nouvelle-Guinée) qui symboliserait la capacité des choses inanimées à s’animer. Leur création est avant tout une expérience esthétique et poétique au cœur du « Spleen et de l’Idéal ». La tristesse face à la beauté de la nature, la brièveté et l’absurdité de l’existence humaine, l’évocation du souvenir, la quête de l’œuvre d’art comme le lien avec le divin sont des thèmes récurrents dans leur musique.

Lisa Gerrard a vraiment un look hors monde, hors temps , avec sa robe longue blanche, ses cheveux blonds noués en tresses comme une couronne, semblable à une prêtresse antique. Sa posture très statique lorsqu’elle joue des instruments anciens comme le yangqin (cithare sur table) et cette voix lyrique, grave et profonde, rappelant les voix d’Europe Centrale, qui plane au-dessus des instruments métalliques aux sonorités exotiques. Ses complaintes en langue inventée, ses textes au caractère ésotérique ou mystique, et les textes en anglais mélancoliques et sombres de Brendan Perry donnent une atmosphère étrange à cette musique. Ils chantent rarement ensemble, mais plutôt chacun leurs morceaux. Cela donne une dimension et une vision supérieure à leur musique.
« le silence est tellement important quand tu travailles, tu dois avoir des moments où tu n’entends rien, juste pour réfléchir à ce que tu as déjà fait. Sinon tu traumatises ta relation avec le morceau sur lequel tu travailles » (L.Gerrard).

La plupart de leur musique n’a pas été enregistrée. Ils préfèrent créer en live leurs pièces, en faisant évoluer la musique spontanément sur scène. Bien qu’ils aient une structure de base, ils disent encourager leurs musiciens à improviser selon ce qu’ils ressentent à un moment donné. Un dialogue se crée ainsi sur scène. « C’est très important pour nous en tant que créateurs, de décrire instantanément toute énergie qui devient visible à ce moment-là » (L.Gerrard).
« Il y a des morceaux que je ne pourrai jamais enregistrer, parce que je ne veux pas les emprisonner. Je veux qu’ils soient sujets à développement. Dans un sens ils vous montrent où vous en êtes musicalement à ce moment, et cela vous révèle à vous-même » (L.Gerrard, 93, entretien à Montréal).
« la musique est elle-même le guide. Je suis la ligne émotionnelle contenue dans la musique, je ne sais pas clairement où je vais. Dans un sens expérimental je me retrouve au milieu d’une jungle et essaie de trouver mon chemin jusqu’à chez moi ». (B.Perry).
Les deux musiciens disent avoir étudié des disciplines ou traditions spirituelles qui les ont inspiré dans leur travail.
Vous pouvez trouver des lyrics ici (lyricsfreak.com)

DEAD CAN DANCE 1er Album homonyme

2007-10-15T09:00:00.000-07:00

Le 1er album: « Dead Can Dance » (84) classé New Wave et Gothique, sans doute à la cause du son de guitares saturées et de la voix grave et froide de Perry, présente déjà un mélange d’influences Rock, classique et le côté profondément mystique associé à Lisa Gerrard.
On y trouve 4 morceaux cold (« A passage in time », « The trial », « In power we entrust the love advocated ») avec la voix grave, hiératique de Brendan et des morceaux plus éthérés, hors normes de Lisa comme « Ocean » ou « Musical Eternal », la présence des percussions apportant une ambiance rituelle. Lisa et Brendan chantent chacun leurs morceaux, s’accompagnant mutuellement. Ils utilisent un synthétiseur-sampler reproduisant des instruments de l’orchestre (cuivres, cordes, percussions), et une boîte à rythmes.
En outre Lisa Gerrard utilise le yangqin, sorte de cithare de la famille des cithares sur table (« Carnival of light », « Flowers of the sea »). Un album très original dès le début.
Titres : « The Fatal Impact » / « The Trial » / « Frontier » / “Ocean” / “East of Eden”/ “Threshold” / “A passage in time” / “Wild in the woods” / “Musical eternal” / “Carnival of light” / “In power we entrust love advocated” / “The Arcane” / “Flowers of the sea”

"The fatal impact"
Instrumental plutôt Rock, déjà teinté de sonorités tribales.

"The Trial"
Ce titre est plus agressif. Le chant éthéré de lisa, le yangqin, les percussions, l’atmosphère recluse préfigurent l’évolution ultérieure du groupe.

"Frontier"

(yangqin, chant Lisa Gerrard, percussions de type africain, synthés, ambiance tribale).
Lyrics: "Please go after him /'Cause he delayed them there /I see the proud man /He delayed to see them all/All have stayed/The bloodstains on the floor/He's left, he's left/He's gone today/He's gone back/He's gone back/I just want to make him understand
Teach another lesson/Make them go and see the proud man"
Traduction: "S'il te plaît va le chercher/ Car il les a retenus ici/ Je vois l'homme fier/ Il a tardé à les voir tous/ Ils sont tous restés/ les taches de sang sur le plancher/ Il est parti, il est parti/ Il s'en est allé aujourd'hui/ Il est revenu/ Il est revenu/ Je veux juste lui faire comprendre/ Donne une autre leçon / Fais-les partir et voir l'homme fier"

"Ocean"
morceau mélodique sur un arpège de basse et de guitare sous chorus, qui accompagnent la voix envoûtante de Lisa.

"Threshold"
Guitare et batterie sont mises en valeur, portées par la voix solennelle de Lisa.

"A passage in time"
Moins representatif du style du groupe, ce titre est basé uniquement sur un plan classique guitare – basse – batterie – chant.

"in power we entrust with love advocated"
Composé et chanté par Brendan Perry, il met en avant un arrangement subtil avec une grande recherché mélodique au niveau de la guitare et de la basse, accompagnant la voix ténébreuse de Brendan.

"Carnival of light"
Ce morceau fait partie d’un maxi, “Garden of the Arcane Delights” sorti en 84, ajouté à cet album lors de sa réédition. Il est lyrique, intense, avec le yangqin, les percussions surplombés par le chant grandiloquent de Lisa.

Lyrics de “In power we entrust…”
"Sail on silver wings, through this storm what fortune love may bring / back to my arms again the love of a former golden age / I am disabled by fears concerning which course to take / for now that wheels are turning I find my faith deserting me.
This night is filled with cries of dispossessed children in search of paradise / A sign of unresolved ambition drives the pin wheel on and on. / I am disabled by fears….to take / When memory bears witness to the innocents consumed in dying rage.
The way lies through our love / There can be no other means to the end / Or the keys to my heart you will never find".
Traduction
"Navigue sur des ailes d’argent, à travers la tempête, la chance que l’amour peut apporter/ de retour dans mes bras à nouveau l’amour d’un âge d’or ancien / Je suis handicapé par des craintes au sujet de la direction à suivre/ parce qu’à présent que les roues tournent ma confiance me quitte/
Cette nuit est emplie de cris des enfants dépossédés à la recherche du paradis / un signe d’ambition irrésolue entraîne l’aiguille de la roue continuellement / Je suis handicapé…à suivre / Quand la mémoire sert de témoin aux innocents consumés de rage mourante.
Le chemin étendu en travers de notre amour/ Il ne peut y avoir d’autre moyen d’arriver à ses fins / sinon les clés de mon cœur tu ne les trouveras jamais".

DEAD CAN DANCE 2nd album "Spleen and Ideal" (1985)

2007-10-14T21:00:00.000-07:00

Dans cet album le groupe change de cap, se détache des styles New Wave Gothique et intègre à sa musique la World music et la musique religieuse. Les textes sont inspirés de ceux de Baudelaire et de Thomas de Quincey. Il y a de nombreuses références aux poètes symbolistes du XIXe siècle. « Spleen et Ideal » est l’un des chapitres des « Fleurs du Mal » de Baudelaire. Lien vers Thomas de Quincey .
L' ambiance est plus intimiste, plus sombre, avec des instruments classiques (violon, violoncelle, timbales, orgue, grosse caisse , cloches d’église et chœurs grégoriens). La voix de Lisa Gerrard est plus travaillée et discernable. Les ambiances mystiques et magiques sont très éloignées des concerts gothiques et New Wave de l’époque. Leurs musiques sont de type atmosphériques mais toujours captivantes. Le son est immense, écrasant, et profond, l' ambiance désespérée, sombre et lumineuse à la fois. On y trouve des influences celtiques et néo-gothiques aussi.
Les titres : « De Profundis » (out of the depths of sorrow) / « Ascension » / « Circumradiant Dawn » / « Cardinal Sin » / « Mesmerism » / « Enigma of the Absolute » / « Advent » / “Avatar” / “Indoctrination” (a design for living)

Les 3 premières chansons sont centrées autour de la voix de Lisa.
Des Chants grégoriens et les cloches d’église soutiennent la voix de Lisa dans le titre
« De Profundis », la couleur modale est de mise.

lyrics : "Embrace the love, so fair "

« Ascension », instrumental grandiose, à l’ambiance de béatitude divine. Trompettes moyenâgeuses et voix éthérées s'y côtoient.

Guitare classique et piano portent la voix gracieuse de Lisa Gerrard qui prend la relève avec « Cardinal Sin ». Retour des trompettes accompagnées d’une instrumentation plus Goth/Rock. Basse et Batterie se fraient un chemin au travers des mélodies de piano et du Violoncelle.

Brendan chante une de ses chansons à la profonde philosophie avec “The cardinal Sin”.

« Mesmerism » augmente le tempo avec percussions digitales, clavier sombre et yangqin. C’est la dernière fois que Lisa chantera en Anglais avec le yangqin.
Lyrics « mesmerism » traduction: Coeur fragile / renonce à tes peurs / enfermées au plus profond de toi / durant toutes ces années / reste dans la lumière / renonce à tes peurs / car tu as été hypnotisé / brise ce sortilège de silence

« Enigma of the absolute » donne la part belle à la fusion des styles et des instruments. Violoncelle, guitare et grosse caisse d’orchestre lui donnent un ton royal, le chant grave de Brendan fait le reste.

« Advent » aurait pu figurer sur « Dead Can Dance » - batterie, basse, guitare et piano font honneur à une Cold Wave froide et mélodieuse avec la voix de Brendan..

traduction: "Dans cette heure d'obscurité / nos mondes entrent en collision / assaillis par la folie / qui nous a rendu la vie impossible / au point de départ / à la veille du désespoir / ton recours à la raison / ne semble rien vouloir dire du tout / ref: la lumière d el'espérance / brille dans tes yeux / la démence est partie / purgée de l'intérieur / A travers nos errances / dans une terre de mensonges / Nous avons perdu la grace de Dieu / dans une mer houleuse / dans l'auto-révélation/ la célébration de l'amour / toutes deux sont des vertus / que nous semblons avoir abandonnées / ref/ mets ton coeur à nu / incite le désir de l'Amour / à restaurer la frêle confiance / que tu as perdu / comme le matin apporte la renaissance / un nouveau jour poindra / pour calmer nos esprits troublés / tourne-toi vers toi-même / et rêve des jours à venir"

« Avatar » reprend les mêmes ingrédients que « Mesmerise », en moins hypnotique. Yangqin, basse et batterie accompagnent le violoncelle et Lisa dans un tourbillon d’émotions aux consonances orientales à travers le yangqin et les percussions et les glossolalies de Lisa.

« Indoctrination » achève l’album. Mélancolie et envolée poignante à la fin du titre en font une conclusion provocante. Cet album marque la fin d’une époque et le début d’une autre, intemporel, mirifique et démontrant un talent hors du commun.

lyrics Indoctrination traduction: "Dans ces temps de grande vexation / quand chacun doit choisir ce qui est bien ou mal / la liberté, c'est ce qu'ils disent, correspond aux choix que l'on a faits / à travers tout le rationnel arbitrage concernant la liberté / la liberté, je dois le dire / existe avec des esprits non conditionnés / toute raison a été abandonnée / Comment pouvez-vous être satisfaits des choses telles qu'elles sont / quand tout ce qui nous entoure à présent et tellement plus / retse dans les bras sombres du gardien? / la soif insatiable de pouvoir a fait / de mortels des idoles, des dieux de la glaise, de soldats des héros, d'enfants des esclaves / tous les désirs damnés, leurs espoirs trahis /

qui souffrira les lois qui font que l'état décide de l'éducation de nos enfants / jusqu'à ce que tu en paies le prix? Qui souffrira leurs lois? / qui souffrira leurs esprits? / qui souffrira leurs mots? / qui souffrira leurs desseins?"

DEAD CAN DANCE 3e album "Within the realm of dying sun" (87)

2007-10-13T08:12:00.000-07:00

L’album est sans doute le dernier enregistré à un moment où Brendan Perry et Lisa Gerrard formaient encore un couple à la ville.
Il développe la thématique de musique éthérée, et voit naître l’empreinte caractéristique du groupe. Entre morceaux mystiques (« Anywhere out of the world ») et atmosphériques (« Summoning of the muse »), les influences Cold Wave et Goth disparaissent, le ton devient plus profond, plus sombre et plus dramatique .
La pochette représente un bandeau noir et une photo prise au Père Lachaise: la pleureuse qui orne la tombe de Raspail (plusieurs proches du groupe seraient décédés à cette époque). Le son est plus classique : petite formation de Cordes et de Cuivres. Les trompettes apportent une ambiance funèbre (« Dawn », « The Iconocast » ou «The Protagonist » , inclus sur la compilation "Lonely is an eyesore"). Accompagnements en contrepoint (Perry a suivi pour cela des cours de musicologie). Les morceaux chantés par Perry et Gerrard sont nettement séparés, chacun dispose d’une face surle 33 tours.
1. Anywhere out of the world 2. Windfall 3. In the wake of adversity 4. Xavier 5. Dawn of the iconoclast 6. Cantara 7. Summoning of the muse 8. Persephone – The Gathering of Flowers

« Anywhere out of the world » commence par une suite d’accords en forme de choral. Synthés, cloches, cordes, cuivres, et choeurs en mineur créent l'atmosphère. La suite est plus animée, avec une basse plus rock, toute en syncopes. La voix de Brendan erre sur une mélodie minimaliste, suivie d'un solo de métallophone. Le caractère est mystique.
"We scaled the face of reason to find at least one sign / that could reveal the true dimension of life lest we forget. / And maybe it’s easier to withdraw from life with all of its misery and wretched lies. / Away from harm / We lay by cool still waters and gazed into the sun. / And like the moths great imperfection succumbed to her fatal charms. / And maybe it’s me who dreams unrequited love, the victim of fools who stand in line / Away from harm. / In our vain pursuit of life for ones own end, / will this crooked path ever cease to end".

« Windfall » est un instrumental calme et mystérieux. Le vent souffle, le froid tombe sur une immensité désertique et gelée.
« In the wake of adversity » se déroule dans une ambiance féerique et étincelante.
« Xavier ». L’intro, chantée par Lisa, est un sublime prière à plusieurs voix. Puis les violons, trompettes et trombones recouvrent le clavier, créant une atmosphère déchirante et désespérée, avec le chant pénétrant et envoûtant de Brendan.
« Dawn of the Iconoclast » voit le retour des trompettes et trombones, sur un rythme martial. Puis le morceau dérive dans un ambient sombre et lyrique, où l’on retient son souffle.

Le fameux « Cantara » prend la relève, c’est la chanson la plus connue. Après une longue intro douce et mélodieuse, un rythme soutenu fait son apparition, et entraîne tout dans un tourbillon d’émotions. Belle démonstration de chant possédé par Lisa. Lisa joue des crotales, la guitare égrène un arpège en ostinato qui évoque vaguement l’Orient, le clavier une mélodie qui plane mélancoliquement au-dessus, des percussions accompagnent discrètement le tout. La deuxième partie accélère le tempo et nous fait entrer dans une sorte de transe, avec une présence très marquée de la percussion, et le chant de Lisa en onomatopées, fort et exotique, brendan assurant les chœurs. Le clavier assure une mélodie orientale, aussitôt relayé par une mélopée crescendo qui fait monter la tension brutalement et la maintient jusqu’à la fin. Le frère de brendan est à la batterie dans cette vidéo. Dans l’interview Lisa parle de son bébé qui en est au stade du balbutiement, et babille dans une sorte de chant. Elle estime être dans cette humeur lorsqu’elle chante les sons qu’elle produit, qui ont une signification sensitive plus que littéraire.

« Summoning of the Muse » change d’horizon. Chant quasi religieux, caractère hiératique. Chœurs, cloches, timbales, phrases descendantes. Polyphonie, voix élégiaques, contrechant très bien réalisé, à la limite de la dissonance. A 3 temps, accentuant la notion de cercle. Un régal.

“Persephone” va encore plus loin dans la sublimation. Véritable opéra sensoriel à la mélodie aux demis tons troublants, ce titre fait frémir de la première à la dernière seconde. La musique est de style classique (cordes, aux longues tenues), tempo très lent, accords de septièmes majeurs sur une ligne descendante. Mélodie à deux voix de femmes en forme d’organum (à la quarte) comme au moyen age, chœurs synthétiques. Timbales et accords de synthé aux accents de cloches tubulaires. Fort écho sur la voix, qui donne le côté heavenly.

DEAD CAN DANCE 4e album "The Serpent's egg"

2007-10-12T14:59:00.000-07:00

The Serpent's Egg (88) est le titre du quatrième album du groupe Dead Can Dance. On y trouve une multiplication des influences et des mélanges, le style médiéval (« orbis de ignis », « chant of the paladin ») et de la musique religieuse baroque (« Ulysses » et « Severance »).L’ album est assez similaire à « Within the realm … » Il délaisse le romantisme et le religieux au profit d’ambiances mêlant splendeur et mélancolie.

1. The Host of Seraphim -2. Orbis de Ignis - 3. Severance - 4. The writing on my father's hand - 5. In the Kingdom of the Blind the One-eyed are Kings" - 6. Chant of the Paladin - 7. Song of Sofia - 8. Echolalia - 9. Mother Tongue - 10. Ulysses
"The Host of Seraphim"

c’est l’une des chansons les plus planantes. Lisa chante comme une déesse, portée par un ensemble de violons et de chœurs.

« Orbis de Ignis », est une sorte de prière à plusieurs voix et tintement de cloches, avec la voix de Lisa.

“Severance” est composé pour orgue et voix (Brendan). C'est une mélodie poignante, et Brendan joue de la vielle à roue (instrument médiéval).

Severance lyrics:
“Severance, / the birds of leaving call to us,/ yet here we stand endowed with the fear of flight/ Overland / The winds of change consume the land / While we remain / In the shadow of summers now past / When all the leaves have fallen and turned to dust / Will we remain / Entrenched within our ways / Indifference / The plague that moves throughout this land / Omen signs / In the shapes of things to come / Tomorrow’s child is the only child.”

« The Writing on my father’s hand ». Une superbe complainte plaintive de Lisa à plusieurs voix, posées sur un clavier (clavecin) mélodieux et répétitif.

«In The kingdom of the blind the one-eyed are kings » Changement de style , orchestral et symphonique, la pression monte jusqu’à l’envolée finale. La voix de Brendan y est particulièrement marquante, forte et intransigeante.

« Chant of the Paladin » se teinte de sonorités moyenâgeuses. Morceau hypnotique, en spirales sonores où se mêlent cloches, grelots et timpani.

« Song of Sophia », solo de Lisa, voix puissante et dramatique.

« Echolalie » reste dans le même contexte, avec un échange de phrasé/chanté, alternance de voix masculine et de chant féminin.

« Mother Tongue », avec des percussions, tour à tour frénétiques puis calmes et soutenues par la voix de Lisa. Style africain.

« Ulysses » : Claviers et violons se mélangent à merveille sur un tempo de valse accompagnant Brendan.

DEAD CAN DANCE 5e album "Aion" (90)

2007-10-11T15:11:00.000-07:00

Après cet album, ce fut la 1ère tournée aux USA du groupe.
L'album est entièrement dédié à la musique médiévale , surtout Byzantine et aux chants grégoriens. C'est un nouveau voyage musicale aux frontières du temps et de l'imaginaire.Mélodies envoûtantes, finesse des arrangements, magnificence des voix, variété des thèmes, et atmosphères mystiques sont au rendez-vous.
Le groupe se détache en outre de l'émotion des premiers albums, et marque plus ouvertement la culture de DCD. Acoustique ancienne, mélodies plus sobres, plus de tension sourde et moins de pathos. La voix de Lisa domine nettement la musique, les instruments ne sont là que pour colorer et retoucher la voix.
L'album garde du précédent la clarté, la grandeur méditative que l'on avait aimée dans "The Host of Seraphim" ou "Orbis de Ignis". Aux percussions médiévales se sont ajoutées les violes et basses de violes, et certaines pièces sont des arrangements de morceaux anciens (par exemple "Saltarello"). Les chants sont dépouillés, souvent austères. Sauf sur "Fortune presents.." qui nous rappelle "Ulysses" ou "Severance" (avec la voix de Brendan). "Black Sun" tient plus de la dark wave acoustique, avec les violons, les cuivres.

La couverture est signée Jérôme Bosch ("le jardin des délices").

Titres: "The Arrival and the Reunion" - "Saltarello" - "Mephisto" - "The Song of the Sybil" - "Fortune presents Gifts not according to the Book" - "As the Bells rings the maypole sings" - "The End of Words" - "Black Sun" - "Wilderness" - "The Promise Womb" - "The Garden of Zephyrus" - "Radharc"

The Arrival and the Reunion est un chant religieux aux couleurs royales, à plusieurs voix avec grosse caisse d'orchestre.

Saltarello est un morceau instrumental typiquement Moyenâgeux, mêlant percussions et flûte. C'est un retour au temps des troubadours, avec cette danse italienne du XIVe siècle.

Mephisto est aussi un morceau instrumental, court et mélodique, qui mélange cette fois violons et luth.
Song of the Sybil est une reprise du chant catalan du XVIe siècle, drame liturgique et chant grégorien, c'est une prophétie décrivant l'Apocalypse, qui est encore chanté en Espagne (Majorque) et en Sardaigne (Alghera) dans certaines églises pour le Nouvel An. L'utilisation de l'orgue, lourd, et la voix de Lisa sans registre représente leur prise de liberté par rapport au manuscrit.

Les Lyrics ici
Fortune presents Gifts not according to the Book : Une ballade chatoyante interprétée par Brendan. Les Lyrics.
As the Bells ring the Maypole sings donne l'avantage aux instruments traditionnels: cornemuse, chant à la couleur sombre et boîte à rythme (percussions digitales)
The End of Words retrouve une ambiance religieuse (elle aurait pu tout à fait figurer dans "The Serpent's Egg").

Black Sun baigne dans une atmosphère qui rappelle "Spleen and Ideal". Trombone, percussions semi programmées, violons et la voix pénétrante de brendan. Un des meilleurs morceux de l'album. Lyrics ici.

tournée à La Hague en 2005.
Wilderness est un chant religieux a cappella, The Promised Womb est un chant nostalgique.
The garden of Zephyrus est un morceau instrumental, chant d'oiseaux et flûtes.
Radharc est un mélange de musique médiévale et nord africaine (folklore arabe).

Les meilleurs titres à mon sens sont "Fortune presents...", "As the bell rings..." et "Radharc", mais j'aime bien aussi "Song of the Sybil".
un site intéressant pour tout savoir sur DCD mais en anglais.

DEAD CAN DANCE 6e album "Into the Labyrinth" (93)

2007-10-10T14:17:00.000-07:00

• Yulunga (Spirit Dance)
• The Ubiquitous Mr Lovegrove
• The Wind That Shakes The Barley
• The Carnival Is Over
• Ariadne
• Saldek
• Towards The Within
• Tell Me About The Forest (You Once Called Home)
• The Spider's Stratagem
• Emmeleia
• How Fortunate The Man With None

Into the labyrinth sonne le tournant world de Dead Can Dance. Mélangeant les sons acoustiques et les samples d'instruments traditionnels, cette nouvelle orientation musicale leur vaudra, de la part de leur détracteurs, la réputation de "world-music décolorée". Il faut tout de même rappeler que cet album a été entièrement composé, joué et enregistré par le duo, seul, au studio de Brendan, en Irlande. Il s'agit là d'un excellent travail. Les deux amis se retrouvent, après trois ans d’absence et une compilation (A passage in time). Ils se retrouvent comme jamais, car entièrement en duo. L’album est logiquement un peu bicéphale, et souvent sombre. Ce n’est certes pas leur album le plus intense, après le médiéval et acoustique «Aion». Le duo n’a pas négligé l’europe contemporaine et électronique.
B. Perry vit sur une île dans une rivière à la limite entre La République d’Irlande et l’Irlande du Nord. L. Gerrard vit dans les montagnes de Snow River en Australie. Ils ont écrit séparément et, trois mois après, ont préparé et enregistré ensemble les titres.
Perry : "c’est un voyage dans l’écriture d’une année, très axée sur la vie à la campagne avec des gens de la campagne. Il y a un enracinement folklorique, en un mot le respect : l’amour du naturel, la musique primitive du monde, et l’amour des sons les plus naturels : le chant d’un oiseau de forêt.
Certaines chansons de l’album sont sans paroles, certaines sont au-delà des mots. Certaines sont des ballades pop sucrées, et certaines sont des instrumentals détachées, déconcertantes. Certaines ne souffrent aucune explication, alors que d’autres le permettent un peu."

Tout commence avec Yulunga (spirit dance). Longue pièce remplie de percussions et shakers, débutant par une intro de violoncelle, tout simplement diabolique. Le chant de Lisa devient de plus en plus beau, ce Yulunga en étant l'exemple parfait. Pièce très ethnique.

The ubiquitous mr. Lovegrove est difficilement classifiable dans une catégorie précise, tant les influences y sont multiples. On retrouve le chant profond de Brendan, accompagné pour l'occasion par un rythme de bongos, harmonium, flûte de bambou et sonorités électroniques. la gravité mélodique s’articule sur les lenteurs souples des sitars."The Ubiquitous Mr. Lovegrove"est l’alter ego de brendan...la relation abstraite de moi avec les femmes. ..

Solo de Lisa avec The wind that shakes the Barley. Touchante complainte irlandaise écrite à l'origine par le docteur Dwyer Joyce au 18e siècle pour commémorer un soulèvement à Wexford contre les anglais. Uniquement vocale, cette chanson amène la tristesse et l'amertume, pour qui s'attarde sur les paroles. Lisa Gerrard voulait faire sa propre version...C’était une chanson de ralliement, mais elle a une tristesse si intense que ça devient une chanson anti-guerre...

Brendan se transforme en crooner sur The carnival is over. Beaucoup de claviers et de mélodies sur cette évocation de souvenirs d'enfance de Brendan Perry lorsqu’il vivait dans l’Est de Londres, et a visité un cirque. Insouciance et émerveillement. Rappelle les cadences sérielles et mélodiques de Philip Glass.

Retour aux percussions semi-digitales avec Ariadne. Le chant de Lisa transporte l'auditeur au beau milieu d'une forêt luxuriante, où des oiseaux imaginaires remplissent l'air de leur paroles mélodieuses.
Saldek redonne de l'énérgie aux oreilles. Djembés entraînants, clavecin et chant traditionnel.
Towards the within, beaucoup plus long, retrouve les atmosphères mystiques et introverties chères au duo. Percussions, shakers, nappes sombres et vaporeuses, tablas, alternance des chants, cris d'animaux, flûte de bambou et encore bien d'autres choses, pour ce sublime hymne à la Terre.
D'une structure très proche de celle utilisée sur The carnival is over, Tell me about the forest, et sa mélodie symphonique se permet le cor basse allié au clavecin, le tout balayé de violons entraînants. Le titre dispose cependant d'un caractère moins enjoué, plus revendicatif. "Quand vous vivez en Irlande vous voyez les gens qui sont parties depuis des années revenir chez leurs parents, et vous voyez aussi ceux qu’ils laissent derrière eux..l’abandon des traditions avec le déracinementet le bouleversement des tribus. En Irlande, et dans les forêts pluvieuses. Si vous pouviez au moins garder les traditions orales, et laisser toute la merde religieuse derrière".
Percussions encore et toujours durant The spider's stratagem. Violons, chant aérien de la part de Lisa, cloches teintantes et bon mélange des influences. Electro-mongole
Emmeleia change d'horizon. A capella, réunissant Lisa et Brendan, pour une chanson aux sonorités orientales. Alliance a cappella d’un homme et d’une femme qui chantent une nostalgie douce et méditative qui tient autant de l’europe que de l’asie, pour mesurer à nouveau l’ampleur vocale de Lisa Gerrard
Enfin, How fortunate the man with none redonne un instant vie à la musique baroque. Claviers, violons et trombones, servent de tremplin à la voix forte, mais néanmoins suave, de Brendan. Brendan Perry a adapté les mots de “la Mère Courage” de Brecht, en musique d’après une production par Temenos de la pièce. C’est seulement la deuxième permission de ce genre accordée par le pays de Brecht, la précédente étant en 63.

..."sur scène, nous ne jouons pas beaucoup du répertoire des albums. Nous avons un système selon lequel nous introduisons des structures nodales qui laisse de la place pour improviser, avec une approche melismatique. Nous parvenons à des musiques dangereusement belles avec cette façon de procéder...
Into The Labyrinth est le 6ème album de DCD...nous faisons des albums parce que nous avons encore beaucoup de demons à exorciser: nous apprécions la nature thérapeutique de la musique et à travers ce plaisir nous voulons exprimer cette joie et la communiquer au public. C’est notre plus grande source de thérapie, et notre plus belle façon de nous exprimer...
En '93, un mélange des musiques anciennes et nouvelles de DCD apparaît dans le film américain Baraka, et ils ont aussi contribué à deux chansons de l’album d’ Hector Zazou « Sahara Blue ». En Octobre 92, Dead Can Dance ont collecté leurs meilleures compositions (et deux nouvelles chansons "Bird" et "Spirit") comme leur premier album familial sous le titre « A Passage In Time ».
...Nous avons choisi les chansons pour montrer un voyage, où les morceaux s’imbriquent. C’est évolutif, cela traverse quelque chose, en opposition à un temps fixe et linéaire. Dérivé de quelque chose et arrivant vers quelque chose. La musique tend vers un rayonnement et un scintillement tranquille, bien que les évenements qui l‘entourent soient très sombres..."

DEAD CAN DANCE interview 93 pour BSide

2007-10-09T07:49:00.000-07:00

Le désert rampe lentement, reflétant son âpre lumière et son ombre dans les yeux. Des montagnes torturées cherchent les nuages dans le ciel. Soudain, à droite, une figure humaine miroite au loin; un autre admirateur du vaste désert. Mais qu’est-ce qu’il fait? Alors que la voiture se rapproche nous réalisons qu’il danse, accomplissant un élégant rituel connu de lui seul dont le ciel et les arbres tordus de Jousha sont les témoins. Il ne porte pas de Walkman; il ne semble pas affligé. Il sourit seulement et tournoie tandis que nous dérivons. Il n’y a ni vélo ni voiture en vue, juste cet homme chevelu et son hommage au désert. Tandis que nous roulons, j’ai ce sentiment perturbant que nous aurions dû agir de façon plus responsable...mais avec une paranoïa typiquement orientale j’ai le sentiment qu’il pourrait être dangereux.

Lisa Gerrard et Brendan Perry auraient fait ce qu’il fallait. Ils nous auraient fait arrêter la voiture pour encourager sa danse de célébration. C’était leur magnifique "Yulunga" adapté à la vie.
Tandis que le soleil descend sur le pacifique et que la nuit monte dans le ciel de l’Est, j’ai l’honneur de parler avec Lisa Gerrard et Brendan Perry, catalyseurs musicaux de Dead Can Dance. C’est un jour rare, à ce qu’on me dit, clair et engageant, inhabituel à Los Angeles en Août. Peut-être la terre célèbre-t-elle le fait que nous soyons assis ici dans ce jardin sur le toit buvant des Coronas et dissipant totalement toute notion qu’il y a quelque chose de mystérieux en eux. Lisa, qui a arrêté de donner des interviews depuis des années, est une personne à l’énergie merveilleuse qui vous regarde droit dans les yeux, pas pour vous défier mais pour examiner vos pensées les plus profondes. Brendan, a vécu assez longtemps en Irlande pour avoir adopté le look du campagnard moyen, confortable et chaud: un reflet de sa personnalité.
Il est fatigué par son travail sur la video de "Yulunga". Mais sa lassitude n’altère pas sa determination à chasser toute notion insensée que quelqu’un pourrait entretenir à propos de Dean Can Dance.

Hautain? Sombre? Vieux jeu? Gothique? Jamais de la vie!
Ils sont des âmes soeurs depuis longtemps, on le voit surtout dans leurs photos ensemble. Brendan continue à charrier Lisa pour qu’elle regarde la camera. Finalement il plaisante en disant que depuis que l’on a dit à Lisa qu’elle avait un beau profil, c’est tout ce que vous obtiendrez d’elle. Elle a aussi de beaux yeux bleus qui sont parfaits pour des œillades maléfiques à Brendan.
Tandis que le soleil plonge dans la mer je décide que nous devrions parler du brillant « Into The Labyrinth », le premier album complet offert par Dead Can Dance en trois ans. Je sais que nous allons abandonner le sujet très rapidement. Premièrement, ne croyez pas qu’ils n’ont travaillé que sur cet album pendant ces trois ans: ils étaient aussi occupés à des partitions pour le théâtre et des musiques de film.
Brendan déclare: "Nous sommes très heureux de cet album, nous-mêmes. Cet album révèle la paix faite avec nous-mêmes, un reflet de nos vies."
Lisa hoche la tête vers Brendan, ajoutant: "Cela a à voir principalement avec toi, qui a pris la direction lors des premières scènes. Je préparais des choses pour l’orchestre, et Brendan travaillait sur les choses que nous voulions faire ensemble. Il voulait qu’elles soient percutantes; il voulait que l’on essaie quelque chose de différent."
" Il reflète la joie que nous trouvons à conduire les choses de la vie: la compréhension; Lisa est mariée maintenant et a un petit enfant; cela a influencé le regard extérieur sur le monde, a apporté un optimisme plus grand," décrit-il. "Je suis très enraciné en Irlande, je vis ici depuis 5 ans. Je me sens bien ici, dans la campagne, en harmonie avec la nature. J’ai appris à pacifier mes relations avec les gens de la terre, qui sont directs et honnêtes."

"Lisa est retournée en Australie parce que sa mère est tombée malade. Cela entraîne la prise de conscience que ces gens vous sont très chers et que vous voulez être près d’eux. Alors j’ai emménagé ici, mais c’est transitoire. Ma famille est ici, alors au bout de la terre c’est avec eux que vous voulez être. Mais ça ne sera pas toujours ainsi. J’aime beaucoup l’Irlande; je m’y suis attachée."
Brendan est né en Angleterre, puis il a déménagé en Nouvelle-Zélande lorsqu’il était ado. Lisa est née en Australie, et leurs premiers voyages ensemble les ont conduit de l’Australie à l’Angleterre en 1982, jeunes amoureux cherchant leur destin. "Nous avons toujours eu la bougeotte. Nous avons décidé qu'il ne se passait rien en Australie il y a 12 ans, et Brendan ne savait pas ce qui allait nous arriver ici. Il avait de très fortes idées de ce qu’il voulait dire globalement dans son travail. Moi je ne savais pas à ce moment-là. J’étais juste heureuse de voyager, de voir du pays et de chanter, en fait. Mais c’est lui qui a eu la prémonition. Quand j’y repense j’étais incroyablement naïve à ce moment-là. Je le suivais simplement; il roulait sur le vélo devant et je le suivais..."
" Oh arrête; tu m’embarrasses!" l’interrompt Brendan en retombant comiquement dans sa chaise, balayant de la main les mots de Lisa.

Lisa lance un rire cristallin, s’exclamant, "Mais c’est vrai! J’avais seulement 20 ans et je ne savais pas ce qui arriverait ! je croyais vraiment en ce que nous faisions ensemble. C’était la chose la plus importante dans nos vies!"
"Je ne sais toujours pas, avec mon travail... Je sens toujours que c’est une force qui avance sans que je la contrôle! C’est quelque chose qui en est arrivé là et je suis assez chanceux que d’autres gens l’écoutent! Et qu’ils l’écoutent ou pas, je le ferais quand même. Cette série d’événements a pris sa direction grâce au tact avec lequel j’ai été engagée avec d’autres gens qui savaient vers quoi se diriger," explique-t-elle. "C’est aussi dû à ma rencontre avec Ivo, et que notre travail l’a intéressé. Parce qu’il y a beaucoup de gens qui vont à Londres avec leur travail dans les mains, comme nous, avec des idéaux par rapport à leur travail et c’est très dur."

Et c’est une chance que 4AD et Ivo aient trouvé ce duo, avant que quelqu’un d’autre ait zigouillé cette étincelle unique. "C’est ce qui nous a effrayés," admet Brendan. "La largeur actuelle des influences musicales que nous abordons est ce que nous considérons comme le spectre entier de Dead Can Dance, c’est son catalyseur. C’est très gênant pour une compagnie qui pense en termes de marketing."
" Cela a toujours été plutôt une amitié pour nous," explique Lisa. "ça n’a jamais été un cas de..." Elle s’interrompt pour s’exclamer, "C’est seulement maintenant que je réalise à quel point ça l’est, et à quel point il (Ivo) est différent. Quelqu’un m’a dit quelque chose hier , oh, ces grandes compagnies de disque, ne veulent pas être engagées avec quelqu’un qui ait un réel but artistique parce qu’ils sont trop problématiques! Ils veulent juste être engagés avec quelqu’un qu’ils peuvent manipuler.' Et cela a fait mouche! Vous réalisez que votre relation fragile avec le travail a été respectée. Nous apprécions vraiment cela."
" Cela mène à une situation dans laquelle l’artiste devient un esclave créatif," murmure Brendan. "C’est juste une folle contradiction avec ce que cela devrait être.
Les compagnies de disque sont aptes à découvrir le point faible de l’armure mentale d’un artiste. Là où ils ne sont pas confiants; comment pouvons-nous les contrôler à travers leurs peurs et leurs désirs les plus profonds?" Brendan déclare, "C’est comme l’Eglise de Scientologie! Ils entrent, disent qu’ils peuvent faire de toi quelqu’un de meilleur, puis ils commencent à te désorienter en te donnant beaucoup de marques d’affection."
Bien sûr, avec les compagnies de disque, c’est de l’affection et de l’argent.
" Oh oui! Ils trouvent des gens qui ont un centre vide, qui se sentent seuls et ont besoin de çà... quand ils trouvent cà, ils les attachent à eux. Ça devient une religion d’extorsion. C’est parasitaire," murmure Brendan.
Et pendant toutes ces années les Dead Can Dance sont toujours restés fidèles à eux-mêmes et à leur incroyable musique. C’est bien d’être capable d’avoir confiance en quelque chose maintenant que leur créativité est au sommet. "Nous avons toujours reconnus les dangers de çà. Nous voulons rester des gens complets; nous voulons être autonomes. Nous ne voulons pas sacrifier notre conscience pour la gloire et l’argent," Brendan rit doucement.
" C’est la différence entre l’endroit où nous vivons, et là où nous avons vécu. C’est tellement facile d’être séduit par l’ambiance d’un endroit comme celui-ci. C’est impossible d’être séduit par un endroit comme l’ Ile aux Chiens ou les endroits où nous jouons. Ils n’étaient pas attractifs," pointe Lisa avec force . "C’était super difficile de faire un concert ensemble là où nous étions, et les gens n’étaient pas communicatifs. Ils n’étaient pas réceptifs à ce que nous faisions. C’était un combat. Ce n’est pas comme ici où cela prend des proportions importantes; nous n’avons jamais obtenu çà. Ça arrive seulement maintenant, vous savez! Nous tenons bon sur ce petit bout de terre pour pouvoir survivre à l’expérience complète. Et heureusement le travail nous aidera à vivre cette expérience."
Nous sommes assez mûrs pour ne pas être affectés, heureusement... non, pas heureusement: cela ne sera pas," termine Lisa.
Ainsi Dead Can Dance a acquis son tempérament à travers son expérience. Lisa acquiesce, expliquant, "Ce que nous avons traversé ensemble en tant qu’êtres humains, cette relation, c’est ce qui a été important dans notre travail. Toutes ces pressions . Ca n’a pas été seulement une relation de travail, cela a été deux personnes qui ont expérimenté douze ans de leur vie ensemble, le travail étant partie intégrante de cela. Mais je ressens que les choses sont plus claires pour moi à travers 12, en fait 15 ans de travail. Les gens disent « Comment peux-tu dire çà ? » C’est parce que mon travail m’a permis de créer une sensitivité dans ma vie qui me permet de voir. Sinon je ne suis pas sensibilisée; je suis engourdie. Et si je travaille avec Brendan c’est grâce à Dieu ! parce que vous savez que cette personne a aussi du tempérament, a moulé son épée. Il a martelé le fer chaud de son existence en une forme tangible qui peut être lancée sur la terre et tenue fermement et dirigée, extatique et excitable. Ça ne retombe pas dans le névrosé, anxieux, stressé... Vous ne pouvez jamais séparer votre personnalité du travail."
"Ce travail n’a jamais existé à part de notre vie personnelle," ajoute Brendan . "Les gens grandissent et ont soudain des problèmes avec le principe que l’art est la vie et la vie est l’art, ce qui devrait être."

C’est pour çà que vous n’aimez pas Los Angeles, où l’art est le plus souvent un artifice. "Oh oui, exactement," acquiesce Brendan avec un sourire espiègle., "En fait, cette chaise n’est pas vraiment là, c’est une illusion. Une invention de votre imagination."
" Non, c’est un objet posé là par votre ennemi," déclare Lisa sur un ton dramatique. "C’est l’illusion optique ultime vous devez faire attention aux ennemis...soyez prudent," murmure-t-elle.
Le fait de mentionner l’ennemi rappelle avec nostalgie à Lisa avoir vu un jeune groupe entrer dans le bureau de 4AD un peu plus tôt. "Ils m’ont tellement rappelé Brendan et moi quand nous avons été chez 4AD à Londres. Et vous pensez, sacré nom de nom, vous avez tellement de chance d’être tombés ici! Vraiment, ils étaient si mignons, naturels et fragiles, et grâce à Dieu ils sont entrés là!
Et merci mon Dieu qu’ils ne soient pas entrés dans certaines usines comme...hum..."
Brendan la presse avec humour, "Des noms, des noms! Je veux des noms!"
"Méchant! D’accord...comme, disons, la Warner distributrice de 4AD aux USA". Par chance, Dead Can Dance peut se permettre le luxe d’avoir le gros W derrière eux plutôt qu’au-dessus. "En fait ils sont derrière Ivo... nous sommes éloignés d’eux," Lisa rit, admettant, "Je ne serais jamais capable de percevoir, et je sais que Brendan non plus, "oh, est-ce que ceci va se vendre?'" C’est comme une langue étrangère."
" C’est comme quand vous entrez dans une maison et appelez, « Est-ce qu’il y a quelqu’un?'" dit Brendan en riant . “Mais ici encore, c’est dans la nature des compagnies multinationales. Vous vous rendez compte que cet album est sorti alors qu’il y en a 300 autres cette semaine. Woaw! Ce sont les moyens de la Warner. C’est effrayant."
Lisa en a le souffle coupé, "Je ne savais pas çà," en sirotant sa bière. "Mais j’espère que les gens commencent à chanter les éloges des groupes avec une âme vraie. "Ca a toujours été un contrat social en un sens, un truc à la Rousseau. Ce sont ces gens qui ne changent pas les choses. Vous avez des groupes qui sortent toujours le même produit, puis les gens s’en lassent et veulent du changement. Malheureusement ça prend une longue période de stagnation avant que vous ayez envie de changer à l’intérieur de la société. On pourrait appeler çà un cycle de 10 ans," explique Brendan.
" C’est aussi le fait que ce n’est pas comme s' ils pouvaient contrôler ce que les gens écoutent maintenant. Je veux dire, dans les années 50, nous n’aurions pas pu écouter la musique des pygmées. Maintenant nous avons ce choix incroyable de musiques à écouter," dit Lisa.

" Si vous écoutiez les pygmées vous auriez un prêtre qui viendrait à votre porte, disant « Nous pouvons vous sauver, il n’est pas trop tard!'" dit Brendan en riant .
" Exactement!" ajoute Lisa. "Il y a toutes ces crises morales! Maintenant les gens ont le choix, et peuvent s’identifier avec quelque chose avec lequel ils peuvent se sentir intimes. Je pense que c’est salutaire."
" Il y a aussi ce lien étrange avec les cultures d’Europe de l’Ouest. Chaque fois que quelque chose meurt, il y a ce sens de la préservation: préservation de la faune animale, préservation des sociétés, des forêts tropicales. Il y a cette zone dangereuse avant que les gens disent vraiment « ça suffit, nous devons nous arrêter:" raisonne Brendan. "Et à présent il en résulte une conscience de ces musiques et cette culture."

Et cela se reflète dans cet album émouvant. Nous en arrivons à ce qui fait de Dead Can Dance un groupe vraiment unique: leurs facultés de perceptions, pas seulement leur histoire. Et au-delà du propos de paix d’ Into the Labyrinth, il y a aussi de la colère à propos de l’abus des cultures du monde et de l’érosion de l’instinct tribal. "Tell Me About The Forest" parle de ça," dit Brendan, “il s’agit de l’observation de l’érosion actuelle des cultures et des gens, les gens ruraux sur la planète, qui voient l’émigration comme une clé de la culture du monde, tous les mécanismes capitalistes qui éloignent les gens de leur spiritualité, de leurs racines. C’est le positivisme de la demande, "peux-tu me dire d’où tu viens:" murmure-t-il. "C’est étrange. Parce qu’en Amérique il y a un tel mélange de cultures Européennes, et cette histoire me fascine. Et cela m’a étonné qu’il y ait un tel rejet de là où les gens viennent, pour soucrire au concept du rêve américain. Vous pouvez changer, et c’est toute la part de cet idéal de modernité dans lequel vous devez vous efforcer à cette destinée dans le futur, et tout œuvre vers cette linéarité: modernisme, science occidentale, la technologie est notre sauveur, c’est la tête de Dieu. C’est à cela qu’ils travaillent. Mais quand vous avez côtoyé les gens et leurs anciennes traditions, vous comprenez alors que les cultures suivent un chemin circulaire, un cercle, le temps : il va et vient. Les religions sont réincarnées, elles ne sont pas dans une ligne droite vers le paradis ou vers l’enferl. Nous sommes devenus une part de ce cosmos, et nous tournons et nous dressons comme des êtres vivants... nous redevenons capables de respecter les choses qui nous ont conduits là."
Brendan, le respect est la clé. Respect de la culture de vos ancêtres... beaucoup trop de gens sont embarrassés par leurs différences. Pourquoi tant de gens changent-ils de nom?
" Je trouve çà bizarre aux USA, ce contraste, cette dynamique entre le rêve américain et le passé des cultures rompues, des gens déracinés qui viennent ici," dit Brendan.
Lisa prend au vol la pensée de Brendan. "Les gens ne sont pas contents de leur sort. Quand vous regardez des gens comme nous, de notre âge à peu près, quand vous arrivez à 18 ou 19 ans, ce groupe d’âge, vous dites 'Allez hop, je n’aime pas çà, ce n’est pas ce que j’avais prévu!' Vous pouvez toujours voir... il y a un point, même si vous avez été endoctriné par votre éducation, il y a ce moment où il y a une brèche et c’est le point de rupture pour certaines personnes jeunes. Elles peuvent percevoir qu’il y a quelque chose d’autre qui vit dans leur insconscient... Et tout à coup ils sont projetés hors de çà... cinq ans après vous ne croyez plus rien de tout çà, parce que c’est envolé! Et c’est çà que nous avons empoigné à deux mains!" rit-elle, attrapant la table avec toute son énergie.
"C’est ce que vous devez maintenir, et c’est vraiment dur! Et j’encourage tout être humain à être un esprit brave, et de tenir bon à quelque chose et d’aller au bout de ses envies créatives, même s’il s’agit de capacité à communiquer simplement. Essayez de garder cette chose vraie dans vos vies!"
" Ce monde a besoin de cette tension adolescente. C’est triste de voir que cela a été bousillé et manipulé par la société dans laquelle on vend l’enthousiasme des jeunes aux jeunes, dans tous ces accessoires, tous les pièges, le look. Et ils marchandisent la jeunesse, et c’est tellement triste car nous n’apportons pas de réel optimisme," murmure Brendan dégoûté. "La beauté de la naïveté..."
" Ce n’est pas être pris pour un clown, n’est-ce pas, cette beauté de la naïveté..." se désespère Lisa, qui permet à Brendan d’ajouter, "C’est considéré comme une faiblesse..." avant de se concentrer sur ce qu’elle dit. "Des centaines d’années ont passé pendant lesquels les gens ont fait ces clacka-ta-clacka-ta-clacka de percussion, et cela a été ridiculisé, et cela a des centaines d’années. Qu’est-ce que vous pouvez espérer de l’Occident, réellement? Vous devez le sortir et le trouver. Vous devez le trouver par vous-même, et c’est vraiment dur à trouver. Personne ne va le metre dans votre main. Ce n’est pas comme quand vous aviez 5 ans et que vous faisiez... clacka-ta-clacka. Vous n’avez pas ces rituels ancrés qui sont en contact avec votre moi profond. Vous avez été élevé dans le déni du naturel!" La voix mélodieuse de Lisa devient stridente de colère. "Qu’est-ce que c’était que j’ai entendu l’autre jour... ne faites pas confiance à vos sentiments! Vos sentiments ne vous aideront pas à vous en sortir dans l’avenir!"
" Mais vous devriez rester en contact avec vos sentiments!" ricane Brendan. "Ils vont d’un extrême à l’autre!" s’exclame Lisa, cherchant mon approbation du regard.
Je suis d’accord: ils doivent vous apprendre à rester proches de vous-mêmes quand vous avez 18 ans, au lieu d’avoir une société de névrosés de 40 ans en thérapie à la recherche de leur enfance.
" Quand allons-nous rompre cet echo constant de notre culture qui ne fait que nous transformer en robots? Quand la roue va-t-elle tourner? J’aimerais bien voir çà une fois dans ma vie! Il y a plein de gens courageux qui essaient désespérément de faire tourner la roue, mais c’est l’enferl! C’est un vrai combat!" dit Lisa avec passion, en regardant Brendan.
Brendan ajoute. "En tant que société nous n’avons pas la ressource de nous débrouiller avec ces problèmes. Tout est tellement imbriqué. C’est l’une des choses que nous avons appris à travers notre relation avec la musique, la valeur thérapeutique, les aspects éducatifs à travers notre musique. C’est intéressant la façon dont les cultures rurales règlent ces problèmes, en termes de transe sur la musique, ce que notre société chrétienne regarde comme quelque chose de barbare et primitif. Ils se confrontent aux choses primitives, au côté le plus sombre des choses. Il y a des côtés sombres en vous qui sont habités par les démons que vous supprimez. Toutes sortes de choses arrivent à l’intérieur d’une société répressive, ou d’un individu réprimé. C’est étonnant que la musique soit un tel medium pour ouvrir les canaux qui permettent d’expulser ces choses: de vous sentir bien, dans votre corps et dans le monde dans lequel vous vivez. D’être capable d’exprimer vos frustrations: si vous êtes en colère, montrez votre colère!

" Il y a des musiques qui sont comme des mantras, des choses qui s’offrent à vous capables de stopper la conscience de trop se soucier d’exorciser, et de laisser apparaître l’inconscient à travers. Vous pouvez voir ce que vous avez en vous que vous avez réprimé et lui dire adieu.
Faire sortir cette pollution mentale vicieuse au lieu de la garder en soi. Et la musique peut permettre cette expression."
" Exact. Et la relation occidentale, en termes de musique, est grotesque. Vous mettez un violon entre les mains d’un enfant de 5 ans et espérez qu’elles conduisent le violon, qui est une pièce de machinerie incroyablement compliquée! Nous devrions leur mettre des percussions dans les mains! Laissons-les grandir, donnons-leur des racines solides!" déclare-t-il.
Lisa s’exclame, "Exactement! Parce que quand ils font çà, eh bien, vous n’aimez pas le violon, alors vous ne devez pas être musicien!"
" Et après ils ont ce complexe toute leur vie," Brendan hoche la tête avec un soupir moqueur. "Je suis allé seulement jusqu’au 3e niveau en piano. Eh bien!"
" Tu ne peux pas chanter! Tu ne peux pas chanter, tu n’as pas de voix, c’est un dièse! Comme si dièse ou bémol avait quoi que ce soit à faire avec le chant de toute façon!" lance Lisa avec des yeux pleins de colère.
" C’est parce que la façon dont nous abordons la musique est celle d’une distraction," continue Brendan. “Et il y a trop d’accent sur la musique comme une distraction. Cela devrait être une partie nécessaire de la culture. Cela devrait être une partie de la communication, de l’éducation, de la thérapie, de la méditation."
" Et pas forcément quelque chose de très cultivé, non plus. Quelque chose de brut... pas ce qui..." Lisa rend sa voix plus profonde pour adopter un ton cultivé par moquerie, "cela doit tomber dans l’oreille, cela doit être homogène..."
Brendan rit gaiement, "Homogène. Elle est bien bonne. C’est un terme utilise en crèmerie, n’est-ce pas? Musique pour le troupeau, n’est-ce pas?"
Lisa sourit à notre fou rire, murmurant "Vous comprenez. Cela n’a pas à “tomber” dans l’oreille. Cela doit créer une sensation..."
Le discours passionné de Lisa à propos de la voix nous fait réaliser que c’est la réaction qu’elle a provoqué quand les gens ont entendu pour la première fois sa voix magnifiquement chaude et irrésistible.. Elle soupire, décrivant, "J’ai eu un problème avec la presse à cause de la façon dont je chante. Alors j’ai arrêté de parler à la presse. Je pensais qu’un jour cela me serait possible de parler à nouveau, et cela arrive maintenant. La presse anglaise est très forte, et ils sont très cyniques, et quand ils ne sont pas cyniques, ils n’ont rien à dire. Je n’ai pas envie d’être confrontée à çà."

" Il y a eu des interviews truquées qui ont été organisées avec moi et Big daddy, un catcheur. C’était assez sympa, en fait, mais j’ai juste pensé qu’il n’y a pas d’intérêt à parler avec ces gens s’ils parlent pour moi. Ils ne vont rien écrire de ce que j’ai dit. Le principe était un commentateur célèbre de football qui nous interviewaient Big Daddy et moi en même temps, et j’avais l’impression de flotter alentour avec ma tête qui cognait le plafond de façon très éthérée," dit-elle en partant d’un grand rire de sa voix riche. "J’en avais assez. Je parle un langage qui parle et évolue par lui-même, et j’ai essayé d’expliquer quel est ce travail pour moi, et ça ne marche jamais," soupire-t-elle à nouveau. "C’est un langage, ou un instrument buccal, ou une percussion buccale, quelle que soit la façon dont vous voulez le nommer. Mais je travaille le son de la musique et crée la musique et c’est comme çà! Et je ne pense pas avoir besoin d’orchestrer ce que je fais dans un livret ou une forme littéraire. Je sens qu’il y a une essence à l’intérieur de mon travail qui parle d’elle-même. Et j’ai vécu avec çà, et cela me suffit de le contempler.
C’est très dur... le travail parle de lui-même ou ne le fait pas. Et quand vous essayez d’encourager les autres qui travaillent dans la même arène que vous ... Je connais des gens qui travaillent sans mots qui sont très puissants. Ils sont comme.." elle imite une voix glaciale et incompréhensible, "aussi bien qu’ un aboiement..." rit-elle de sa propre imitation. "Mais je ne pense pas que je puisse faire çà sans musique. Mais je pense aussi que je devrais avoir peur de parler de ce travail. Maintenant quand vous le faites bien. Nous continuons à explorer le concept de la musique en tant que thérapie, et nous demandons pourquoi les gens prennent de la drogue au lieu de travailler à démêler la toile d’araignée entortillée de leur vie."

L’effet de la drogue sur la culture et la vision de l’artiste fait remarquer à Brendan, "C’est intéressant, parce que la Cabbale le mentionne, ainsi que le Bouddhisme." (FYI: La Cabbale est une partie occulte de la doctrine Hébreue à la fois écrite et sous-entendue. Les premiers textes sont apparus en 300 avant JC et se sont succédés jusqu’en 1300. La doctrine a un impact profond sur la littérature médiévale.) "Ils ont une relation bien plus intelligente au contexte de la drogue et aux états mentaux altérés. Ils le mentionnent comme des entrées illégales dans l’apparence. C’est comme un univers parallèle qui fonctionne à côté du nôtre, dans lequel on peut entrer, et le goûter: c’est une déchirure du vêtement métaphysique. Ils enseignent que quand vous prenez ces drogues, vous feriez mieux de vous préparer à ce qui va arriver; vous feriez mieux de savoir ce que vous faites. Vous utilisez cette source pour entrer illégalement dans une autre dimension.
Cela rend plus clair... la raison pour laquelle les artistes sont si attirés vers les substances qui altèrent le mental particulièrement à travers leur art. A travers la musique ou la peinture ou quel que soit le medium qu’ils utilisent, ils ont un aperçu de ce monde parallèle. Mais ils le font naturellement. Mais parce qu’ils ne peuvent pas le maintenir, ces petites révélations, dans leur désespérance de ne pas être là tout le temps...et puis cela devient un vrai échappatoire. Je ne veux pas vraiment vivre dans ce monde, je veux vivre dans celui-ci," dit-il avec un geste. "Il y a un prémice suicidaire dans ces drogues, comme l’héroïne; généralement ils ne sont pas vraiment heureux parce qu’ils ne peuvent pas tout avoir. Jim Morrison disait « Je veux le monde, et je le veux maintenant.' C’est une rodomontade de quelqu’un qui ne peut pas avoir ce qu’il veut tout le temps."
Et cette déperdition dans un univers parallèle... "C’est une addiction," termine Brendan.
"Alors le truc c’est d’y avoir accès par le mental, pas par la substance. Dire non ne suffit pas: essayer de se demander pourquoi ou à quoi vous voulez échapper?
"C’est si difficile de gagner le fond du problème. Je ne pense pas que qui que ce soit soit vraiment équipé pour arriver au fond des problèmes de la vie des gens," murmure Lisa, pensive. "Nous tâtonnons tous dans le noir parce que nous n’avons pas cette histoire culturelle quotidiennement répétée qui nous dit qui nous sommes à l’intérieur de notre communauté, de nos familles et dans le domaine amical. Nous n’avons pas cette connexion culturelle. Nous sommes seuls. La seule façon dont la médecine, ces travaux chamaniques, parce que vous pouvez ramener une personne, vous pouvez leur chanter leur histoire, leur rappeler à quel point ils sont dans leur culture. Vous pouvez les guérir à travers le chant, ou la peinture de sable. Nous n’avons pas les outils pour faire cela parce que nous avons délaissé nos enfants; nous avons délaissé nos amis! Nous travaillons dur pour créer une relation interpersonnelle avec nos amis, mais dès qu’ils ont un problème c’est comme," Lisa adopte une voix cruelle, " oh mon Dieu, je ne veux pas connaître cette personne, elle est dans une mauvaise voie! L’avez-vous vue récemment?" termine-t-elle, sa voix tombant tandis qu’elle ouvre ses yeux expressifs avec une expression horrifiée.
" C’est un problème anthropologique. Comment l’individu peut-il s’assimiler avec une tribu, qui est essentiellement le problème, parce que nous avons tendance à célébrer l’individu au dépens de la famille des amis, de la tribu. L’individu est ce que nous cherchons. Quand vous y pensez, c’est à propos d’être des dieux. C’est ce à quoi ça mène, parce que le futur est toujours gouverné par la projection de toute idéologie donnée. Et cela semble être la ligne de pensée. Mais la tribu est l’équilibre de l’harmonisation, le sens de la vraie démocratie. Les civilisations les plus équilibrées ont compris cela," explique Brendan .

Il est temps pour l’éternel pessimiste de s’interposer. Pour moi, nous avons perdu tout sens de cette unité tribale avec l’Occidentalisation. Ce genre de sons qui guérissent comme un but inatteignable dans ce pays fracturé parce que...
Lisa tressaillit avec sa voix puissante et aiguë, "Non! Ce n’est pas çà!" On ne peut pas échapper à son regard urgent. "Regarde... imagine que tu es complètement déprimé, et que quelqu’un vient, quelqu’un de ta famille, et ils se rassemblent, et ils disent OK, cette femme est complètement déprimée. Ils font un diagramme, une peinture de sable ou un dessin, et ils disent tu es née de cette mère et de ce père, et ils parcourent toute l’histoire de ta vie méthodiquement , pour t’aider à retrouver ton commencement et de t’identifier à ce que tu étais... ce n’est pas impossible pour nous de le faire! Nous devons faire cela pour nos enfants... nous devons prendre cette responsabilité!
" Je dis cela à propos de la société occidentale: vous regardez toujours dans la mauvaise direction! Vous regardez toujours à terre, autour et au loin... et cela se trouve ici!" Lisa montre fermement son coeur. "C’est si petit, si simple! Et nous pouvons retourner à l’état de famille, au lieu de nous isoler nous-mêmes des gens qui nous aiment le plus. Nous avons la responsabilité des autres, non?"
Et ça vous fait vous sentir bien à l’intérieur...
" Bien sûr! Regardez, si je suis déprimée quand je suis en tournée, quelquefois quand je suis dans une situation dans laquelle je me sens complètement perdue, et j’ai besoin de me connecter, je ferme simplement mes yeux et m’imagine que je suis dans une station de train avec ma famille. Vous avez cette familiarité, et quand vous regardez les autres cultures, qu’est-ce qui les rend forts? La familiarité. Des chansons qui sont vieilles de 100 ans. Un battement de tambour qui éveille la même familiarité... C’est votre médicament.
Et c’est ce que nous faisons, de la médecine. Nous le faisons pour nous-mêmes, et je l’espère pour les autres. Un chemin vers quelque chose de familier. Et je sais que les gens pensent qu’il y a quelque chose de familier dans notre travail, à cause des réponses que nous avons reçues."J’ai l’impression de rentrer à la maison quand j’entends votre musique."Je l’ai expérimenté quand je vous ai vus en concert. Oh, je suis parti, j’avais l’impression de flotter..."vous rentrez à la maison et c’est comme si, mon Dieu, je dois encore travailler et je dois retrouver çà, et c’est génial!" elle lance un petit rire léger, en rompant avec le ton très sérieux que nous avons adopté dans l’obscurité.

Parler d’être transporté... sommes-nous toujours à Los Angeles?
Mais c’est çà la magie sublime de Dead Can Dance. Ils touchent quelque chose dans le subconscient qui illumine votre esprit , qui et où que vous soyez. Lisa pense que, "Mais ce n’est pas seulement notre musique. Vous pouvez trouver une autre musique qui n’a pas été corrompue ou polluée par l’ego. Elle peuvent vous mettre en contact avec ces choses aussi. Les gens sortent tout droits de notre chemin pour nous sortir de nos illusions..."
Mais c’est tellement plus apparent dans la musique de Dead Can Dance. Vous rendez l’état de grace aisé. "Ils doivent en être capables puisque nous le pouvons. Nous pouvons pendant que nous le faisons. C’est tellement merveilleux, bien que ce soit difficile des fois," admet Lisa . "Il y a des fois où même quand nous nous décrivons des chansons, c’est comme, mon dieu, comme des araignées qui courent sur votre tombe.."
" Quoi?" explose Brendan, son visage comme un masque de rage feinte. "Censure çà! Cette pensée est essentiellement Gothique!"
Lisa se moque de lui, continuant, "Non, tu sais ce que je veux dire! Comment nous nous décrivons les choses l’un à l’autre."
Elle murmure soudain, "La chose la plus sympa avec l’interview est d’oublier que c’en est une, ce que j’ai fait," et elle lance un regard accusateur à Brendan avec ses yeux intenses.
Brendan tout contrit murmure, "je plaisantais"
" Mais la plus belle chose à propos de nous quand on fait un disque ensemble est de prendre simplement plaisir à ce moment. Brendan peut arriver et jouer quelque chose sur son clavier..."
" Oui, et je dis que fait cette araignée sur mon clavier?'" dit-il avec un sourire grimaçant, incapable de se contenir.
Cette fois Lisa l’ignore complètement, continuant, "Mais les choses émergent, et vous trouvez un chemin. Tous ceux qui disent que c’est de la prétention ne comprennent pas ce travail. Quelqu’un qui dit: "oh, je fais juste çà. Ce n’est rien. Je fais juste çà, et c’est tout," se moque-t-elle en prenant une voix masculine.
Mais beaucoup de musiciens ont cette attitude bizarre: Ah bon, j’ai du talent ? non, pas moi!
"C’est parce qu’ils ont peur. Et ce n’est pas avoir peur, c’est être courageux. Ils ont tellement peur que les autres personnes vont penser qu’ils sont un peu fous, ou romantiques. Oh, le romantisme, il ne nous est pas permis d’être romantiques", soupire-t-elle.
"Surtout quand vous avez beaucoup de votre égo engagé, ou de personnalité. La dernière chose que les gens veulent entendre c’est que ça vient de l’inconscient, que ce n’est pas voulu. Non, je contrôle mes facultés. C’est un autre mal dont nous souffrons, nous sommes si égocentrés. Conscients? Oui, j’ai une conscience. Je la garde dans mon garage. Dégagez, je conduis cette satanée voiture sur la route, pas l’inconscient. C’est vraiment une attitude de forte tête. Oh, désolé, Li," ricane Brendan .
" Oh, non je vais bien... le puits est à sec," elle rit en ignorant cette interruption. "C’est une chose rare!" plaisante-t-il, riant encore.

Il est temps de s’arrêter. C’est un de mes propos, et vous le prouvez par la poigne solide de ce que vous faites: il n’y a pas assez de groupes comme vous créant consciemment de la musique thérapeutique comme une expérience de guérison tribale , utilisant des cultures et rituels anciens. (Et non, je ne vous classe pas dans le new Age.)
" Non, ce n’est pas vrai," déclare Lisa. Maintenant c’est à mon tour de demander des noms!"
" Eh bien, vous ne pouvez pas les entendre!" s’exclame-t-elle. "C’est çà le problème.
Brendan crée un nouveau label maintenant, et il va essayer. Il peut faire sortir toutes sortes d’albums, mais plus vous touchez de gens mieux c’est. Les gens font beaucoup d’argent avec la musique”
" L’argent devrait créer le portail qui vous guide... vous dites dans , mais je dirais hors du désordre," explique-t-elle. "C’est une question de vie ou de mort pour moi quand je communique et que l’âme de cette personne peut entendre ce que je communique. Ou peuvent-ils l’entendre avec leur oreille interne... l’âme est ambiguë.
Mais on en revient au problème de l’individu. La plupart des artistes ne prennent pas leur argent pour le réengager pour faire encore plus de musique! Certaines personnes créent des labels pour aider les autres, mais généralement ce ne sont pas des méga-millionnaires."
" Non, je préfèrerais créer un parc d’attractions," dit Lisa sèchement.
Brendan examine cette remarque presque méchante. "De qui parles-tu maintenant?" "Pourquoi, je ne sais pas," répond Lisa avec un regard innocent.
Text – Sandra A.Garcia – Photos – Sandra C.Davis
Magazine B-Side Dec93 / Jan94

l'arbre tombé à terre

2007-08-14T09:55:00.000-07:00

Hélène Grimaud et la musique de Brahms

2007-08-13T15:54:00.000-07:00

Brahms a une place à part dans mon coeur de pianiste et de musicienne. Sa musique évoque sa vie intérieure, son originalité d'écriture et cette émotion d'une intensité douloureuse sous le classicisme apparent. Ses relations privilégiées avec le couple Schumann, son amour sublimé pour Clara. Hélène Grimaud a prouvé à maintes occasions son affinité et sa passion pour le compositeur Allemand. J'ai déniché deux vidéos sympathiques de sa prestation des Rhapsodies (je n'ai étudié que la deuxième pour ma part). Puissance, profondeur de son, respiration, émotion, tout y est pour moi. Même si j'en ai écouté beaucoup d'autres que j'ai aimé, celle-ci me paraît intéressante à découvrir si vous ne l'avez jamais entendue ou vue jouer.
"pour moi, la musique de Brahms est une musique de grands espaces : de paysages géographiques et de l'âme " (H.Grimaud)

Hélène Grimaud - Rhapsodie n°1 - Brahms

Hélène Grimaud - Rhapsodie n°2 - Brahms

une petite interview d'Hélène à la sortie de son livre "Variations sauvages" (un livre impressionnant, j'ai beaucoup aimé ça d'elle, aussi).

Un autre jour je vous parlerai des Intermezzi opus 117, mes préférés, emplis de tristesse et de poésie: "les berceuses de ma souffrance" selon lui. On n'est plus le même après avoir joué cela.

l'arbre danse: dessin et poème

2007-08-06T16:09:00.000-07:00

L'arbre danse

L'ombre se dresse

De ses bras lents

Dessine les courbes dans

Les eaux sombres,

libre.

Le Ballet Royal du Cambodge (danses Khmères)

2007-08-05T15:54:00.000-07:00

Les Apsaras (que l'on trouve sculptées sur les fresques des anciens temples) sont des nymphes célestes à la beauté séduisante qui habitaient les cieux et les airs. Sur terre, elles sont incarnées par les danseuses classiques de l'art Khmer. La danse incarne les valeurs traditionnelles de raffinement, de respect et de spiritualité.

La danse Khmère est un mélange de théâtre et de danse, sa gestuelle est un véritable langage, chaque mouvement, chaque attitude ont un sens. La flexion perpétuelle des genoux, le travail précis des mains, l'expression du visage sont codifiés pour l'interprétation de récits légendaires (Ramayana). La chorégraphie classique Cambodgienne ne comporte pas de gestes fixes, mais des figures en perpétuel mouvement, ce qui lui donne une fluidité unique en Asie. Un geste, lié à un port de tête particulier et à une position bien définie des bras et des jambes, a valeur de mot et les mouvements enchaînés les uns aux autres ont valeur de phrases. La lenteur voulue des mouvements donne à cette danse son caractère irréel, hypnotique. La gestuelle et les postures, dont la maîtrise exige des années de formation, traduisent la gamme des émotions humaines, de la crainte et de la rage à l'amour et à la joie.
Les danseurs et danseuses sont formés dès le plus jeune âge, et se dévouent totalement à leur art. Ils interprèteront des rôles différents selon leur capacité et leur physique.
La base du répertoire est le Reamker, version Cambodgienne du Ramayana Indien, transmis oralement depuis toujours. Quelques épisodes du Mahabharata et des légendes Cambodgiennes sont parfois aussi représentées, ainsi que quelques tableaux de danse pure.
Les personnages principaux du Ramayana, sont le prince Rama, et Hanuman, roi des singes. Il y a 4 types de rôles: princes et princesses (Neang et Nearyong, dansés par des femmes), les singes (Sva, antithèse et faire-valoir des précédents), et les yeaks ou géants (dansés par des femmes au physique robuste, portant un masque). Mais il y a d'autres danses, comme la danse de bienvenue, la danse du serpent ou la danse du bambou.

Le Ballet Royal garde, au Palais Royal, le rôle rituel d'offrandes aux mânes des souverains défunts. Les danses sont précédées de rites propitiatoires qui figent pour toujours le drame représenté et la chorégraphie qui l'accompagne.
Près de 3000 enfants suivent chaque semaine l'enseignement de la danse, initiés par les 19 maîtresses de Ballet ou par les étoiles actuelles. L'entraînement commence à 4 ans, et comporte des exercices d'assouplissement, d'élongation des doigts, pendant plusieurs années avant d'aborder le répertoire lui-même. Le Ballet royal a été proclamé chef d'oeuvre du patrimoine oral et immatériel de l'humanité en Novembre 2003 par l'Unesco.

apprenties danseuses

dans cette vidéo l'on peut voir les apsaras des temples d'Angkor, les danseuses, l'orchestre, des images de la guerre (khmers rouges), Bhupppa Devi sur scène et enseignant à des apprenties danseuses, les rites, les costumes cousus sur les danseuses, un spectacle avec les masques, et le ballet royal en tournée).

Pierre Lartigue, écrivain, a écrit: "La danseuse Khmère effleure le sol avec infiniment de précaution. Elle semble à peine y prendre appui. Vouée à l'envol, l'Apsara se meut dans un monde liquide, parmi des scintillements. Elle tangue et tourne comme une barque, le buste tendu comme figure de proue. Liane ou liseron d'eau, la tige volubile de la danse monte." ("le ciel dans l'eau, Angkor").

Dans ses traditions Bouddhistes, le peuple Cambodgien avait reçu une prophétie sur la fin du monde. "Lorsque le ciel deviendra rouge feu, lorsque de l'Orient à l'Occident il sera écarlate comme le banian (arbre) à l'automne, alors fuyez le pays car la fin du monde est proche". En 1973, le ciel devint rouge de l'Orient à l'Occident. Les Cambodgiens pensèrent à cette prophétie. Deux ans plus tard, les Khmers rouges prirent le pouvoir. Toute la population fut sommée de se rendre dans les campagnes. Pol Pot, théoricien du parti communiste, avait conçu le projet de réussir à construire la société communiste là où l'URSS avait échoué en éliminant auparavant tout ce qui était à priori l'ennemi du peuple. Bien entendu, les intellectuels, les moines Bouddhistes, les artistes, ...en moins de trois ans, les Khmères rouges tuèrent un tiers du peuple, parmi lesquels les danseurs de l'opéra. 720 000 personnes au moins disparurent.

La tradition Khmère était transmise oralement, de maître à élève. Les meurtres et les internements dans des camps ont failli causer la disparition de cet art millénaire. La danse Khmère fut donc miraculeusement préservée malgré les guerres, les conflits qui ravagèrent le pays.

Bhuppa Devi, ancienne danseuse et fille du roi Sihanouk, a décidé en 1979 de redonner vie au Ballet en rassemblant les souvenirs, les costumes, bijoux et masques que l'on avait pu préserver, parfois enterrés à des endroits secrets, ou enfouis dans la mémoire des rescapés. Et petit à petit, le Ballet amorça sa renaissance. Actuellement Bhuppa Devi est danseuse-étoile de la troupe du Ballet Royal, qui comporte aussi cinq premières danseuses, cinq hommes et dix-huit ballerines qui forment le corps de Ballet. Les maîtresses de ballet bénéficient d'un statut qui leur assure la sécurité. La troupe perpétue l'intégralité de ses fonctions traditionnelles. Participation aux rituels ancestraux, cérémonies en l'honneur des divinités protectrices du pays, réception des hôtes de marque, grandes fêtes du calendrier ancien, et tournées à l'étranger pour répandre l'art Khmer.

Les danses royales sont appelées "lokhon" au Cambodge. ("laku" est un mot dérivé du javanais qui signifie "marcher").

Le sculpteur Rodin réalisa 150 dessins des danseuses à Marseille, après sa rencontre avec le Ballet Royal à Paris, il les suivit, fasciné. En effet, en 1906, le roi Sisowath arrive en France pour l'exposition coloniale de Marseille. Le Ballet Royal l'accompagne, et se produit à Paris. Pour Rodin, qui assiste au spectacle, c'est une révélation. "Je les ai contemplées en extase. Quand elles partirent, je fus dans l'ombre et le froid, je crus qu'elles emportaient la beauté du monde". Il les suivra et leur demandera de poser pour lui.

L'orchestre de musique "pinpeat" est l'orchestre des danses royales et de la musique des pagodes. Il se compose généralement de deux roneat (xylophones à lames de bambou), de deux kong-thom (jeux de gongs horizontaux et circulaires), de skor-thom (gros tambours à peau de buffle frappés par un gros morceau de bois très dur), de chhing (petites cymbales en cuivre), d'un sampho (petit tambour horizontal dont l'exécutant dirige l'orchestre), et d'un sralay (hautbois), l'orchestre se rapproche du Gamelan Javanais (mais il y manquerait alors la flûte et la vielle). 24 musiciens et 10 choristes accompagnent la danse.

Le choeur de femmes commente l'intrigue, et souligne les émotions mimées par les danseurs. Ces derniers sont considérés comme des messagers des rois auprès des Dieux et des ancêtres.

PIANO CANTABILE ASSOCIATION

2007-07-22T12:54:00.000-07:00

Association Piano Cantabile
Chemin du Bec Cornu 13400 Aubagne
Tél : +33 442 84 02 36
Courriel : PianoCantabile@wanadoo.fr
le site Piano Cantabile

L'association PIANO CANTABILE a pour but principal d’organiser, sur l’ensemble de l’année, des cours destinés à de jeunes pianistes très avancés, dans le cadre de leur formation professionnelle, qu’il s’agisse, de professeurs, de chambristes ou de concertistes.

Ces cours s’adressent à ceux qui ont terminé leur cursus d’études dans les conservatoires nationaux ou nationaux de région. Certains souhaitent se préparer aux concours d'entrée des conservatoires supérieurs de Paris ou de Lyon ou cherchent au contraire une solution alternative au cursus CNSM. D'autres veulent entrer dans les écoles de formation destinées aux futurs professeurs de conservatoires, ou étant déjà étudiants dans ces écoles souhaitent obtenir un complément de formation instrumentale. D'autres enfin, étant déjà sortis d’un CNSM ou d’une école de musique supérieure internationale, trouvent avec piano Cantabile les moyens de développer leur potentiel en vue de concerts ou de concours internationaux. Tous peuvent bénéficier de cours de haut niveau grâce à cette structure adaptée aux besoins de chacun, sans en être empêchés par le coût de leçons onéreuses.

Les fondateurs de cette association ont donc cherché les moyens de permettre à de jeunes talents d’accéder à cette formation supérieure originale, sans que la participation financière représente pour eux un barrage quelconque. Piano cantabile a aujourd'hui créé un partenariat non seulement avec le Conseil Régional mais aussi avec la ville d'Aubagne, le Conseil Général et, quand il en a besoin, avec le CEFEDEM-sud qui se trouve dans la même ville.

Depuis six ans, l'activité de Piano Cantabile s’est considérablement amplifiée, et c'est actuellement plus d'une trentaine d'étudiants qui bénéficient de ses cours. À des fins pédagogiques, ces jeunes pianistes sont enregistrés sur disque compact sur le grand piano de concert dont dispose l'association. Ils sont également présentés au public dans plusieurs récitals organisés chaque année dans la région.

Bernard d'Ascoli, pianiste et pédagogue international, et Eleanor Harris, pianiste britannique de haut niveau, assurent tout au long de l’année, des cours d'interprétation et de perfectionnement instrumental. Quelques grands solistes, de passage dans la région, sont également invités par Piano Cantabile à animer des classes de maître consacrées aux compositeurs dont ils sont les interprètes unanimement reconnus.

"Pierrot Lunaire" de Arnold Schoënberg

2007-07-18T15:02:00.000-07:00

"Pierrot Lunaire" d’Arnold Schoënberg (1874-1951-Autriche) interprété en allemand. Pièce pour cinq musiciens et une voix parlée sur un livret d'Otto Erich Hartleben (d’après les poèmes d’ Albert Giraud, poète symboliste belge)

# Ecouter une interview de Schoënberg par le professeur Stevens (université de californie en 1949 avec un slideshow: peintures, partitions, photos de schoënberg composant et avec sa classe (in english, sorry!) #

Origine : En 1912, Schoënberg a rencontré Albertine Zehme (1857-1946), une diseuse de cabaret versée dans le mélodrame et qui déclamait souvent des poèmes sur la musique de Chopin. Elle chantait aussi les poèmes mis en musique par Otto Wrieslander (1880-1950) du Pierrot lunaire d'Albert Giraud (1860-1929) traduit par Hartleben. Elle fait connaître ces poèmes à Schoënberg et lui suggère de composer la musique sur un cycle de récitatifs en vue de les présenter aux soirées d'un cabaret nouveau genre à tendance sérieuse. Dans son journal, on peut lire la réponse de Schoënberg : « Une merveilleuse idée, qui me convient parfaitement. »

Style : L'œuvre est un mélodrame, forme populaire à l'époque, où la poésie était parlée sur un fond musical. Le titre la décrit comme « trois fois sept poèmes d'après le Pierrot lunaire d'Albert Giraud traduit en allemand par Otto Erich Hartleben ». C'est la dernière production importante de la période expressionniste de Schoënberg, qui s'étend de 1907 à la Première Guerre mondiale.
Il s’agit donc d’une œuvre au carrefour de trois genres et influences : le mélodrame, le cabaret et la musique de chambre. Schoënberg chercha à créer entre la parole et la musique une relation plus étroite que celle qui existait dans le mélodrame ordinaire, où la partie vocale ne peut être notée que rythmiquement ; cette recherche aboutit au « sprechgesang » ou « parlé‐chanté », où la nature du son vocal semble plus importante que l’air lui‐même.
Sous la voix, la musique ne participe pas à l’exagération du « sprechgesang », elle crée simplement le climat qui convient au poème en variant les combinaisons instrumentales.
Schoënberg a atteint sa maturité musicale à Vienne, la ville de Freud et le centre du mouvement expressionniste qui prévalait en Allemagne et en Autriche au début du XXe siècle. Généralement, l'expressionnisme dans l'art se définit comme la subordination de la représentation de la nature en faveur de l'expression émotive. Allant jusqu'au non-figuratif, certains artistes expressionnistes transmettaient les émotions directement, sans l'influence du monde visible.

Le symbolisme des nombres : Plusieurs théoriciens de la musique croient que la description du titre, « Dreimal Sieben » (trois fois sept), avait une grande signification pour le compositeur, qui s' intéressait sérieusement à la mystique du nombre. Le nombre de poèmes choisis (21) représente les chiffres inversés de l'opus (12) et de l'année de la composition (1912). Les chiffres trois, sept et treize dominent l'œuvre. Ainsi, il y a trois auteurs impliqués — Giraud, Hartleben et Schönberg — et chacune des trois parties de l'œuvre comprend sept poèmes. Les poèmes, qui respectent rigoureusement la forme rondeau, comptent trois couplets totalisant treize lignes. (La première, énoncée trois fois au début, est ensuite répétée une fois à la septième et à la treizième ligne.) L'ensemble musical comprend sept membres (le chef, la récitante et les cinq instrumentistes), et le motif de sept notes de Pierrot (sol dièze, mi, do, ré, si bémol, do dièze, sol — une note pour chaque lettre du nom de Pierrot) est omniprésent dans l'œuvre.

Impact : Pierrot Lunaire constitue un tournant dans l’histoire de la musique occidentale, au même titre que "le Sacre du Printemps" d’Igor Stravinski (1913) ou que les premières expressions du cubisme en peinture (Schoënberg, peintre lui‐même,
participa vers 1910 au mouvement « Der Blaue Reiter » avec Paul Klee et Vassily
Kandinsky). un autoportrait ci-dessous...

Igor Stravinski a noté dans "Diaries and a Dialogue", 50 ans après avoir assisté à sa formidable première : « J'étais conscient qu'il s'agissait là de la plus presciente confrontation de ma vie. »
Pierrot lunaire a ouvert la route pour la création d'un large éventail de jalons musicaux du XXe siècle dont "Le Marteau sans maître" (1954-1957) de Pierre Boulez (« mon Pierrot lunaire », avait-il déclaré en 1955)

Après 40 répétitions, Pierrot lunaire a été créé à la Salle Choralion de Berlin, le 16 octobre 1912. Zehme, costumée, se tenait seule sur la scène pendant que le compositeur dirigeait les musiciens derrière un écran. Le compositeur autrichien Anton Webern, élève de Schoënberg, qui assistait à la première, écrivit : « Naturellement, quelques personnes ont sifflé... mais ce fut sans importance. Le public s'est enthousiasmé après la deuxième partie et, durant la troisième, il y a eu un moment de chahut causé par un idiot qui riait... mais à la fin... ce fut un succès indiscutable. »

Thème :
Le thème central est peut‐être, selon certains, un « portrait de l’artiste » (description du clown‐artiste perturbé et désorienté). Plus qu’une satire cruelle, le Pierrot Lunaire pose un regard sur la destinée humaine où tendresse, dérision, angoisse, tragique et morbidité alternent dans une atmosphère tendue aux limites du rêve et de la réalité. Pierrot lunaire est rapidement devenu une succès populaire, en partie grâce à la vogue du sujet.
Pierrot, un personnage de la commedia dell'arte, mi-pantin muet, mi-être sensible, représente l'homme qui doute de lui-même. Ce sujet a également séduit Picasso et Stravinski (dans "Petrouchka").
Selon Schoënberg, on ne peut attacher une trop grande importance au texte de Giraud, que la traduction allemande de Hartleben tire vers l'expressionnisme bien que la réflexion sur soi du compositeur, sous le masque déformant, tragique et dérisoire de Pierrot, corresponde aux grandes interrogations de Schoënberg en cette année 1912. Les gestes sacrilèges de la seconde partie mettent Pierrot aux prises avec la religion, préoccupation majeure de Schoënberg à ce moment-là (il recherchait une métaphysique nouvelle, un «vrai sentiment religieux», d'où son intérêt pour la Seraphîta de Balzac). La troisième partie traite de la nostalgie pour les «temps anciens», critique à la fois de l'honorabilite bourgeoise et d'une culture esthétisante.
La confusion dans Pierrot lunaire exprime un rapport fondamental créée par l'inconscient entre des sentiments aux antipodes : le désir et la cruauté, le plaisir et la souffrance, l'extase et la mélancolie. Si ces sensations exultaient les romantiques, les artistes projetaient maintenant leur sarcasme à travers le clown pathétique en ridiculisant l'image du poète, en parodiant ses actions héroïques et en tournant en dérisions ses exploits. Toutefois, c'est à travers l'esprit du clown que l'ironie s'affirmait à nouveau et donnait à l'artiste sa propre justification et la vision d'un nouveau monde spirituel.

Instrumentation : Pour le Pierrot Lunaire, Schoënberg fait appel à un ensemble de cinq instruments : piano, flûte (ou piccolo), clarinette (ou clarinette basse), violon (ou alto), violoncelle.

Ecriture : Bien que Pierrot lunaire soit écrit dans une atonalité libre, cette œuvre marque un retour au contrepoint et s'oriente vers l'atonalité ordonnée du sérialisme. Cependant, l'aspect du style expressionniste de Schoënberg qui a eu le plus grand impact sur les compositeurs a été sa façon de concevoir la musique comme un champ libre de 12 tons chromatiques où la configuration des notes pouvait servir de règle. La musique contextuelle, où chaque composition détermine son propre vocabulaire et sa propre méthode, peut être comprise uniquement en fonction de ces nouvelles limites moins restrictives.
Pierrot lunaire est divisé en trois parties comprenant chacune sept mélodrames, utilisant une combinaison instrumentale différente et une forme musicale spécifique. La voix soliste utilise la technique du parlé-chanté, le Sprechgesang, dont la notation est problématique, la tessiture employée (celle de la voix chantée) ne correspondant pas à la voix parlée.
Les parties instrumentales sont autonomes et écrites dans un style contrapunctique très virtuose : tantôt ce sont des imitations libres, le motif principal étant sans cesse transformé (comme dans la première pièce), tantôt Schoënberg fait appel au contrepoint strict du canon (avec des formes en miroir) de la fugue ou de la passacaille (n° 14, 17, 18).
Le brio de l'écriture instrumentale transcende l'aspect cabaret - «un cabaret supérieur» dira Boulez -, mais le Sprechgesang y ramène inexorablement. La voix parlée-chantée, liée généralement chez Schoënberg au fantastique et à la subjectivité, traduit ici ces termes de façon ironique. Schoënberg était très strict sur la différence entre le Sprechgesang et la voix chantée, et l'enregistrement de l'oeuvre qu'il fit en Amérique au début des années quarante montre que le caractère parlé est plus important que le respect absolu des hauteurs notées, quand bien même celles-ci sont parfois dans une relation organique avec les parties instrumentales.

Texte : Schoënberg s’appuie sur le Pierrot Lunaire d’Albert Giraud, poète symboliste belge.
Ces textes expriment des états émotionnels extrêmes en vers simples, avec un fort caractère répétitif. On a beaucoup parlé de la « noirceur forcée » des poèmes de Giraud, pourtant Schönberg écrivit, bien des années plus tard, que l’œuvre avait été conçue sur un « ton léger, ironique, satyrique ».
Choisissant 21 poèmes, Schoënberg a planifié une œuvre en trois parties.
Dans la première, Pierrot, enivré par la lune, a des fantasmes amoureux, sexuels et religieux. Dans la deuxième, on le voit plongé dans un terrible monde cauchemardesque où il se livre au pillage et au blasphème.
Enfin, dans la troisième, il retourne chez lui à Bergame, hanté par la nostalgie d'un passé fabuleux.
Les poèmes, dont la forme française est assez traditionnelle (des rondeaux en vers octosyllabes à rime), et l'allemande plus moderne (vers à mètre varié sans rime), baignent dans une atmosphère à la fois féérique, par leur vision sublime de la conception artistique et décadente, et grinçante par les images provocatrices et macabres qu'ils évoquent.
L'œuvre est remplie d'ambiguïtés. Dans le texte, on passe souvent de la première à la troisième personne. Le ton « léger, ironique et satirique » s'allie à des sentiments de terreur, de violence et de nostalgie. Comme le soliste vocalise entre le chant et la voix parlée, la composition convient autant à la scène qu'à la salle de concert. Son caractère théâtral, mettant en vedette un acteur et faisant allusion à des scènes de théâtre, a influencé plus tard la musique de théâtre, entre autres celles de Cage, de Kagel et de Stockhausen. Interprétation : L'interprétation de Pierrot lunaire pose un réel problème aux récitants. Effectivement, l'utilisation du sprechgesang est toujours une question de perception et il n'est pas rare que des récitants ne fassent que parler. Inversement, d'autres interprètes ne font que chanter. Il est donc notable que la synthèse entre le parlé et le chanté est difficile à obtenir. Une autre particularité du Pierrot Lunaire est qu'il n'y a pas de registre imposé à la partie vocale, ce qui fait que le récitant peut être un homme ou une femme. Cependant, toutes les versions disponibles sur disque sont récitées par des femmes.
Arnold Schoënberg définissait lui-même ce qu'il entendait par Sprechgesang en tête de la partition du Pierrot lunaire :
«La mélodie indiquée dans la partie vocale à l'aide de notes, sauf quelques exceptions isolées spécialement marquées, n'est pas destinée à être chantée. La tâche de l'exécutant consiste à la transformer en une mélodie parlée en tenant compte de la hauteur de son indiquée. Ceci se fait :
1) En respectant le rythme avec précision, comme si l'on chantait, c'est-à-dire, sans plus de liberté que dans le cas d une mélodie chantée.
2) En étant conscient de la différence entre note chantée et note parlée : alors que, dans le chant, la hauteur de chaque son est maintenue sans changement d'un bout à l'autre du son, dans le Sprechgesang, la hauteur du son, une fois indiquée, est abandonnée pour une montée ou une chute, selon la courbe de la phrase.
Toutefois l'exécutant doit faire très attention à ne pas adopter une manière chantée de parler. Cela n'est pas du tout mon intention. Il ne faut absolument pas essayer de parler de manière réaliste et naturelle. Bien au contraire, la différence entre la manière ordinaire de parler et celle utilisée dans une forme musicale doit être évidente. En même temps, elle ne doit jamais rappeler le chant.
Incidemment, j'aimerais faire le commentaire suivant, quant à la manière d'exécuter la musique. Les exécutants ne doivent jamais recréer l'atmosphère et le caractère des morceaux individuels, en se basant non pas sur la signification des mots mais sur celle de la musique. Dans la mesure où la manière, indiquée dans le texte, de rendre les événements et les sensations, manière semblable à un tableau tonal, a été importante pour l'auteur, on la retrouve de toute façon dans la musique. Même si l'exécutant estime qu'il manque quelque chose, il doit s'abstenir d'apporter des éléments qui n'ont pas été voulus par l'auteur, sinon il nuirait à l'oeuvre au lieu de l'enrichir.»

« Le travail de l’interprète réside là : faire entendre un théâtre de l’extrême, de la cruauté comme disait Artaud, "faire voir l’atroce par les oreilles".
Il faut un exemple. Prenons “Gemeinheit”, Méchanceté, la 16ème pièce. Pierrot se met en devoir de fumer son tabac de Turquie dans le crâne de Cassandre utilisé comme pipe. Le violoncelle lime, râpe, fraise brutalement dès les premières mesures. Un petit pas de danse l’interrompt dès la mesure cinq avec l’évocation de la mine hypocrite de Pierrot forant un conduit pour y passer son tuyau de pipe. Et quand dans un silence tombe sèchement le mot de “foret à crâne”, le piccolo lance un cri de douleur. Deux secondes d’horreur suffisent, Pierrot est déjà tout à la jouissance de bourrer son tabac, et sur le sensuel mot “turc”, la clarinette s’abandonne à une arabesque déclinée calmement. Ainsi va le Pierrot Lunaire. »
(commentaire de François Deppe).
Ces informations ont été recueilllies sur les sites de l'Ircam, et l'encyclopédie Hachette). Vous y trouverez les textes en allemand avec leur traduction.

L'ensemble Tempus Fugit avec Karla Munoz (chant) en 2006 à Mexico

première partie: "Mondestrunken" (Ivresse de lune)
le texte:
Le vin que l'on boit par les yeux
A flots verts de la lune coule
Et submerge comme une houle
Les horizons silencieux.
De doux conseils pernicieux
Dans le philtre nagent en foule
Le vin que l'on boit par les yeux
A flots verts dans la lune coule.
Le Poète religieux
De l'étrange absinthe se soûle
Aspirant, jusqu'à ce qu'il roule
Le geste fou, la tête aux cieux,
Le vin que l'on boit par les yeux!

deuxième partie: "Rote Messe" (messe rouge)
le texte:
Pour la cruelle Eucharistie,
Sous l'éclair des ors aveuglants,
Et des cierges aux feux troublants,
Pierrot sort de la sacristie
Sa main, de la grâce investie,
Déchire ses ornements blancs,
Pour la cruelle Eucharistie,
Sous l'éclair des ors aveuglants,
Et d'un grand geste d'amnistie
Il montre aux fidèles tremblants
Son coeur entre ses doigts sanglants
- Comme une horrible et rouge hostie
Pour la cruelle Eucharistie.

troisième partie: "Enthauptung" (decollation)
le texte:
La lune, comme un sabre blanc,
Sur un sombre coussin de moire,
Se courbe en la nocturne gloire
D'un ciel fantastique et dolent.
Un long Pierrot déambulant,
Fixe avec des gestes de foire
La lune, comme un sabre blanc
Sur un sombre coussin de moire
Il flageole, et s'agenouillant
Rêve dans l'immensité noire
Que pour la mort expiatoire,
Sur son cou s'abat en sifflant
La Lune, comme un sabre blanc.

autoportrait en bleu
une version dansée de Nourreev en 1977 ( le son est faible, raccordez votre ordi à votre chaîne!) sa danse est quasi acrobatique, sur un échafaudage, et ses mimiques évoquent l'univers du mime et du clown. magnifique...

vidéo de "lune malade" (deuxième partie) sous-titrée en anglais: la version de Boulez avec Christin Schafer et l'ensemble intercontemporain

C'est vrai, c'est une oeuvre qui n'est pas facile au départ, pas familière aux oreilles habituées au confort tonal, en tout cas difficile peut-être à écouter de part en part, c'est pourquoi je vous conseille d'en écouter des extraits, avec le texte sous les yeux, puis sans le texte. J'ai moi-même mis un certain temps à l'apprécier quand j'étais plus jeune, mais maintenant je ne saurais m'en passer. Et cette année je la ferai écouter à mes 6èmes et à mes 3èmes dans la thématique "pierrot en musique, comparaison avec Petrouchka ou Pinocchio" et "les différentes utilisations de la voix à partir de la musique du XXème siècle". On verra bien leur réaction.

"The Golden Age of Grotesque" (Marilyn Manson): sommaire de l'analyse de l'album

2007-06-29T13:10:00.000-07:00

tu cliques sur les titres pour aller à l'article qui t'intéresse.
Généralités: la personnalité, les thèmes, le look de Manson.
L'album: le concept, les influences.

La musique de Manson (éléments musicaux, contenu)
les titres contiennent: vidéos, sujets abordé dans le titre, lyrics et traduction, partitions, commentaire des images de la vidéo. clique sur le titre qui t'intéresse pour lire l'analyse et écouter.
Track 1: "Theater" (prologue) titre instrumental d'introduction.
Track 2: "This is the new (s)HIT"
Track 3: "mOBSCENE"
Track 4: "Doll Dagga Buzz Buzz Ziggety-Zag"
Track 5: "Use your fist and not your mouth"
Track 6: "The Golden Age of Grotesque"
Track 7: "(s)AINT"
Track 8: "Ka boom Ka boom"
Track 9: "Slutgarden"
Track 10: "Spade"
Track 11: "Paranoir"
Track 12: "The Bright Young Things"
Track 13: "Better than two evils"
Track 14: "Vodevil"

Track 15: "Obsequey" (the death of art) instrumental

Track 16: "Tainted love" (reprise)

Interview Marilyn Manson TF1 30.01.2001

interview de Manson (magazine) avant la sortie de l'album

Marilyn Manson "The Golden Age of Grotesque"

2007-06-28T07:45:00.000-07:00

Je vais vous parler de son 6e album (le premier que j'aie écouté). J'ai découvert ce personnage grâce à mes rares élèves marseillais fans de métal (les autres, c'était plutôt rap...). Au début j'ai détesté son look et l'imagerie en général, mais j'ai aimé la musique, la force qui s'en dégageait. Alors j'ai écouté les autres albums, et à présent je les ai tous, et je l'écoute souvent. J'ai visité tous les sites qui parlent de sa carrière, lu son autobiographie, quelques bouquins pour retracer son parcours, et acheté le song book "Lest we forget". J'ai lu et traduit tous les lyrics, et pisté les partitions. Ben c'est très intéressant finalement. Comme quoi y'a qu'les imbéciles qui changent pas d'avis.

MARYLIN MANSON : une personnalité hors du commun.
L’univers du chanteur
Son vrai nom est Brian Warner. Le choix de ce nom de scène affirme une volonté de se créer une seconde identité. Celle qui permet toutes les excentricités et les débordements dans ses concerts, car il est de nature plutôt réservée et intériorisée. Cela évoque aussi les deux faces de l’Amérique : la star Holywoodienne, toute de fragilité et de glamour, et le tueur en série, érigé au rang de star par les media et la presse à sensation.
La métamorphose physique créée par le maquillage, les costumes, les coupes de cheveux autorisent toutes les transgressions et les extravagances de ses prestations scéniques. L’idée originale est que même dans la laideur il y a une beauté que l’on peut trouver (et quand on voit les couvertures des magazines people ou féminins, cette opinion n'est pas idiote).
La scène est pour lui un exutoire, une sorte de confessionnal où il expurge toutes ses colères et ses frustrations. Il brûle des Bibles ou la bannière étoilée, mime des actes sexuels, se scarifie ou crache sur la foule. Ce masque lui permet une affirmation de soi, même si elle est chaotique. Il le fait apparaître comme une marionnette aux yeux cerclés de noir, qui lui paraît plus authentique que lui-même.

Il change d’apparence à chaque album (comme avant lui, Bowie, Lou Reed ou Iggy Pop), incarne d’autres personnages sans y perdre son identité propre. D'ailleurs il conçoit ses costumes lui-même.
Comme d’autres, il s'est trouvé rapidement prisonnier derrière ce masque et le personnage fantasque qu’il s’est construit.

Aucune différence n’est faite par le public entre le « personnage » provocant et Brian Warner, un gars cultivé dont les références sont Nietzsche, Fellini, Max Ernst, André Breton ou Oscar Wilde.
Il ne correspond pas aux normes imposées par les Media et la société, il a une démarche totalement à l’opposé. Il représente aujourd’hui un véritable danger social pour une Amérique qui déteste le doute et la mise en cause. Malgré tout, comme souvent, cette marginalisation a fini cependant par s’imposer comme une norme commerciale. Il est devenu malgré lui une icône médiatique qui dicte les modes à de nombreux fans adolescents qui le singent.
MM est cependant connu pour ses prises de positions intelligentes, pour sa culture, qui sont aux antipodes de l’image qu’il renvoie sur scène. Philosophie, mysticisme, et réflexions esthétiques ressortent de ses influences.
A propos de Nietzsche : « J’ai cautionné l’idée que l’intelligence est le seul critère valable pour désigner des leaders et des décisionnaires. Personne ne choisit son sexe ou sa race mais n’importe qui peut exceller et enrichir son esprit en se cultivant et en étudiant ».
Il a fait petit à petit évoluer son univers pour créer une sorte de Rock Indus Baroque, fait aussi de dérision et complètement assumé. Tour à tour grotesque, provocant, sombre voire morbide, il gêne, agace et dérange l’Amérique bien pensante et puritaine.
C’est aussi un artiste complet (à l’instar de Bowie, il est peintre, poète, auteur, acteur et cinéaste).
Chacun de ses albums est un album-concept, aux univers différents mais formant un tout homogène (quand ce n’est pas un cycle). Les influences musicales sont plus variées qu’il n’y paraît : Pop, Punk, Ska, Electro, etc…)

Les thématiques:
La religion : Dans son autobiographie, Manson raconte qu' élevé dans une école ultra religieuse, il a développé une forte aversion pour la religion, surtout le Christianisme jugé hypocrite et violent. Il accepte d’ailleurs d’être Grand Prêtre de l’Eglise de satan (à titre honorifique), mouvement fondé par Anton Lavey , mais plus par goût pour un mode de pensée alternatif. Sympathisant mais pas pratiquant, donc.
Toutes ces rumeurs affirmant qu’il torture ou mange des animaux sur scène, entre autres atrocités, ont été véhiculées par des associations « familiales » proches des conservateurs évangélistes républicains américains, dont les manifestations violentes aux abords des salles de concert sont bien plus angoissantes que ce qui se passe sur scène (on en a un aperçu dans les DVD).
« Quand j’étais enfant, j’étais terrifié par l’idée de l’Apocalypse, et de l’Antéchrist qui détruiraient le monde. Les peurs qu’impose le Christianisme ont créé Marilyn Manson. Je ne veux pas la destruction du monde ou de l’Amérique, je pense plus à une Apocalypse de l’esprit, à détruire les vieilles églises, repartir à zéro d’un point de vue moral, se construire sa propre éthique est beaucoup plus terrifiant que la fin du monde pour le commun des mortels » (Rage, 1996)
« Mon interprétation du satanisme est une théorie de l’évolution, la survie des plus forts, la préservation de soi, l’affirmation de son individualité et de ce que en quoi tu crois. Dieu et Satan n’ont pas grand-chose à voir avec cette philosophie, je parlerais plutôt d’humanisme. Le satanisme n’est pas selon moi une religion, c’est une philosophie, une opinion. »
et encore cette phrase à propos se son éducation religieuse :« J’ai décidé de devenir ce dont j’avais peur ».

Le sexe : La relation au sexe est influencée par sa jeunesse. Il surprend son grand-père à l’âge de douze ans, dans des pratiques peu communes, ce qui le marque profondément.
La drogue : Il a à peu près tout essayé (c’est un peu les pratiques du Rock, en même temps) jusqu’à une overdose qui le ramène à ses désirs d’indépendance à leur égard.
La stupidité de l’être humain
Le gouvernement américain : la vente libre d’armes à feu, la guerre en Irak, l’hypocrisie.
Il s’implique dans divers projets artistiques, peinture, cinéma, écriture (il a exposé ses toiles à Paris et Berlin).

Les différentes ères :
De 1989 à 1995 : MM a été très influencé au début de sa carrière par une visite de Disneyland sous acides. Cette « ère » artistique subira une force influence du clownesque accompagné de couleurs vives.

En 1996-1997 : Suite à « Antichrist Superstar » il est intégré dans la grande famille du Métal Industriel. Cela se traduit par une mise en scène minutieuse, avec drapeau américain, podium, et échasses (« Kinderfeld »), assorti d’effets de lumières ou de neige. Il y incarne l’Antéchrist.
Sa carrière commence par une volonté de démarcation avec le mouvement Grunge, qu’il déteste, car il est anti-star. Il décide d’être le seul, l’unique, le surhomme, le Satan des Etats-Unis.

En 1998-1999 : « Mechanical Animals » est presque un hommage (ou une continuation) à Bowie, dans la période « Glam-Rock ». Couleurs, paillettes, strass, look androgyne, maquillage, show hollywoodien, néons lumineux. Il y incarne Omega, un extra-terrestre androgyne, pop star décadente qui est une allusion à Ziggy Stardust, le personnage de Bowie dans « Ziggy Stardust and the Spiders from Mars ».
De 2000 à 2002 : « Holywood » fait suite à la tuerie de Colombine et fait de MM l’ennemi public n°1. On le harcèle chez lui, on le menace de mort, on manifeste devant les salles de spectacle et l'on fait annuler ses concerts, on répand les rumeurs les plus êffrayantes. La réponse sera à l’image de la période. Un album sombre, teinté d’antiaméricanisme et de références médiévales.
Durant les concerts, on voit le drapeau américain brûler en arrière-plan (« Burning Flag »).
C’est aussi l’évocation de la guerre (un pied de micro en forme de fusil, un podium sur lequel est représenté un crucifix fait de 2 revolvers et d’un fusil, MM porte un képi).

Les influences médiévales se font sentir sur « Disposable teens », et «The Nobodies ».
La religion est toujours présente « The Love song », « Valentine’s Day », MM y apparaît en costume papal. Il incarne un homme d’église nommé Mercury (qui contient une sorte de trilogie inversée).

Marilyn Manson: "the Golden Age of Grotesque" (2003) le concept

2007-06-27T06:49:00.000-07:00

Cet album est le 5e.
“L’art du grotesque, c’est une ère où il est question de réhabiliter la notion d’art dangereux ou d’art dégénéré”
Après avoir été diabolisé, boycotté, puis réhabilité grâce au film « Bowling for Columbine » de Michaël Moore, Marilyn Manson revient sur le devant de la scène avec cet nouvel album, lugubre, grandilocquent, apocalyptique et déjanté. Le style électro-industriel est exploré avec minutie.

avec Dita

Encore une fois, il arbore un nouveau look, aborde un nouvel univers, de nouvelles réflexions, mais aussi une nouvelle rencontre: Dita Von Teese. (Cette rencontre a incité Manson a montrer ses peintures. On peut voir ses toiles sur "www.marilynmanson.com"). En 2004 il a exposé ses toiles à Berlin et à paris (à l’hôtel Lutetia, réquisitionné par les nazis sous l’occupation. Etrange coïncidence). Les plus choquantes représentent Hitler ou des drapeaux nazis, car même si elles sont peintes avec une dérision évidente, ce genre d’image reste très subversif. Sur l’une d’elles, Manson rend hommage à Chaplin en le mêlant à Hitler qu’il transforme en personnage androgyne, clin d’œil au film « le Dictateur » dans lequel Chaplin parodie Hitler.
Sous son influence, il s’intéresse au rétro, à l’élégance de l’esprit cabaret européen de l’entre-deux guerres, les « années folles » où souffle un vent de joie, de liberté, et de créativité. Mais c’est aussi un élan de société soutenu par les intellectuels qui développe l’avant-garde, aime le Swing, adule Marlene Dietrich (« L’Ange Bleu »), et Joséphine Baker (« La revue Nègre »). C’est aussi l’époque où le look androgyne voit le jour (« La Garçonne » de Victor Marguerite), l’apparition du style Art-Déco, succédant au Cubisme, avant l’abstraction.
Tout cela se déroule sous la République de Weimar, après la défaite allemande, en 1919, et jusqu’en 1933. C’est le désir d’instaurer une nouvelle constitution et d’établir la démocratie dans le pays.
Berlin est le lieu de rencontre de tous les artistes. Ecrivains (Këstner), peintres (Müller, ou l’art de la caricature, Otto Dix, Eric Heckel, expressionniste, qui développe la gravure sur bois)
L’Allemagne vaincue est alors en plein désarroi social. Inflation, pauvreté, influence grandissante du parti nazi.
« Je me suis intéressé à la montée du nazisme, parce qu’elle n’est pas sans ressembler à ce que nous vivons, avec cette guerre en Irak et le retour en force des polices de l’esprit. Le plus effrayant est de constater que l’art en bénéficie toujours : il n’est jamais aussi fort et créatif que dans la réaction et la défense des libertés esentielles » (télérama, 2003)

En parallèle, la naissance du mouvement Dada en 1916, à Zurich, en Suisse (berceau des pacifistes et exilés qui fuient la guerre et les massacres et veulent renverser les valeurs, la morale et l’art. Ce mouvement envahit l’Europe puis les Etats-Unis.
Son chef de file, Tristan Tzara, avec Hugo Bail, explique dans son « Manifeste » que Dada est né d’un besoin d’indépendance, et de la méfiance envers la communauté. « Nous ne reconnaissons aucune théorie. Nous avons assez des académismes cubistes et futuristes : laboratoire d’idées formelles. Fait-on l’art pour gagner de l’argent et caresser les gentils bourgeois ? »
Cette impulsion, fondée sur la destruction de tous les repères, sur un profond nihilisme esthétique, et une critique acerbe et sarcastique de l’homme mécanisé, influencera Marcel Duchamp, inventeur des « Ready made » dans ses réflexions sur les canons de l’art. Ou comment dérouter le regard du public en lui présentant comme chef d’œuvre un urinoir…ou encore Schwitters qui puisa dans Dada l’inspiration de la technique des collages, baptisée Merz, avec toutes sortes de matériaux, détritus de la société de consommation, afin de refléter le chaos universel. Une méthode qu’utilisera le mouvement Pop Art dans les années 60. Marilyn Manson partage la vision du monde de Tzara et y puise des références.
Il suit le mouvement expressionniste qui lui permet de déformer la réalité pour atteindre une plus grande intensité expressive et ainsi provoquer chez les autres une véritable émotion. Tout ce qu’ a tenté de démontrer Nietzsche, qui n’a jamais cautionné l’antisémitisme et l’a même maintes fois condamné, mais dont les thèses furent récupérées et falsifiées à titre posthume par le parti nazi.
Tristan Tzara déclare, en 1918, qu’il faut tout anéantir à commencer par les mots et leur sens : « idéal, idéal, idéal / connaissance, connaissance, connaissance / Boumboum, Boumboum, Boumboum ». Marilyn Manson reprend ces onomatopées dans “Ka-boom Ka-boom” « I am, I am, I am so yours / Ka-boom, Ka-boom / I’d like to la la la la love you… » et se proclame l’Arch Dandy of Dada.

“Dada n’était pas seulement absurde, pas seulement une blague. Dada était l’expression d’une très forte douleur des adolescents. Né pendant la guerre de 14, ce que nous voulions, c’était faire table rase des valeurs en cours, mais au profit justement des valeurs humaines les plus hautes ». (Tzara)
Dada ne sera qu’une passerelle vers d’autres expériences, celle du Surréalisme. Presque tous les anciens Dadaïstes (Hans Arp, Man Ray, Max Ernst) le découvrent avec toutes sortes de supports. Enrichi même de politique Marxiste et des théories Freudiennes. Le mouvement Dada, abandonné en 1922, aura des échos avec les nouveaux réalistes (Klein, Niki de Saint-Phalle, César…).
Opposé à tout ce qui est rationnel, conformiste, logique ou moralisateur, le Surréalisme s’intéresse à l’inconscient et à ce que Freud appelle « sa voie royale », le rêve. Tenter de découvrir et de retranscrire l’envers réel de la pensée. « En l’absence de tout contrôle exercé par la raison, en dehors de toute préoccupation esthétique ou morale » (André Breton). Suivant le principe, il avait inauguré l’écriture automatique en publiant en 1920 les « champs magnétiques », une forme de jaillissement spontané et originel du langage. Un relâchement incohérent de l’esprit. Outre les répétitions et la déstructuration intraduisible des vocables, que l’on trouve ici pour la première fois chez Manson dans « This is the new (s)HIT »: « Babble Babble, Bitch Bitch, Rebel Rebel, PartyParty, Sex,Sex,Sex and don’t forget the violence , Blah Blah Blah, Get your Lovey-Dovey sad and lonely…Blah Blah Blah, everybosy sing along ». ou encore « Doll Dagga Buzz Buzz Ziggety-Zag , Godmod Grotesk Burlesk Drag ».
Manson semble également se livrer sur de nombreux titres de l’album à l’exercice de l’écriture automatique, et à son jeu dérivé, les Cadavres exquis. Dans « Slutgarden » (« le jardin des traînées »), « Je suis un magnétoscope funéraire de / Mémoire morte perdue et / Mon sourire est une barrière de chaîne / Que j’ai accroché / Aime l’ennemi / mon amour est trois ennemies ».
Idem pour « Spade » (« Pique ») : « Le grain de beauté a été emprunté et / Maintenant mon doux couteau rouille demain/ Je suis une confession qui attend d’être entendue / Brûle ta pluie vide sur moi / Soupire ton rythme mortel si doucement / Nous plions nos genoux / Sur l’autel de mon égo… » ou encore avec « The Bright young things » (« les jeunes choses radieuses »). « Nous serons les vers dans ta tarte aux pommes / Faux abus pour notre bio / Noirci nos propres yeux / L’herbe n’est pas plus verte de l’autre côté / Nous y mettons le feu… »
Dans le même esprit, il bouscule l’orthographe « Perfekt, Grotesk, Burlesk », joue avec les mots « (s)AINT » (contraction de « saint » et de « rien »), « Scabaret » (le cabaret effrayant), ou « mObscene » (« la foule » et « obscene »).

Le démantèlement des paroles comme reflet de la décadence du monde. Manson mentionne Oscar Wilde, pour mieux souligner que l’obscénité est du côté des voyeurs et non de celui qui est regardé, jugé. En référence, bien sûr, au procès de moralité intenté au Dandy anticonformiste accusé d’homosexualité en 1895 dans l’angleterre Victorienne. Condamnation qui entraînera sa chute. Atmosphère fin de siècle (névroses, mélancolie, pessimisme et décadentisme). Wilde, c’est aussi l’extravagance comme ligne de conduite, une ironie unique, des traits d’esprit fulgurants d’intelligence et une théorie farouchement défendue, celle de l’Art pour l’Art. Dans la lignée de Théophile Gautier, il sera le chef de file des esthètes au service du beau absolu. « La vie imite l’art bien plus que l’art n’imite la vie ».
Manson pousse l’idée encore plus loin : « Maintenant je ne suis pas un artiste / Je suis un putain de travail de l’art » (« (s)AINT »).
Oscar Wilde, une fois sa lourde peine purgée, renaîtra en France sous une nouvelle identité, Sébastien Malmoth (pseudonyme emprunté au roman de Charles Maturin « Melmoth the Wanderer » (fondateur de la littérature Gothique).
La fascination de ce courant pour l’atmosphère angoissante des décors revisités au quotidien donnera naissance au grand genre « Fantastique » et « d’épouvante » incarné par Lovecraft au XXème siècle. Une œuvre qui a bercé la jeunesse et l’univers onirique du jeune Brian Warner.
« Para-Noir » en écho avec Dita, nous fait entrapercevoir les tourbillons frelatés d’absinthe des spectacles du début du XXème, à Paris. Le cancan endiablé de la Goulue, période Moulin Rouge et Toulouse-Lautrec. Et le spectacle des sœurs siamoises Daisy and Violet Hilton, ces anglaises qui fixent les belles heures du Vaudeville (« Vodevil ») américain des années 30. Un genre mariant diverses formes de performances théâtrales. On peut les voir dans le film de Tod Browning, « Freaks » (1932). Manson adore ce film et fait apparaître leurs silhouettes sur la scène de la tournée « Grotesk Burlesk » : « ladies and Gentleman , Mesdames et Messieurs, Damen une Herren ». comme dans le film de Bob Fosse « Cabaret », avec Liza Minelli.
Le titre de l’album nous entraîne également dans l’univers festif des cabarets. Sur un rythme lent fait de « lalala » décadents, « The Golden Age of Grotesque » inaugure, selon Manson, le nouveau millénaire ou le « Dirty World Reich ». Un empire malsain. La fin des illusions et de la création.
Comme l’ascension d’Hitler en 1933 mettra fin à la République de Weimar et aux enthousiasmes artistiques qui l’accompagnèrent. Cette ère nazie qui, suivant ses propres critères, assimila les plus grandes œuvres à un « art dégénéré ». Exit le Dadaïsme, Cubisme, Expressionnisme, Fauvisme, Impressionnisme, Surréalisme et autres musique noires ou cinéma juif.
En réponse à ce bannissement inacceptable, Manson décrète en un jeu de mot : « We’re the Low Art Gloominati » (« Nous sommes l’art mineur ») en opposition à l’art majeur, héroïque et officiel prôné par le régime fasciste. Le « sombrimineux » associant en un oxymore l’obscurité, « gloom » aux Illuminati, « du latin « illuminer, savoir », l’organisation ultra-secrète qui gouvernerait le monde depuis le XIVème siècle. Une façon Luciférienne de signaler que la lumière provient toujours des ténèbres. Il propose le recul indispensable de l’esprit. De toujours regarder la réalité d’un présent, d’un état, d’une religion ou de quelconques règles que ce soient non du point de vue de ceux qui distribuent les cartes, mais de l’autre côté. Depuis la partie obscure. En marge. Un décalage nécessaire pour mieux appréhender le monde et ses incohérences.

Le livret de l’album dévoile un Manson au visage maquillé en noir, aux yeux et à la bouche cerclés de blanc, se regardant dans un miroir. Une attaque sans détours qui renvoie l’ensemble de la population du « pays de la liberté » le reflet de la ségrégation raciale qui a longtemps sévi sur le territoire. On n’autorisait pas par exemple les Noirs à jouer dans les premiers Vaudeville. C’étaient les Blancs qui se grimaient grossièrement pour interpréter les rôles.

« Il est plus important pour moi d’être créatif que célèbre » (Le monde, 2003).

Le shock logo : Une flèche dans un rond. Les mains levées avec l’index et l’auriculaire dressés, la débauche de violence et l’attitude de dictateur du leader sur « Dead to the World » (DVD de la tournée « Antichrist » de 96-97, l’engouement du chanteur pour le Berlin décadent des années folles ou encore sa fascination pour Nietzsche, la façon de haranguer les foules ne sont cependant pas plus inquiétantes que celle de tous les groupes de Metal et de Heavy metal. (Zappa, The Rolling Stones, Black Sabbath, AC/DC, Metallica, Guns’n’Roses, Rammstein, KoRn, Slipknot…)
Marilyn, en reprenant cet éclair, souligne juste sa filiation, de Bowie (pochette de « Aladdin Sane », visage du chanteur), son idole absolue à Kiss, le groupe culte de son adolescence. En se déguisant en nazi, il essaie de démontrer que la violence est restée présente dans le monde malgré leur disparition. Et il est toujours dangereux de manipuler des images aussi chargées d’émotion.

Le Look
Manson apparaît habillé avec un somptueux costume à veste longue et rouge (Monsieur Loyal), un chapeau melon,les fringues des autres musiciens se voulant très riches de cuit à la manière d’un uniforme futuriste. Tout l’emballage de l’album (réalisée par l’autrichien Gottfried Helnwein, peintre, photographe et sculpteur autrichien renommé) respire le luxe et le raffinement. La pochette est pourtant brutale, avec le visage brumeux de la bête dont les dents sont enfermées derrière un barrage de fil d’acier comme des barbelés.
Une autre montre le visage de Manson avec la bouche ouverte sur des dents métalliques dans une pose de rage proche du hurlement du loup garou et les pupilles fendues. Les photos intérieures, moins macabres que dans les autres albums jouent plutôt sur des couleurs nettes avec le gris et le rouge prédominants. On retrouve aussi le maquillage « clownesque » (rouge à lèvres outrancier, yeux cernés de maquillage bleu, rose ou noir).
Sur scène il porte un corset et un pantalon tenus par des bretelles.
Le chapeau « Mickey Mouse » est un clin d’œil à la naissance du personnage créé par Disney, grand partisan du Dadaïsme, qui voulait combiner l’art simple (dessin, musique) et l’art noble (celui des musées). Démocratiser l’œuvre d’art pour en faire l’objet de tous.

ps: (je tiens à préciser que ces informations précieuses m'ont été livrées par l'excellent bouquin de Béatrice Nouveau "l'âge d'or des ténèbres" et divers articles trouvés sur le web, notamment les excellents sites sur Manson dont je donnerai la liste en conclusion. ma touche personnelle consistera en une analyse musicale des titres de l'album) ici une interview éclairante de Manson à la sortie de l'album

Essai d'analyse de la musique de Marilyn Manson

2007-06-26T08:24:00.000-07:00

"Je vois ma vie comme un gigantesque opéra ridicule mais nous avons besoin d'opéra" (Manson)

Cet album sort après le départ du bassiste et ami de longue date Twiggy Ramirez, remplacé par Tim Skold (guitariste bassiste suédois né en 66, ex KMFDM). Ce dernier est aussi producteur-programmeur de MM et multi-instrumentiste. Tim aurait encouragé Manson à revenir à la simplicité des touts débuts et à ne pas faire trop de prises pour les parties chantées. Manson déclare qu'il a repris goût à la musique (il a eu un passage à vide) grâce à son travail sur le titre "Tainted Love".

Les autres membres du groupe ne changent pas. (à gauche, Ginger Fish, claviers)

Cet album semble être la suite de « Antichrist superstar » plutôt que de « Mechanical Animals » ou « Holy Wood ». On y retrouve des traces de Trent Reznor (riffs lourds et rageurs et sons synthétiques, alternance de titres plus Electro ou plus Metal/Indus, mais aussi sons de piano cabaret, et contrebasse sur certains titres). Un des albums les plus accomplis de Manson, compositions plus travaillées qu’auparavant, en particulier « (s)AINT » et « mOBSCENE ». l'aspect cirque y est plus particulièrement représenté dans les titres "Theater", "The golden age..." mais aussi "Doll Dagga Buzz Buzz..." qui ressemble au balbutiement grotesque d'un clown. Egalement l'ordre (ou plutôt le non-ordre) des chansons évoque le chaos, le show burlesque. Les titres s'enchaînent en effet de façon totalement illogique.
Manson a déclaré qu’il s’agissait d’un mélange de Glam Rock Seventies et d’influences diverses. L’album a été taxé par la critique de commercial, marketing, proche du Nu-Metal (KoRn), car sous ses airs Heavy, il est plus "calme" et plus varié que les précédents, bien que le show très USA prenne le pas sur la musique par moments.

La structure des chansons s'articule autour d'un intro (riff de guitare), deux ou trois couplets, un pre chorus suivi d'un chorus (refrain), un pont et la coda. Presque toutes les chansons se terminent de façon abrupte (comme les sorties de scène de Marilyn).
Sur le plan rythmique, la pulsation est toujours très marquée, peu d'évolution du tempo au cours d'un morceau, un usage systématique de rythmes syncopés, de textes quasi rappés (on retrouve çà chez KoRn par ailleurs) et des passages ternaires bienvenus dans les riffs de guitare (dans "Ka Boom", et "Doll Dagga...", mais aussi la mesure dans "The Golden Age" à 6/8). La plupart du temps, la mesure est à 4 temps binaires. Les carrures sont aussi de 4 mesures avec de nombreuses répétitions mais aussi des variations.
L'harmonie varie entre trois et cinq accords, joués en "power chords", (quinte et octave sur la fondamentale), la guitare est presque systématiquement abaissée (corde de Mi en Ré). Les modes sont mineurs pas toujours avec sensible (son plutôt modal). On trouve des intervalles diminués ou augmentés (quintes, neuvièmes), de petites lignes chromatiques dans les Riffs de guitare, en particulier lors du "pont" (bridge).
Les Mélodies sont rares, mais on en trouve au moins une par titre (sur un court moment).
La plus intéressante sur l'album est celle de "Spade" où l'on a un Duo avec Dita, à l'octave, puis manson reprend seul le chant en octave à la fin, qui exprime son ambiguïté (au niveau de la personnalité), à mon sens. C'est peut-être le seul passage où l'on entend sa voix naturelle, qui me semble-t-il a gagné en tessiture. Sinon, la voix chuchote, se fait gutturale, parle à la façon d'une prédication, crie et hurle (en particulier dans les chorus), et chantonne en suivant la basse et la guitare dans la plupart des passages où le texte est important. Quelques effets sont utilisés, mais de façon parcimonieuse (si l'on compare avec les autres styles de métal) donnant une voix caverneuse, inquiétante, mais il utilise aussi le mégaphone dans certains titres. Lors de ses tournées, Manson me semble en difficulté, il manque de souffle, et a besoin fréquemment de sa bouteille à oxygène, la voix n'est pas placée, un travail sérieux s'impose à mon avis. Paradoxalement il est plus difficile de chanter que de crier,d'autant plus que comme je l'ai dit, la tessiture s'est étendue.
Les Choeurs ponctuent ou doublent la voix (plus rarement). Ici un choeur de filles ("dans l'esprit d'oscar Wilde") font leur apparition sur "mOBSCENE" en accentuant le côté Pom Pom girl stupides.
Le son en règle générale est très grave (surtout dans "Ka boom"), ce qui donne un caractère sombre à la musique, et se situe dans la plus pure tradition du métal. La voix de Manson chante une octave plus grave.
Les nuances vont de pianissimo à triple forte, le son est surtout accentué par les programmations de guitare (jusqu'à 8!). La plupart du temps, un énorme crescendo a lieu qui annonce le Chorus.
Au niveau de l'arrangement, les chanson les plus "écrites" à mon sens sont "this is the new (s)HIT" , "(s)AINT"et "Use your fist...". Des solos de guitare étonnants chez Manson surtout dans "Paranoir", longue chanson lyrique de 6 minutes. Mais aussi dans "Doll Dagga ...". Les programmations électro sont surtout audibles dans les intros (petits sons distordus, piano bastringue...sons industriels) et outros.
La guitare et la basse sont omniprésentes. Soutien de la voix, Riffs très toniques triple forte, petites mélodies qui relient l'ensemble, et les effets divers (bends, slides, distorsion, phaser, etc utilisés à outrance pour bâtir un mur de son et faire monter l'énergie). La batterie martèle tout le temps l'ensemble, surtout dans les Breaks (courts mais hyper toniques) qui relancent généralement le refrain ou un nouveau couplet. Sur scène, Manson apparaît avec un saxophone dont il tire des sons improbables (un hommage au swing?)

Finalement à l'écoute entière de l'album, il y a de très bonnes idées, des jeux de mots, de langage très originaux, une énergie porteuse, quelques belles mélodies. Peut-être une longueur excessive dans certains titres, ou alors cela demanderait une multiplication des petits motifs dont Tim Skold a le secret, ou un l'arrangementsoigné (à noter que Skold, souvent shooté lors des concerts, a tendance à jouer perso sur scène, et déforme les morceaux, ce qui désoriente les fans). L'ensemble reste très tonique, avec des arrangements des parties musicales qui se superposent différemment selon le passage, évitant ainsi la lourdeur des répétitions. Il y a une certaine variété dans la succession des morceaux, on ne s'ennuie pas une seconde. Les programmations sont riches de petits sons électro variés, et de micro-rythmes qui dynamisent l'ensemble. Le morceau-titre est vraiment original par rapport au style Métal, avec sa mesure ternaire et ses bruits ressemblant à un barrissement d'éléphant, et les sauts d'octave donnant un caractère de cirque à la chanson.

une des peintures de Marilyn (auto portrait je suppose)

MARILYN MANSON: This is the new (s)**T

2007-06-25T06:35:00.000-07:00

Track 2: « This is the new (s)HIT » : Accents électro (ajout d’ambiances, de sons et de bruit divers) avec son refrain Dantesque où une nouvelle fois la voix de Manson qui a gagné au moins une octave dans les graves pulvérise les records de rugissement façon Heavy-Metal. Sur un ton très rapide, Manson livre sa recette de la parfaite chanson de merde qui plaira aux masses. Amusant et peut-être une auto-critique… les paroles « everything has been said before, nothing left to say anymore » font allusion au mouvement Dada (« tout a déjà été dit, il n’y a plus rien à dire »). Il change aussi sa façon de chanter, saccade ses mots au point de faire penser à du Hip Hop sur « Babble Babble Bitch Bitch… »

Lyrics: VERSE : "Everything has been said before / Nothing left to say anymore / When it's all the same / You can ask for it by name / Babble Babble Bitch Bitch Rebel Rebel Party Party Sex Sex Sex and don't forget the violence / Blah Blah Blah got your Lovey-Dovey sad and lonely / Stick your stupid slogan in: everybody sing along /CHORUS: Are you motherfuckers ready / For the new s**t / Stand up and admit/ Do we get it? No! / Do we want it? Yeah! / This is the new s**t / Stand up and admit / CHORUS / Everything has been said before/ Nothing left to say anymore...Are you motherfuckers ready? / For the new s**t? / Stand up and admit / bridge: And now it's "you know who"/ I got the "you know what/ I stick it "you know where", "you know why", I don't care (bis) / CHORUS / Outro: So. Let us entertain you (bis) Blah Blah Blah Blah, everybody sing along...

Traduction: couplet :"Tout a déjà été dit /Il ne reste plus rien à dire /Quand tout est pareil /Tu peux le demander par nom" / Bavardage, bavardage, salope, salope, Rebelle, Rebelle, fête, fête, Sexe, sexe, sexe et n'oublie pas la violence / Blah, blah, blah, tu as ton petit chou, triste et seul / Colle ton stupide slogan et tout le monde chante en cœur"
Refrain: "Est-ce que les connards sont prêts pour la nouvelle merde? /Lève-toi et admets, demain ne vient jamais /C'est la nouvelle merde /Lève-toi et admets /Est ce qu'on n'en a besoin? Non ! /Est ce qu'on le veut? Ouais ! /C'est la nouvelle merde / Lève-toi et admets-le (bis) interlude (verse/refrain) Pont: Et maintenant c'est "vous savez qui" / J'ai le "tu-sais-quoi" /Je le met "tu sais où" / Tu sais quoi, tu t'en fous" Refrain
Outro: eh bien. Laissez-nous vous divertir / Laissez-nous vous divertir (bis)
(Blah,..., blah, blah tout le monde en coeur) "

Censuré par les Media, le titre est renommé “This is the new Hit”.

Manson y retrouve la scène et ses fans tout en conservant le côté burlesque de « mOBSCENE » avec de belles femmes légèrement vêtues, sortes de groupies de luxe du groupe, sortant d'une voiture allemande avec Manson. Elle montre les coulisses avant le concert, le maquillage et les groupies. Les musiciens sont blonds décolorés, en cuir. On aperçoit le podium MM derrière le groupe. Manson apparaît vers la fin en Mickey (et il y en a trois sur la scène, très grands comme des masques). On peut voir aussi les gogo dancers en uniforme militaire mimant les "tambours".
C'est une auto-parodie de la star de métal, Manson livre à ses fans l'image et la chanson qu'ils attendent de lui, et ne se montre pas très gentil avec certains...ni avec lui-même finalement.

MARILYN MANSON: "mOBSCENE"

2007-06-24T05:20:00.000-07:00

Track 3:« mOBSCENE » , véritable incitation à la débauche, avec ses chœurs de midinettes (style Pom Pom Girls surexcitées) perchés sur une rythmique très puissante emmenée par un mur de guitare impressionnant . Un "gros" son Métal.

2. mOBSCENE

Lyrics "VERSE A: Ladies and gentlemen / We are the thing of shapes to come / Your freedom's not free and dumb / The depression is great / The deformation age / They know my name/ Waltzing to scum and based / And married to the pain / CHORUS: Bang we want it (bis) / Bang bang bang bang bang / We came to see the mOBSCENE / I know it isn't your scene / It's better than a sex scene / And it's so fucking obscene / Obscene yeah. / GIRLS (in the spirit of Oscar Wilde) Be obscene, be be obscene / Be obscene baby and not heard / VERSE B: The day that love opened our eyes / We watched the world end / We have "high" places / But we have no friends / They told us sin's not good / But we know it's great / War-time full-fronted drugs / Sex tank armor-plate / CHORUS / Bridge: You want commitment? Put on your best suit
Get your arms around me / Now we're going down, down, down (bis) / GIRLS.../ CHORUS / Bridge / Ladies and gentlemen / Be obscene / Be be obscene! / GIRLS"

Traduction
"couplet 1: (Mesdames et messieurs) / Nous sommes les choses, les formes à venir /Votre liberté n'est pas libre et muette /Cette dépression est géniale /L'âge de déformation /Ils connaissent mon nom /Valse dans la crasse, et fonder un mariage de la douleur
Refrain: Baise - nous le voulons (bis) /Baise, baise, baise, baise, baise
/Nous sommes venus pour voir la foule obscène /Je sais que ce n'est pas votre scène /C'est mieux qu'une scène de sexe /Et c'est tellement obscène /Obscène, ouais
[Pom-pom girls:] Soyez obscène /Soyez, soyez obscène /Soyez obscène, bébé
couplet 2: Le jour où l'amour a ouvert nos yeux /On a regardé la fn du monde /Nous avons de bonnes places /Mais nous n'avons pas d'amis /Ils nous ont dit que le pêché n'était pas bien
Mais nous savons que c'est génial /L'heure de la guerre...drogues...tank de sexe /...prenons nos places /CHORUS
PONT: Tu veux un mandat /mets ton plus beau costume / Mets tes bras autour de moi /A présent, nous descendons au centre ville (bis)
[Pom-pom girls:] /CHORUS/ pont
[Pom-pom girls et Marilyn Manson:] Mesdames et messieurs / Soyez obscène, soyez, soyez
obscene (Pom Pom Girls)"

La vidéo débute par la jeune fille blonde emmenant un éléphant, avec MM sur échasses, en costume bleu vif, puis le groupe sur scène, avec MM en haut de forme et costumes noir, blanc puis rouge, les pom pom girls en uniforme kaki et porte-jaretelles (guerre et cabarets), sous l'enseigne lumineuse "mobscene" et dansant sur des pas militaires, le visage effondré d'un côté (beauté et laideur). au début on aperçoit une vision des soeurs Hilton (siamoises), puis on voit un bal années 30 avec les danses Lindy Hop de l'époque (swing), et à la fin Dita Von Teese, icône Vintage qui pose dans sa coupe de champagne. On aperçoit une grue empaillée sur la scène, blanche à un moment donné, ainsi qu'une femme obèse en combinaison (allusion à Fellini ou aux monstres de foire).

MARYLIN MANSON: "Dolla Dagga Buzz Buzz Ziggety Zag"

2007-06-23T05:11:00.000-07:00

track 4: "Doll Dagga Buzz Buzz Ziggety Zag"
Retour de l’ambiance Electro sur ce morceau très dansant au nom exotique, mais plus classique. Manson s’y moque tout simplement des wagons entiers de fans. Ils sont les "thug-rock kids" et autres "punk god angels" ou encore "doppelgangers", autrement dit des imitations, des copies. Il ne les encourage plus à la rébellion, cause depuis longtemps perdue depuis le précédent album. Les onomatopées sont un clin d’œil musical à Cab Calloway (Jazzmen période Swing), artiste qu’il admire énormément (« entertainer » comme lui).

lyrics: CHORUS: Doll Dagga Buzz Buzz Ziggety Zag / Godmod grotesk burlesk drag (bis)
verse A: All the goose-step girlies with their cursive faces / And we know it's all Braille beneath the skirt / I'm bulletproof bizzop and swing hell / And I don't really care what gentlemen prefer / Say, all your pin-down girls and bonafide balers, so manically depressed/ And manically dressed / We got our "Venus not in furs" / But "in uniforms" / If you're not dancing, then you're dead. CHORUS: All the fug-rock kids are playin' / All the punk god-angels sayin' / "The toys are us and we don't even know" / Go - Go- Go - Doppelgangers (You're one of us, you're one of us) (bis)/ VERSE B: Trumpet-mouth junky saints so/ Silver tongue marching down / The stairway to substance / Cocaingels and asses / Give me opiate masses / Till up your church porn preachers / And we'll fill up our glasses/ CHORUS (bis) / you're one of us.

traduction: "Doll-dagga buzz-buzz ziggety-zag/Godmod grotesque burlesque drag (bis)
couplet 1:toutes ces bécassines/fillettes avec leurs visages maudits / Nous savons que c'est du braille sous la jupe / Je suis une balle de revolver bizzop et je balance l'enfer
Et je me moque vraiment de ce que les gentlemen préfèrent
Toutes ces filles coincées et ces blaireaux de bonnes fois / tellement maniaco-depressifs et maniaco-habillés / Notre Vénus n'est pas "en fourrure" mais "en uniforme"
Si tu ne danses pas, alors tu es mort
Doll-dagga buzz-buzz ziggety-zag/Godmod grotesk burlesk drag (bis)
Refrain: Tous les jeunes délinquants du rock jouent / Tous les crétins d'anges de Dieu disent
"Les jouets sont nous, et nous ne le savons même pas" / couplet 2:Tous les jeunes délinquants du rock jouent / Tous les crétins d'anges de Dieu disent / "Les jouets c'est nous, et nous ne le savons même pas" / Allez! allez! allez! les copies / Tu es l'un d'entre nous! Tu es l'un d'entre nous!
couplet 2: les saints pourris aux bouches-trompettes à la langue d'argent descendant l'escalier de la substance / Les anges cocainés et les ânes donnez-moi une foule opiacée
Laboure tes prêtres pornos d'église et nous remplirons à rabord nos verres
Doll-dagga buzz-buzz ziggety-zag/Godmod grotesque burlesque drag (bis) / Tu es l'un d'entre nous!
cette video a été prise en allemagne. MM arbore un chapeau melon, un pantalon court avec bretelles (ainsi que John 5, le guitariste) et a les yeux cerclés de rouge. Les drummer girls ont toujours la moitié du visage "défiguré" (à noter que ces tambours sont décorés à la façon de ceux de la période nazie, encore une imagerie sulfureuse qui peut prêter à confusion si on ne le connaît pas...) et se déchaînent sur leurs instruments, dans une tenue légère...ce qui est intéressant, c'est qu'on entend bien les riffs de guitare et que l'on peut le voir changer de pédale, utiliser le vibrato, etc...sinon je trouve que Manson manque de voix (il souffre des poumons, je crois, et a fréquemment besoin d'oxygène en concert, enfin c'est ce que j'ai cru comprendre sur le DVD). Et la guitare joue vraiment très très fort!

MARYLIN MANSON: "Use your fist and not your mouth"

2007-06-22T05:00:00.000-07:00

track 5: "Use your fist and not your mouth" Morceau en forme de coup de poing avec un refrain cynique « this is the black collar song, put it in your middle finger and sing along », sorte de pastiche de petits goths sans personnalité, repris en un hymne unanime par des chœurs aux accents martiaux. Manson prend la tenue de mr Loyal et invite ces hordes à danser et à s’amuser dans son grand manège sautillant. c'est une sorte de déclaration de guerre et de glorification de sa différence, de son combat personnel contre les "cols bleus" en "col noir".

Lyrics: VERSE A: "I am overgrowned and out-selling it / Since God thinks I don't exist / The beatings happen per minute / This is not blue collar white corrective politics / I'm on a HATE AMERICAN STYLE KICK" / CHORUS (bis): "This is a black collar song / Put it in your middle finger ans sing along / Use your fist and not your mouth (come on, come on) / VERSE B: I'm on a campaign for pain / And when I get elected / I'll wipe the white off your house / The smile off your face" / CHORUS / BRIDGE: "I woke up today / And wished for tomorrow / I don't want to be like anyone else / I' woke up today / And wished for tomorrow / I don't even want to be myself / I'm fucking glad you're different / This is my HATE AMERICAN STYLE HIT / Don't bring it, don't sing it / Use your fist and not your mouth / CHORUS / BRIDGE / "I said no, this isn't your song / We can't all get along / It's so hard to hold hands / When your hands are fists / My hate pop won't ever stop / I'm fucking glad we're different / This is my HATE AMERICAN STYLE HIT / Don't break it / Don't sing it / Use your fist and not your mouth..."

traduction: couplet 1: "Je suis totalement habité et je me vends mieux / Depuis que Dieu pense que je n'existe pas / Les battements se produisent à chaque minute / Ce ne sont pas les cols bleus de politiciens blancs rééducateurs / Je suis dans le style coup de pied américain haineux". Refrain: "C'est une chanson de col noir / Mettez-là dans votre majeur et chantez en choeur / Utilisez votre poing et non votre bouche / Venez, venez (bis) / couplet 2: "Je suis en campagne pour la douleur / Et quand je serai élu / J'effacerai le blanc de ta maison / le sourire de ton visage" / Refrain / Pont: "Je me suis réveillé aujourd'hui et j'ai espéré pour demain /
Je ne veux pas être comme tout le monde / Je me suis réveillé aujourd'hui et jai espéré pour demain / Je ne veux même pas être moi-même / je suis sacrément heureux que nous soyons différents / C'est mon style d 'hymne (ou de frappe) américain haineux / Ne la ramène pas, ne le chante pas / Utilise ton poing et non ta bouche / Refrain / Pont / "J'ai dit non, ce n'est pas votre chanson / Nous ne pouvons pas tous nous entendre / C'est trop dur de se tenir les mains
Quand vos mains sont des poings / Le son de ma haine ne pourra jamais s'arrêter / je suis sacrément heureux que nous soyons différents / Je suis la frappe qui déteste le style américain / Ne le casse pas / ne le chante pas / Utilise ton poing et non ta bouche /

Dans cette vidéo, on trouve un mélange d'images du groupe au moment de la sortie de l'album (à nouveau, costume rouge, loup garou et images avec les dents de métal, mais aussi du drapeau américain avec le visage de Manson collé, le visage de Bush ("I'll wipe the smile off your face"), et des images de la guerre (Hiroshima, Hitler et ses troupes, les manifs avec masques à gaz...) et le groupe sur scène avec pantalon rayé gris et noir, gilet sans manche fermé haut, et boots sur hauts talons noirs. On remarque la position souvent adoptée par le chanteur sur scène, accroupi sur les retours sur le devant de la scène avec un bras tendu vers le public.

MARILYN MANSON: "The Golden Age of Grotesque"

2007-06-21T12:02:00.000-07:00

Track 6: "The golden age of grotesque" c’est le climax de l’album avec son ambiance cirque Barnum voilé de brouillard malsain, le chant caverneux torturé et malade de Manson contribuant très largement au malaise installé. On se croirait dans « l’étrange Noël de Monsieur Jack » ou dans une épouvantable parade de « Freaks », un festival Baroque. Le clown se fait grimaçant, ouvre les portes musicales d’un circus mansonus tout bonnement foisonnant de bons mots et de drôlerie azimutée.
"les gens se sont emparés du mot et lui ont donné une connotation négative parfois. Alors que moi, en définitive, j’ai toujours été attiré par le grotesque. C’est juste une partie de mon imagination qui fait des choses qui ne sont pas dans la nature »

lyrics: VERSE A: "all our monkeys have monkeys / we drive our crush diamond Jaguar limousines / We're not fantastic motherfuckers / But we play them on T.V. / It's a dirty world Reich / say what you like" (bis) CHORUS: "We're the low art Gloominati / And we aim to depress / The scabaret sacrilegends / This is the golden age of grotesque" / VERSE B: "The devils are girls with Van Gogh 's missing ear / You say what you want / But filth is all that they hear / And I've got the jigger / To make all of you bigger / so Ladies and Gentlemen / Drop your pissroom bait / And make sure we're not late / You tramps and lunatics / it's a trick that's gonna make you click"/ CHORUS / VERSE C: "So my Bon mots, Hit-boy Tommy Trons, Rowdy-rowdies / honey-fingered goodbye dolls / Helzapoppin open your third nostril / Put on your black face / And your God is gone" / CHORUS / We sing la la la la / la la la we sing / la la la la la...

traduction: couplet 1:"Tous nos singes ont des singes /Nous conduisons nos limousines Jaguar meurtrières en diamants /Nous ne sommes pas des enculés fantastiques, mais nous les jouons à la TV" / C'est un Reich mondial pourri, dis ce qu'il te plait (bis)" / refrain: "Nous sommes l'art mineur de l'obscur, et nous visons à enfoncer / Les cabarets sacrilèges / vers l'âge d'or du grotesque" (bis)" couplet 2: "Les diables sont des filles avec l'oreille en moins de Van Gogh / Tu dis ce qu'il te plait, mais ils n'entendent que l'immonde / et j'ai le danseur pour vous rendre tous plus important /alors "Mesdames et messieurs" /renoncez à l'envie d'aller pisser, et assurez vous de ne pas être en retard /vous les clochards et fous /C'est un tour qui va provoquer en vous un déclic" Refrain (bis) "C'est un Reich mondial pourri, dis ce qu'il te plait" (bis) / couplet 3: "ainsi mon dicton osseux, garçon frappé Tommy Trons, Randy chahuteur /chérie aux doigts de miel poupées d'au revoir: /"Hellzapoppin", ouvrez votre troisième narine /Maquillez-vous le visage en noir et votre Dieu s'est envolé" Refrain /"On chante la la, la la, la la la (bis)La la, la la,lah "

La vidéo que j'ai choisie regorge d'images (ça va très vite). on y aperçoit Hitler et Lenine, des affiches datant de la deuxième guerre mondiale (notamment les fameux "tambours" nazis décorés de flammes, celle de Mickey Mouse, divers artistes de cabaret, Marlene Dietrich, "l'opéra de quat'sous" de Kurt Weil, de spectacles de jazz, le shock logo, soeur Teresa, Oscar Wilde, des femmes-monstres, ou avec la tête enfoncée dans une cage, le portrait de Van Gogh, des femmes ensanglantées ou ayant subi des expériences bizarroïdes (allusion aux camps?), le masque noir, des artistes blancs et noirs de vaudeville, le fameux dessin de Mickey Mouse avec une tête de mort sous les oreilles. Mais il contient aussi des images des albums précédents (comme la croix constituée de fusils et d'un pistolet). Bref, c'est touffu, et réalisé par quelqu'un qui connait bien Manson.

MARILYN MANSON: "(s)AINT"

2007-06-20T10:58:00.000-07:00

Track 7: "(s)AINT". ce n'est pas ma chanson préférée. Elle est un peu répétitive et les paroles sont space. Cela parle de drogue, de trahison, une allusion à l'un de ex-musiciens, viré parce que trop accroc à la drogue et donc improductif dans le groupe. Le refrain est bien travaillé et les motifs (riffs) bien arrangés avec des superpositions différentes à chaque reprise mais le déroulement est un peu linéaire.

Lyrics: VERSE A: "I don't care if your world is ending today/Because I wasn't invited to it anyway/You said I tasted famous/So I draw you a heart/But now I'm not an artist/I'm a fucking work of art" BRIDGE: "I've got a F and a C and I got a K too/ And the only that's missing/is a bitch like you" CHORUS I. "You wanted perfekt/ You got your perfekt/But now I'm too perfekt / For someone like you" / II."I was a dandy in your ghetto with/a snow white smile/And you'll never be as perfekt/whatever you do" -"What's my name (bis)-ha ha ha ha - hold the S because I am an AINT" (bis)
VERSE 2: "I am a bonetop, a death's head on a mopstick / You infected me, took diamonds / I took all your shit / Your "self buy date" expired / So you had to be sold / I'm a suffer-genius and vivi-sex symbol" CHORUS - "What's my name..." - BRIDGE - CHORUS II. "I'm a dandy in the ghetto/with a snow white smile / super ego bitch I've been evil awhile" (bis) -"I've got a F..." (bis) - CHORUS 2 - "What's my name..."

traduction: couplet 1 "Je m'en tape si votre monde s'achève aujourd'hui/ parce que je n'y étais pas invité de toute manière/ Tu disais que j'avais bon goût/alors je t'ai dessiné un coeur/ Mais maintenant je ne suis pas un artiste/je suis une putain d'oeuvre d'art"
pont: "J'ai un F et un C/et j'ai aussi un K / Et la seule chose qui manque est une salope comme toi" Refrain: "Tu voulais que ça soit parfait; tu l'as/ mais maintenant je suis trop parfait pour quelqu'un comme toi" II"J'étais un dandy dans ton ghetto /avec un sourire blanc neige / et tu ne seras jamais aussi parfaite quoi que tu fasses" - "Quel est mon nom ? (bis) Ah-ah" (bis)/ "Attrape le S parce que je ne suis rien" (intraduisible. jeu de mot saint - non être)
couplet 2: "Je suis un crâne d'os / une tête de mort sur un manche à balai/ Tu m'a infecté/tu as pris des diamants / j'ai pris toute ta merde/ Ta date de péremption a expiré/ Tu devais être vendu / Je suis un génie souffrant et un symbole vivisexuel" - Refrain - "quel est mon nom..." - "j'ai un F..." - Je sui un dandy / dans le ghetto / avec un sourire blanc neige / pute au super ego, j'ai été diabolique pendant un temps" etc...

Le clip réalisé par Asia Argento est très violent, il a été censuré et interdit par toutes les télés. Sex, drugs'n' rock'n'roll, avec leurs conséquences(auto-mutilation, malaises. Vraiment ce n'est pas l'aspect "show off" qui est le plus intéressant chez lui. J'ai donc choisi la vidéo d'un fan avec diverses images de Manson depuis ses débuts, extraitesde diverses sources, notamment le DVD de la tournée.

MARILYN MANSON: "Ka boom, Ka boom"

2007-06-19T09:06:00.000-07:00

Track 8: "Ka boom Ka boom": un son écrasant, très grave, manson chante dans le registre basse, un texte ambigu, retour des danseuses Pogotteuses dans la fosse. Si l’on s’amuse à décrypter ses Lyrics remplis de néologismes tels que « Dumbo jets » ou « harcore-vettes », on se rend compte de tout le second degré de la chose. (« We’re tasteless but taste good ») On pourrait là encore y voir une parodie de guerriers pas sérieux doublée d'une auto-parodie du groupe de rock moyen, mais aussi un caractère désabusé (dada?). Mais cette chanson peut laisser perplexe, le texte étant alambiqué. ce n'est pas une de mes préférées non plus.

lyrics: intro: "Ka boom, ka boom, ah "(bis) VERSE A: "We're a death-marching band/Peter Pan off the wagon/Entertain but never trust anyone sober/We're tasteless but taste good/my (s)top hat's top hat(ed)/Unsafe cheerleaders/porn Poms pipe bombs" PRECHORUS:"I won't do it with you/I'll do it to you/I hope this hook gets caught in your mouth/I won't do it with you/I'll do it to you/Don't say no/Just say now" CHORUS: "I like a big car/Cause I'm a big star/I make a big rock and roll hits/I'd like to love you/but my heart is a sore/I am, I am, I am so yours" interlude: "Ka boom, ka boom, ah (bis) I'd like to lo-lo-lo-lo-love you" (bis) VERSE B: "I'm the leader of the club/And I've shrugged off my mouse ears/We fly no-class Dumbo jets/and drive Hardcore-vettes/We fight war with drugs/And our sex always formal/We wear lawsuits when/we get high high high" CHORUS / BRIDGE: "Inhale, exhale, let's all hail/It's a depraved new world (bis) after all" CHORUS / CHORUS 2: "I am a big car/and I'm a strip bar/Call it fake I call it "good as it gets" / Nothing in this world is for real/except you are for me/and I am so yours" OUTRO: "Ka boom, ka boom..."

traduction: Intro: "Ka-Boom, Ka-Boom" (x4) Couplet 1: "Nous sommes un groupe de morts en marche/Peter Pan est hors du wagon/ nous divertissons mais ne faisons plus confiance à ceux qui sont sérieux/ Nous sommes sans saveur mais avons bon goût, Mon chapeau haut de forme est ce qui est le plus haï/Dangereuses meneuses de revues / pom poms pornos et bombes des tuyaux" Pré-refrain: "Je ne le ferai pas avec toi, je te le ferai / J'espère que ce crochet soit attrappé dans ta bouche /Je ne le ferai pas avec toi, je te le ferai/ Ne dis pas non, Dis juste maintenant " Refrain: "J'aime avoir une grosse voiture /parce que je suis une grande star/ Je vais faire un gros tube rock'n'roll /J'aimerais t'aimer mais mon cœur est douloureux/Je suis, je suis, je suis tellement à toi" interlude: "Ka-Boom, Ka-Boom /J'aimerais la-la-la-la t'aimer " couplet 2: "Je suis le responsable du club / et je me suis débarassé des oreilles de ma souris/ Nous volons sur les avions Dumbo sans classe, / et conduisons des corvettes pures et dures / Nous combattons la guerre avec la drogue/ et notre sexualité est toujours formelle / Nous portons nos costumes de loi/ lorsque nous montons haut, haut, haut" Pré-refrain/ refrain/ Pont: "Inspire, expire, allons tous saluer/C'est un nouveau monde dépravé (bis) après tout" refrain 2 :"Je suis une grosse voiture et je suis un bar de strip-tease /tu peux penser que c'est bidon, j'appelle ça "aussi bon que ça peut l'être" /Rien n'est réel dans ce monde /sauf que tu m'appartiens, et que je suis tellement à toi" outro: "Ka-Boom, Ka-Boom" (bis)

Je n'ai pas trouvé de clip, je vous laisse donc écouter, mais vous n'êtes pas obligés de fixer la pochette <:-)

MARILYN MANSON: "Slutgarden"

2007-06-18T13:57:00.000-07:00

Track 9: "Slutgarden"
Du gros Métal agressif, avec une influence « depeche mode » (electro) toutefois perceptible surtout dans le finale. Bonne chanson sexy, sorte d’hommage à certaines activités de sa nouvelle compagne, dans laquelle Manson incarne le marquis de Sade. A noter dans le texte "je n'ai jamais cru que le diable était réel", ce qui vent confirmer le "show off" autour du soi-disant satanisme pratiqué par Manson.

Lyrics: VERSE A: "I 'll pretend that I want you/For what is on the inside/But when I get inside/I'll just want to get you/I'm your first and last deposit/Through sickness and in hell/I'll never promise you a garden/You'll just water me down/I can't believe that you are for real/But I don't care as long as you're mine" CHORUS: "When I said we/You know I meant me/And when I said sweet/I meant dirty" (bis) BRIDGE: "I'm unsafe (bis)/I won't repent and so /I memorize the words in the porno movies/It's the only thing I want to believe/I memorize the words in the porno movies/This is a new religion to me" VERSE B: "I'm a VCR funeral of/dead memory waste and/my smile is a chainlick fence/That I have put up/I love the enemy/They say they don't want fame/But they get famous/when they fuck" CHORUS (bis)/BRIDGE/ interlude 2: "I never believe/the devil was real/but God created me/as unfilthy as you" /CHORUS/OUTRO: "You are the church/I am the steeple/When we fuck/ We're all god's people" (bis)

traduction: couplet 1: "Je ferai semblant de te vouloir /pour ce qui est à l'intérieur/ Mais quand je vais à l'intérieur /je veux juste te posséder/ Je suis ton premier et dernier dépôt /à travers la maladie et en enfer /je ne te promettrai jamais un jardin /tu m'adouciras/Et je n'arrive pas croire que tu es réelle/ mais cela m'est égal aussi longtemps que tu m'appartiens" refrain: " Quand je disais 'nous' /Tu sais que je voulais dire 'moi' /Et quand je disais "adorable"/ Je voulais dire "sale" (bis) Pont:"Je suis dangereux /Je suis dangereux/ Je ne me repentirai pas /et donc je mémorise les mots des films pornos/ C'est la seule chose à laquelle je veux croire /Je mémorise les mots des films pornos /C'est une nouvelle religion pour moi" refrain/couplet 2:"Je suis un magnétoscope funéraire /de mémoire morte perdue / mon sourire est une chaîne en fer/que j'ai dressée/ J'adore l'ennemi /Ils disent qu'ils ne veulent pas la gloire /mais ils deviennent célèbres / quand nous baisons" /refrain / pont/interlude 2: "Je n'ai jamais cru que le diable était réel/ Mais dieu ne pouvait pas créer /quelqu'un d'aussi immonde que toi" Refrain/coda: "Tu es l'église/ Je suis le clocher /Et quand nous baisons/ Nous sommes tous le peuple de dieu"

MARILYN MANSON: "Spade"

2007-06-17T12:20:00.000-07:00

Track 10: " Spade "
Un titre étonnant dont le titre est un pictogramme représentant l’as de Pique. On reste surpris devant ce refrain un peu bizarre, chanté faux volontairement par les chœurs. . Un morceau tout en accroche à la guitare, tournant autour d’un excellent riff sur lequel Manson pose sa voix la plus sensuelle. Probablement la chanson la plus sincère de toutes. Tout d'abord un duo avec Dita von Teese (assez rare chez Manson), à l'octave. Une chanson presque tendre par moments 'écho de sa relation passée avec Rose McGowan). La guitare est accordée en Ré, à nouveau, mais la chanson est en si mineur. Elle comporte aussi un solo de guitare presque Rocky à la fin, avec distorsion et phaser, et glissandi expressifs. Mais c'est surtout la mélodie, où l'on entend la voix de Manson passer d'une octave à l'autre, de son registre habituel à la voix de fausset qui est assez étonnante. (comme si dans sa voix il réunissait le masculin et le féminin...) cette chanson adopte un caractère quasi dramatique et pesant, mais avec de petits riffs très toniques, ici et là. Donc je la trouve plus intéressante que d'autres.

Lyrics: VERSE A: "The beauty spot was borrowed and / now my sweet knife rusts tomorrow / I'm a confession that is waiting to be heard"- Duet: "Burn your empty rain/down on me/Whisper your death beat/So softly/We bend our knees/At the altar of my ego" - CHORUS: "You drained my heart/And made a spade/ But there's still/traces of me/in your veins" - VERSE B: "All my lillie's mouths are open/Like they're begging/Fot dope and hoping/Their bitter petal chant/"We can kick, you won't be back" - "I'm a diamond that is tired/Of all the faces I've acquired / We must secure the shadow/Ere the substance fades" - CHORUS - OUTRO: "And we said.Till we die"

Traduction: Couplet 1: "Le grain de beauté a été emprunté/ et maintenant mon doux couteau rouille demain /Je suis une confession qui attend d'être entendue/ Duo: Brûle ta pluie vide sur moi/ Soupire ton rythme mortel si doucement / nous plions nos genoux/sur l'autel de mon égo - Refrain: "Tu as vidé mon cœur, et créé un pique /Mais il y a toujours des traces de moi dans tes veines" (bis)/Couplet 2: "Toutes mes bouches de lys sont ouvertes /comme si elles quémandaient de la dope et de l'espoir /Leur chant amer de pétale/on peut frapper, tu ne reviendra pas"- Je suis un diamant qui est fatigué de tous les visages dont je me suis doté/
Nous devons protéger l'ombre/avant que la substance ne s'efface" - Refrain - Coda: "Et nous avons dit/ jusqu'à la mort"

Encore une vidéo contenant diverses images et portraits de Manson et son groupe, en rapport avec cet album mais aussi adolescent, à ses débuts avec "The spooky kids", et de l'album "Mechanical Animals". On le voit avec un faon (une des vidéos le montre en train de la câliner) et un chat. Manson aime les animaux et en a plusieurs. Il posséderait une collection d'animaux empaillés, mais est-ce aussi une de ces rumeurs qui ont la dent dure née lors de la séparation avec Dita? pas de trace de ceci dans son autobiographie en tout cas...)
franchement, en ce qui me concerne, je m'en fiche ...

MARILYN MANSON: "Paranoir"

2007-06-16T21:47:00.000-07:00

Track 11: "Paranoir" Somptueux morceau lugubre de plus de six minutes tout habillé de cuir et de chaînes rutilantes, en duo avec Dita Von Teese, avec sa voix monocorde expliquant toutes les raisons pour lesquelles elle coucherait avec le chanteur, sur une orchestration lancinante. On y retrouve un chorus de guitare dans un des passages musicaux, avec un son synthétique aérien. John 5 orne sa guitare de guirlandes au lieu de la rythmique tueuse habituelle, et nous offre un solo réjouissant, digne de ceux du Rock, avec Bends et Slides, effets divers . Un bon titre, bien que les paroles soient "faciles", malgré sa longueur. La dernière apparition du marquis de Sade dans l'album.

le lien vers une vidéo montrant diverses photos du couple lors de ses sorties, et quelques images du clip "(s)AINT" ainsi que des photos de Dita en "tenue de travail" dont celle, très jolie, de la coupe de champagne dans laquelle elle se baigne. Des montages photos aussi (MM tenant une cage miniature dans laquelle est enfermée Dita en tant que poupée...)
ou radioblog si vous préférez.

Lyrics: (The Women of the world list their reasons for fucking me: my response is as follows) "Fuck you because I loved you/Fuck you for loving you too/I don't need a reason/To hate you the way I do"
Traduction: (les femmes du monde listent les raison de faire l'amour avec moi: ma réponse est la suivante) "J'ai fait l'amour avec toi parce que je t'aimais/j'ai fait l'amour avec toi pour t'aimer aussi/Je n'ai pas besoin de raison/ pour te détester comme çà"

MARILYN MANSON: "The Bright Young Things"

2007-06-15T22:46:00.000-07:00

Track 12: " The Bright Young Things " retrouve une ambiance plus Heavy, belle chanson entraînante qui aère la noirceur étouffante de la précédente. Manson est dans le registre ironique à nouveau "We don’t care who’s listening ", "perpetual rebellion, with absolutely no cause", il se moque de la condition de rock star, là où tout ou presque passe par la forme. " We don 't rebel to sell, it just suits us well" (on ne se rebelle pas pour vendre mais parce que ça nous va bien). Ici il se moque gentiment de la nouvelle vague des Avril Lavigne, Sum 41, qui rivalisent de platitude et de clichés, mais lui-même reprend pour lui la condition de "Bad Boy" obligé.

Lyrics: verse A: "We'll be the worms in your apple pie/Fake abuse for your bios/Blacken our own eyes/The grass isn't greener/On the other side/We set it on fire/And we have no reason why/We set fashion not follow/Spit vitriol, not swallow" PRE CHORUS: "We're good for nothing but being/Everything's that's bad, bad, bad" CHORUS: "We know who we are/and what we want to say/And we don't care who's listening/We don't rebel to sell/It just suits us well/We're the bright young things" VERSE B: "I've got my villain necktie/And a mouth of Hi-Fi/So sharp, I'm bleeding/From my judas hole/I'm the Arch Dandy/No goodnik and Im headed/For Crashville/I'm most monster with my groan box/In the "meat show/We set fashion not follow/Spit vitriol, not swallow" PRECHORUS - CHORUS - VERSE C: "Crashing the ether/We've got the loudest stereotype/Even neophytes deep 6 your prolife/We don't need to move/A single prayer bone/We're so beautiful and damned/Simply as a "still life" - "Perpetual rebellion/With absolutely no cause" (bis) - "Stop the song and remember /what it used to be/Somebody that would fucking impress me" - CHORUS - PRECHORUS -

Traduction: couplet 1: "Nous serons les vers dans votre tarte aux pommes/Une imposture pour vos bios/nous noircirons nos propres yeux/L'herbe n'est pas plus verte de l'autre coté
On y a mis le feu/ sans aucune raison/nous lançons la mode, nous ne la suivons pas/
Nous crachons du vitriol/nous n'avalons pas" -Pre Chorus : "Nous ne sommes bon à rien, qu'à être tout ce qui est mauvais,mauvais, mauvais" - Refrain : "Nous savons qui nous sommes et ce que nous voulons dire/ Et nous nous foutons de qui l'écoute/ On ne se rebelle pas pour vendre, ç'est juste ue ça nous convient" Nous sommes les jeunes choses brillantes" - Couplet 2 : "Je porte ma cravate de bandit,/et une bouche hi-fi / Si acérée, je saigne par mon trou de Judas Je suis l'Arch Dandy, je ne suis pas le bon gars/ et je me dirige vers Crashville (la ville du fracas?)/Je suis le plus gros monstre avec ma boite à grognement dans le "show de la viande"/"nous lançons la mode..." - Refrain - Couplet 3: "Nous fracassons les ondes/Nous avons le cliché le plus fort/Même les néophytes de profondeur 6 contre l'avortement/Nous n'avons pas besoin de bouger/ un seul os de prieur/Nous sommes si beaux et damnés/ simplement comme une "petite vie tranquille - Rébellion perpétuelle avec absolument aucune cause"/ Coda : "Arrête la chanson et souviens-toi de ce que c'était / Quelqu'un qui m'impressionnerait sacrément" - Refrain - Pre Refrain .

La video (un fan, encore) nous montre des images de clips et de concerts autour de cet album mais aussi de "Holywood" et "Mechanical Animals", on y voir Manson à la guitare sur scène (rare). Et des images du clip "Personal Jesus"(une "cover" de Depeche Mode à l'origine), symbole du retour sur scène de Manson après l'un de ses nombreux passages à vide.

MARILYN MANSON: Better than two evils

2007-06-14T14:19:00.000-07:00

Track 13: "Better than two Evils" Encore un ouragan sonore dans la continuité du précédent. Le rythme quasi Rap notamment sur les couplets, une touche électro venue d’un Tim Skold qui a composé la plupart des titres, un phrasé assez inhabituel chez Manson. Le refrain quant à lui est d’une lucidité qui fait contre-poids à la débauche de sarcasmes de cet album : "haters call me bitch, call me faggott, call me whitey but I’m something that you’ll never be".

Lyrics: CHORUS: "Haters call me bitch, call me faggot, call me whitey/But I'm something that you'll never be/(hey)"/VERSE A: "I won't look prettier if I smile for the picture/Motherfuckers never liked me then and they/Sure won't like me now/Don't try to drag me down with your cliché/Your fate grin fits your faker face/But I find all my pleasure in tour misery/(yeah)" - PRE CHORUS: "I'll step on you on my way up/I'll step on you on my way down" (bis)/ CHORUS - I'll be your scapegoat/I'll be your saviour/I'm the better of two evils (ter)/yeah yeah yeah"/ VERSE B: "I want to hang all you cattle/With your velvet rope/Motherfuckers step up and get into/An orderly line/I'll show you how to make a muscle/It takes less strength to grin than/It does to spit on all you Paparazzinazis (yeah)"/ PRECHORUS - CHORUS - Bridge: "Don't try to lead me to temptation (x4)/I've been delivered/And I already know the way" - CHORUS -

Traduction: Refrain: "Les haineux m'appellent pute, m'appelle pédale, m'appellent blaffard/Mais ce que je suis vous ne le serez jamais, hey!" Couplet 1: "Je ne paraîtrai pas plus beau si je souris pour la photo/ Les connards ne m'ont jamais aimé avant /Et ils ne m'aimeront sûrement pas à présent /N'essayez pas de m'entraîner vers le fond avec vos clichés/ Votre grimace de malheur va avec votre visage faux/Mais je trouve tout mon plaisir dans votre souffrance, ouais" - Pre refrain: "Je marcherai sur toi en montant/ et je marcherai sur toi en descendant (bis)/ Refrain: "Je serai ton bouc émissaire/ Je serai ton sauveur /Je suis le meilleur de deux maux" couplet 2: "Je veux vous accrocher tous le troupeau/ avec votre corde de velours/ Les connards se dressent et marchent sur une ligne bien ordonnée/Je te montrerai comment faire un muscle / Il faut moins de force pour grimacer /qu'il n'en faut pour cracher sur vous tous les paparazzi/nazis, ouais" Pre refrain - refrain - Pont: "N'essayez pas de me mener vers la tentation / J'ai été délivré, et je connais déjà le chemin (Hey!)" Refrain

MARILYN MANSON: "Vodevil"

2007-06-13T12:44:00.000-07:00

Track 14: "Vodevil" Ce titre commencé en demi-teinte au début (piano déglingué et faux sur son très grave et riff de guitare) termine dans un style franchement Heavy sur la fin. A noter que le refrain me fait penser fortement à celui de "Cracked Actor" de Bowie (album "Aladdin Sane") qui signifie "acteur fêlé", avec toute la rage du son Manson. les couplets sont scandés mollement et le refrain chanté, puis hurlé, comme souvent. On y retrouve la problématique du masque qui envahit la personnalité, ne serait-ce qu'à travers l'imitation des fans "je ne suis pas une marionnette, je suis une grenade", "ce n'est pas un show, c'est ma putain de vie"... Manson incarne ici le marquis de Sade, comme dans deux autres titres de l'album.

Lyrics: Verse A:"I wake up everyday on/The wrong side of the bed/But I won't lay down on the floor/Like I'm the whore in your head/Call me a failure/Pretender, sex offender, infector/Say I killed all my friends/Say I deserve to be dead"- Chorus: "Kiss, baby kiss/Bang, baby bang/Suck, baby suck/It's Vodevil" - "This isn't music/And we're not a band/We're 5 middle fingers/In a motherfucking hand (bis)" - Verse B: "I won't pull out I just came/I want all of the blame/Your love is tin, faith is thin/No concept of pain/Right to complain/All your fagazines, senile teens/Jaw me blackball me/Deejay yourself away and turn your back/It will be easier to stab" - Chorus - "VIP ADD PRO violent shiny hate crime/"Total requested dead"/It's version point(less) downloadable suicide/The only ones left standing/Are the ones not demanding/This isn't a show, this is my fucking life" - "I'm not ashamed you're entertained/But I'm not a puppet/I am a grenade (bis)" - Chorus

Traduction: Couplet 1: "Je me réveille tous les jours /du mauvais coté du lit /Mais je ne m'allongerai pas par terre/ Comme j'étais la pute dans ta tête /Appelle-moi le raté, le prétendant, /le délinquant sexuel, le corrompu/Dis que jai tué tous mes amis /Dis que je mérite d'être mort " Refrain: "embrasse bébé embrasse/ baise bébé baise /suce bébé suce /c'est du vodevil!" - Ce n'est pas de la musique/ et nous ne sommes pas un groupe /Nous sommes cinq majeurs sur une putain de main" - Couplet 2: "Je ne vais pas me défiler, je viens juste d'arriver/Je mérite d'être blâmé/Ton amour est une pacotille, la confiance est fragile/pas de concept de douleur/prêt à se plaindre/Tous tes fans de journaux, adolescents séniles/Font pression sur moi, me contredisent/Va te faire jouer de la musique ailleurs/fais demi-tour/Ce sera plus facile pour poignarder" - Refrain - VIP ADD PRO Violent crime de haine brillant/"Mort totale requise"/ c'est la version sans raison du suicide téléchargeable/Les seuls qui resteront debout/Sont ceux qui ne demandent rien/ Ce n'est pas un spectacle, c'est ma putain de vie " - Je n'ai pas honte de te divertir/Mais je ne suis pas une marionnette, je suis une grenade"- Refrain

J'ai à nouveau choisi un slideshow de Fan très bien fait, avec des peintures de Manson, des photos prises lors d'une récente interview, en concert, des portraits, un dessin, et le masque représentant Manson. Il n'y a pas de clip pour cette chanson. Quant à la suivante, elle est instrumentale. Je ne traiterai pas de "Tainted Love" qui est une reprise (très réussie à mon sens) du tube planétaire de Soft Cell.

all along the watchtower (2 versions)

2007-05-12T13:33:00.000-07:00

Bob Dylan 95 à Londres

Jimi Hendrix à l'île de Wight

trop de musique classique peut nuire!

2007-04-24T15:08:00.000-07:00

MDR...

PETROUCHKA (STRAVINSKY)

2007-04-22T09:58:00.000-07:00

Les personnages de Petrouchka

Cet article accompagne un projet que j'essaie de monter avec l'Orchestre d'Ile de France, autour de cette oeuvre qui sera donnée en Mai à la salle Pleyel, et que je réserve à une classe de 6ème. En effet il est possible de travailler en classe et en atelier autour de la musique, du ballet, du synopsis, des marionnettes, mais aussi de créer sur ces thèmes des petites scènes éventuellement avec des marionnettes, des dessins, voire un déplacement scénique sur la musique (l'un fait la marionnette, l'autre mime la manipulation). Au cours de l'année des musiciens et un médiateur pourraient nous visiter pour mettre en musique les travaux des élèves, qui à leur tour iraient les voir en répétition, et pourraient le jour du concert apporter leurs travaux pour décorer la salle.

ça semble plutôt sympa. Il faut juste que je monte le projet pour faire une demande de budget. Mais même sans beaucoup de sous, une à trois visites me semblent maximales pour ne pas lasser les élèves.

Je vais donc présenter cette oeuvre, ne serait-ce que pour mettre le synopsis à disposition de ceux ou celles qui voudront participer avec moi à ce projet.

Petrouchka est une oeuvre de Stravinsky qui date de 1910-1911. Elle a été composée juste après "L'oiseau de Feu" et tout juste avant "Le sacre du Printemps". C'est un Ballet ("scènes burlesques") en 4 tableaux qui fut créé au Châtelet à Paris par les Ballets Russes de Diaghilev, avec Nijinsky dans le rôle de Petrouchka. C'est la première grande oeuvre composée par Stravinsky hors de Russie.

Il s'agit d'un Conte folklorique, l'histoire d'une poupée dont le corps n'est composé que de sciure bourrée de paille, mais qui est doté de vie et d'amour. Petrouchka est aux Russes ce que Pinocchio est aux Italiens. Cette poupée renvoie à l'illustration d'une passion réelle, qui l'incite à vivre une vie humaine impossible pour lui. Ses déplacements parfois saccadés et maladroits, illustrent la douleur des émotions humaines enfermées dans un corps de tissu. Les trois personnages principaux constituent le Trio éternel de la Comédie (Pierrot, Colombine et Arlequin de la Commedia dell'Arte, le mari, la femme, l'amant dans le drame bourgeois).

SYNOPSIS
1er Tableau : La foire de Mardi Gras
- introduction
- la cabine du charlatan
- danse russe

La grande fête populaire de la Semaine Grasse (maslenitsa en russe) à Saint Petersbourg, vers 1830 (c’est une réunion populaire où règnent la joie et l’amusement quelques jours avant un recueillement pieux) : un petit théâtre de marionnettes. Le charlatan anime les trois poupées : Petrouchka, la ballerine et le Maure.
L’orchestration et les rythmes aux changements rapides illustrent bien la hâte et les mouvements de la fête. Une rectifieuse d’organes et une danseuse amusent la foule. Les tambours annoncent l’arrivée d’un vieux mage, qui capte l’attention de tout le monde. Un rideau s’ouvre alors pour laisser apparaître la curiosité, accompagnée de trois poupées, Petrouchka, la ballerine et le Maure. Le vieux mage joue de la flûte pour user de son pouvoir magique. Il donne vie aux poupées, qui se mettent à s’animer et s’agitent dans une « Danse Russe », devant la foule ébahie.

2ème tableau : Chez Petrouchka Dans la chambre de Petrouchka. Le charlatan a donné à ses marionnettes des sentiments humains. Petrouchka est désespéré par son aspect hideux incompatible avec son amour pour la ballerine. Il tente de se suicider.

Les murs chez Petrouchka sont très sombres, décorés de quelques étoiles, d’une lune en croissant, et d’un portrait du vieux mage fronçant les sourcils. La poupée attend devant sa chambre, mais un bruit fracassant annonce l’arrivée de son maître, qui la projette d’un coup de pied dans sa cellule. Petrouchka mène une vie morne et solitaire derrière ses barreaux. Son seul réconfort, il le trouve dans l’amour qu’il porte à la poupée ballerine. Le portrait du vieux mage suffit à lui seul à rappeler à Petrouchka qu’il n’est qu’une marionnette, et qu’il doit rester docile et humble. Petrouchka n’est qu’une marionnette, mais il a des sentiments humains (amour pour la ballerine, amertume envers le vieux mage). La ballerine entre en scène et Petrouchka tente de lui révéler son amour, mais elle le rejette aussitôt, le qualifiant de pathétique. Elle préfère batifoler avec le Maure, ce qui anéantit Petrouchka.

3ème tableau : Chez le Maure
-chez le Maure
-danse de la ballerine
-valse de la Ballerine et du Maure
Dans la chambre du Maure. Scène d’amour entre le Maure et la ballerine, interrompue par l’arrivée soudaine de Petrouchka qui est jaloux. Le Maure le met dehors.
Le Maure vit dans une chambre gaie, décorée de toutes parts. Installé dans son salon, il joue avec une noix de coco. Les couleurs qui émanent de la pièce inspirent la joie et la fête (rouge, vert et bleu). Le Maure préfère la joie de sa chambre plutôt que d’aller consoler le pauvre Petrouchka. La ballerine placée dans la chambre du Maure par le magicien entame une danse chatoyante pour séduire le Maure. Il la rejoint dans sa danse. Petrouchka broie du noir dans sa cellule. Le Mage l’emporte dans celle du Maure pour interrompre la séduction de la ballerine. Petrouchka attaque alors le Maure, mais réalise qu’il est trop petit et trop faible pour battre son rival. Le Maure finit par le chasser.

4ème tableau : La foire de Mardi Gras (la nuit)
-danse des infirmières humides
-le paysan et son ours dansant
-le joyeux négociant et deux bohémiennes
-danse des personnalités et de leurs suivants
-les artistes de théâtre
-le combat entre le Maure et Petrouchka
-mort de Petrouchka
-Vision du fantôme de Petrouchka
Le soir, la fête populaire continue. Petrouchka est suivi par le Maure qui le tue. Il meurt au milieu de la foule. La ballerine et le Maure ont disparu. Le charlatan rassure la foule et rappelle que ce n’était qu’un pantin. La foule se disperse et le fantôme de Petrouchka apparaît. Pendant la fête de Mardi Gras, une série de scènes apparaissent puis disparaissent. L’orchestre se transforme en véritable fanfare, jouant une suite de danses. Arrive ensuite un paysan et son ours dansant, suivis d’un marchand, de Bohémiens et de personnalités diverses. Après que la foule et la fête s’installent, un cri surgit du stand de marionnettes. Le Maure poursuit Petrouchka avec une hache et le tue. Le Maure devient alors la métaphore de l’indifférence aux sentiments humains. La police questionne le vieux mage, qui cherche à calmer l’ardeur de la foule consternée, en secouant les restes de paille et de sciure de Petrouchka, pour rappeler à tout le monde que ce n’était qu’une poupée sans âme, à la tête de bois. La nuit tombe et la foule se disperse, tandis que le mage s’en va, emportant avec lui le corps mou de Petrouchka. Maintenant que la place est vide, le vieux mage aperçoit avec frayeur le fantôme de Petrouchka (ou son âme, l’âme du peuple Russe), le narguer au-dessus de sa baraque, et s’enfuit apeuré. Petrouchka s’effondre alors, se balançant dans le vide, sans vie. La scène se termine et laisse le spectateur juger de ce qui fut réel ou non. Selon Boulez, le tour de passe-passe final, l’apparition de la marionnette au-dessus du castelet résume l’énigme Stravinsky, « ce mélange insolite d’agressivité et de poésie, de familiarité et de candeur, de bonne humeur et de mélancolie ».

MUSIQUE
L’œuvre est composée pour un très grand orchestre, dont les Bois se groupent par 5. (4 flûtes, 2 piccolos, 4 hautbois, cor anglais, 4 bassons, contrebasson, 4 cors, 2 trompettes, trompette piccolo, 2 cornets, 3 trombones, tuba, percussion, timbales, piano, célesta, 2 harpes, 18 premiers violons et 16 seconds violons, 14 altos, 12 violoncelles et 10 contrebasses. Le Piano y joue un rôle prépondérant. L’œuvre dure 34 minutes.
En 1947, Stravinsky revisitera Petrouchka (il réduit l’effectif de l’orchestre). Cette version ajoute un fortissimo à la conclusion de l’œuvre, au piano. Il rajoute des parties de piano là où elles doivent rappeler les tourments de Petrouchka (dans les 3èmes et 4èmes tableaux).
Debussy apprécia cette pièce.
Stravinsky dit avoir eu la vision d’un pantin subitement déchaîné qui, par ses cascades d’arpèges diaboliques, exaspère la patience de l’orchestre, qui lui répond par des fanfares menaçantes. Il s’ensuit une terrible bagarre qui se termine par l’affaissement douloureux et plaintif du pauvre pantin. Petrouchka est l’éternel héros malheureux de toutes les foires.

Sur le plan musical : l’œuvre est caractérisée par l’ « accord Petrouchka », composé de deux tierces augmentées, renfermant le terrible triton (écart de trois tons entre deux notes, tel qu’entre do et fa dièse, écart de notes redouté dans la musique précédent Stravinsky, désigné comme la marque du diable au Moyen Age. Cet accord caractéristique du personnage principal, est joué à sa venue, illustrant tout le caractère du malaise et du surnaturel. Stravinsky affectionnait cette structure harmonique, tel que, parmi d’autres, l’intervalle diminué ou l’utilisation d’une échelle de 8 tons, au lieu de 12. Stravinsky stylise et réhabilite ce que l’on avait comme coutume de considérer comme la vulgarité. C’est dans cet esprit que l’accordéon deviendra, ainsi que l’orgue de Barbarie un des thèmes fondamentaux de Petrouchka. Martèlements rythmiques entêtés, orchestration acide et grimaçante, citations parodiques faussement débonnaires (comme la chanson « elle avait une jambe de bois »). Six ans avant le scandale de « Parade » de Satie et Cocteau, Stravinsky chamboule l’univers compassé du classique, y introduisant la naïveté fantasque du cirque et l’ivresse goguenarde des fêtes foraines.
Le noyau de « Petrouchka » est resté le "Konzertstück" (il constitue le 2ème tableau du ballet : chez Petrouchka). Son expressivité tient à une bitonalité (do et fa dièse) rendant compte de la nature double de Petrouchka : à la fois marionnette et cœur humain.
Un autre tremplin fut, bien entendu, le folklore russe puisé dans les recueils, comme Rimski et d’autres avant lui. La foule, par exemple, au lever de rideau comme dans le finale, est soulevée par un superbe motif mi-païen mi-liturgique emprunté à une chanson pascale des environs de Smolensk. Le thème de la « Danse des Nourrices » qui ouvre le dernier tableau est très connu également (déjà utilisé par Balakirev ou Tchaïkovski).
Un progrès par rapport à « L’oiseau de Feu » : outre le dégraissage de l’orchestre, et le renouvellement du concept de motif, naîtra du souci d’échapper à la trop grande régularité des formules mélodiques par quatre mesures, modules thématiques qui ne réapparaît que lorsqu’un motif folklorique est cité tel quel.
Le rythme, dans Petrouchka, est un élément primordial, bien qu’encore fortement dépendant de la hiérarchie harmonique et mélodique même s’il tend, ici et là, à s’en émanciper…Stravinsky développe systématiquement les procédés de la métrique variable (inaugurée dans « l’Oiseau de Feu ») engendrant constamment la surprise par le déplacement des temps et des accents. Il procède quelquefois par superpositions de strates de durées différenciées, mais en restant asservi aux « polymélodies » instrumentales, sans constituer encore les structures polyrythmiques dont le « Sacre » fera état. Enfin, il est fortement lié à la rythmique populaire. C’est au niveau de la forme qu’il se manifeste de la façon la plus remarquable, et la plus efficace, par la juxtaposition des séquences rythmiques, de « plaques de temps » fortement caractérisées.

L’accueil du public : il fut fasciné. Synthèse dominée d’orchestre à la Rimski Korsakov, affirmation rythmique personnelle et harmonie héritée des admirations françaises. La musique de Petrouchka semblait approuver le souci qu’avait la France de Fauré-Debussy-Ravel de ne plus composer selon les règles italo-germaniques. Ayant rejeté la « forme-sonate », notre avant-garde s’exalta au produit de ce polytonalisme non fonctionnel, qui, moins anarchique que chez Moussorgski permettait les grandes formes tout en dégageant l’avenir. Un an après l’ « Oiseau de Feu », il s’est soumis tous les paramètres : livret, le profil général (3 parties et coda, parodie d’un plan de sonate) et surtout l’orchestration. Celle-ci, par l’éclat traditionnel des musiques Russes, n’appartient qu’à lui, ne doit rien à personne : Stravinsky s’affirme à lui seul comme le nouvel « avatar de la musique Russe ». Petrouchka répartit sa substance dramatique selon une trajectoire quasi Beethovénienne : Allegro, Andante, Allegro, Adagio.
Cette pièce continue à faire frémir le spectateur par le sujet tragique de l’histoire, le début d’une musique torturée, aux harmonies très dissonantes au service de l’illustration de sentiments humains, et du comportement des hommes, quelles qu’en soient les motivations.